« À mon avis, la typographie possède l'incroyable pouvoir de façonner le sens et de susciter des émotions, aussi efficacement qu'une photographie ou une illustration. En un sens, la typographie devient un personnage, se déplaçant sur la page de manière à enrichir ou amplifier le message. La page est une performance. »

L'influence discrète mais profonde du Guardian façonne la culture britannique et au-delà depuis 1821. Son nom est indissociable de son titre emblématique : son bleu calme et autoritaire, sa narration soigneusement hiérarchisée, ses touches de couleurs vives et sa police de caractères unique. Ce langage éditorial cohérent a été porté par le directeur artistique Chris Clarke, graphiste et musicien pluridisciplinaire. Sous la direction du directeur artistique exécutif Alex Breuer, Chris a participé à des étapes clés de l'image de marque du Guardian au cours de la dernière décennie, notamment la refonte du tabloïd en 2018 et la refonte du magazine Weekly un an plus tard.

Il dirige RoomFifty, une galerie d'art abordable, et est un artiste typographique réputé, spécialisé dans l'équilibre délicat entre artisanat discret et expression ludique. Un collègue a épinglé le carrefour créatif où Uskees se trouve. Voici ses cinq points positifs.

Commençons par parler de votre tenue Uskees. Vous avez opté pour notre nouvelle surchemise et notre nouveau pantalon à chevrons , qui vous vont d'ailleurs très bien. Est-ce une tenue que vous portez habituellement au quotidien ? Votre travail influence-t-il vos tenues ?

Merci ! J'ai tendance à privilégier les vêtements alliant fonctionnalité et subtilité, ce qui correspond à ma vision du design : sobre mais bien pensé. Quant à savoir si mon travail influence ma garde-robe, je dirais qu'il y a un lien évident. Ma façon d'aborder le design – penser à l'équilibre, aux textures, aux superpositions – se reflète dans ma façon de m'habiller. Avec deux jeunes enfants et un travail exigeant et en constante évolution, je privilégie les vêtements confortables pour les longues heures passées au bureau, mais qui restent élégants pour les réunions ou les verres du soir.

Porter des pièces bien confectionnées reflète aussi l'importance que j'accorde au savoir-faire et à l'intégrité du design. Cette paire Uskees en est la parfaite synthèse. J'apprécie le soin et l'attention apportés aux matériaux et à la fabrication. Ainsi, même si je ne porte pas de pièces trop audacieuses ou tape-à-l'œil, j'apprécie les vêtements qui dégagent une assurance discrète et raffinée, et qui proviennent d'une source éthique et durable.

Pour approfondir votre style graphique, un thème récurrent semble s'être imposé au fil des ans : une typographie ludique qui exprime avec art un sujet ou un thème. Cette approche est particulièrement présente dans les mises en page et les couvertures du Guardian Weekly, et elle est emblématique de votre imprimerie. Vous avez le don d'utiliser la typographie pour susciter des émotions et mettre en valeur des jeux de mots astucieux, en manipulant les caractères de manière réfléchie et dynamique. C'est une capacité à communiquer uniquement par la typographie. Quand ce style a-t-il commencé à émerger ? Qui ou qu'est-ce qui vous a inspiré, et diriez-vous qu'il a façonné votre parcours et vous a amené là où vous êtes aujourd'hui ?

La typographie a toujours été pour moi un aspect profondément personnel et significatif du design. Je pense que ce style a émergé naturellement, mais avec une forte base de curiosité et d'expérimentation. J'ai toujours été fasciné par la façon dont la typographie peut transcender la communication et devenir une forme d'art à part entière. Dès mes débuts en tant que designer, j'ai été attiré par l'idée que la typographie n'est pas seulement un support passif au service du contenu : elle peut « devenir » le contenu. La typographie, à mon avis, possède cet incroyable pouvoir de façonner le sens et de susciter des émotions, tout aussi efficacement qu'une photographie ou une illustration.

Avec le recul, je dirais que mon parcours de designer a été façonné par un mélange d'influences, tant conceptuelles que techniques. D'un côté, j'ai été profondément inspiré par le style international suisse, notamment par son utilisation de lignes épurées, de grilles et de simplicité. De l'autre, j'ai été attiré par les aspects plus expressifs et expérimentaux du design du XXe siècle. Le travail de designers comme David Carson, Neville Brody et Paula Scher, ainsi que d'artistes engagés comme Lawrence Weiner, Barbara Kruger et Jenny Holzer, m'ont encouragé à considérer la typographie comme un support polyvalent et dynamique, capable de véhiculer personnalité, humour, narration et, surtout, convictions sociétales et politiques.

Le tournant a été marqué par mes débuts dans le design éditorial et les couvertures de magazines, domaines où l'alliance du texte et de l'image est souvent la plus dynamique. J'ai découvert que la typographie pouvait servir non seulement à informer, mais aussi à enrichir la narration visuelle. En un sens, le texte devient un personnage, se déplaçant sur la page de manière à renforcer ou amplifier le message. La page est une performance.

En fin de compte, je pense que mon style a évolué vers quelque chose de réfléchi et de dynamique, comme vous l'avez mentionné. Il s'agit de trouver l'équilibre entre art et fonctionnalité, où forme et sens sont inextricablement liés. La typographie est un puissant outil de communication. Elle s'apparente à la musique : elle est définie par le rythme, l'harmonie et la cadence, mais avec un ensemble d'instruments unique. Son efficacité est maximale lorsque tous les éléments fonctionnent à l'unisson ; parfois lorsqu'ils se complètent ; souvent lorsqu'ils se superposent. Tout est une question d'équilibre, de jeu et de remise en question des attentes.

La possibilité de communiquer uniquement par la typographie est une chose qui me passionne constamment. Chaque décision a le potentiel d'évoquer quelque chose de plus profond que de simples mots.

En fin de compte, mon style allie art et fonctionnalité, où forme et sens sont indissociables. Ce qui compte le plus pour moi, c'est que les créations soient vivantes, une invitation à l'interaction au-delà des apparences. 

La refonte du Guardian en 2018 a représenté un changement majeur. Quels ont été les principaux défis à relever et comment avez-vous géré les éventuelles réticences des lecteurs plus traditionnels ? Ayant travaillé avec le nouveau système de conception depuis plusieurs années, l'avez-vous modifié ou fait évoluer d'une quelconque manière ?

Pour l'impression, le principal défi consistait à simplifier le design dans un format plus petit tout en préservant la complexité du contenu, en renforçant le dynamisme et la fluidité avec moins de suppléments. Le nouveau système, conçu sous la vision du directeur artistique exécutif Alex Breuer, s'est éloigné des mises en page denses et très structurées des années précédentes pour privilégier des espaces plus ouverts et flexibles, une grille modulaire et une police de caractères personnalisée et actualisée. Il s'agissait de réduire l'encombrement visuel, en laissant de l'espace pour que les mots et les photographies puissent respirer. L'enjeu était de trouver des moyens de moderniser le tout sans perdre le caractère distinctif de la publication et sans donner une impression de fugacité au design. Nous avons consacré beaucoup de temps aux archives, veillant à intégrer des détails historiques et à les intégrer à un design contemporain pour offrir une nouvelle perspective, empreinte de la riche tradition du Guardian.

Pour faire face aux réactions négatives, nous avons conservé la mission et les valeurs journalistiques du Guardian. Le design devait servir le contenu, et non le dominer, et nous avons travaillé en étroite collaboration avec les équipes éditoriales pour garantir l'intégrité du journal. Une refonte comme celle-ci est un processus permanent, et non un changement ponctuel. Il est important de maintenir le dialogue avec les lecteurs et les équipes internes, et de progresser avec la même dynamique que le monde dans lequel elle évolue.

Quant à l'évolution du système de conception, il a continué de s'adapter à l'évolution du paysage médiatique. La structure de base – épurée, ludique et flexible – est restée globalement la même, malgré quelques améliorations subtiles. Le côté numérique, sous la direction d'Alex Breuer, a influencé cette évolution, en mettant davantage l'accent sur le design mobile et en créant une expérience fluide sur tous les appareils. La typographie et la mise en page sont devenues encore plus adaptatives, permettant une présentation plus dynamique.

En bref, la refonte n'est pas restée statique ; il s'agit d'une réflexion continue entre le design, la direction éditoriale et la manière dont les lecteurs interagissent avec le contenu. Le design évolue avec les tendances, mais les principes fondamentaux qui ont fait le succès de la refonte de 2018 restent intacts. J'encourage toujours l'équipe à considérer ce projet comme une belle œuvre d'architecture. Une fois la structure en place, chacun est libre d'y ajouter ses propres graffitis.

La collaboration est au cœur de votre philosophie de conception, avec des partenariats avec des illustrateurs, des photographes et d'autres artistes. Comment cultivez-vous cette culture de collaboration malgré les contraintes des délais de publication ?

La collaboration est au cœur de ma philosophie de conception. C'est un aspect que je cultive et encourage au sein de l'équipe, même dans un contexte d'actualité en constante évolution. L'essentiel est de créer un environnement où chacun se sent libre d'apporter ses idées et son expertise, quelles que soient les échéances. J'ai toujours cru en une communication claire : définir les attentes en amont et s'assurer que chacun comprenne la vision, le cahier des charges et le calendrier. Cela crée un sentiment d'objectif et de direction partagés.

Dans le même esprit, j'apprécie la flexibilité. Si les délais de publication sont souvent non négociables, nous trouvons des moyens de laisser une place à l'exploration créative malgré ces contraintes. Les meilleures idées naissent souvent de séances de réflexion rapides, où chacun peut s'inspirer du travail, des expériences et des points de vue des autres. J'essaie également de nouer des relations solides et durables avec mes collaborateurs, afin d'instaurer une relation de confiance avant que la pression ne monte. Cette confiance nous permet de travailler efficacement sans sacrifier la créativité.

En fin de compte, la collaboration prospère lorsqu'il y a un équilibre entre structure et liberté : une vision claire, mais un espace pour le développement créatif. Les délais sont impartis, mais l'objectif est toujours de livrer quelque chose d'unique, quelles que soient les contraintes de temps.

The Guardian et The Guardian Weekly ont produit de nombreuses couvertures audacieuses et emblématiques au fil des ans. Parlez-nous de leur processus. Il doit y avoir beaucoup d'enthousiasme lorsqu'une belle couverture est sur le point d'être imprimée. Y a-t-il des hésitations ou des inquiétudes concernant les couvertures ? Certains concepts ne sont-ils jamais publiés ? Comment gérez-vous ces décisions ?

L'enthousiasme est palpable lorsqu'une belle couverture prend forme, surtout lorsqu'elle capture l'essence d'une histoire ou d'un moment, ou qu'elle est unique et audacieuse. Nombre de concepts ne sont jamais publiés. Certains sont jugés trop provocateurs, d'autres trop sages ou tout simplement pas assez percutants. Les contrôles juridiques, éthiques et éditoriaux font partie intégrante du processus, garantissant que les risques sont évalués et que les décisions reflètent à la fois créativité et responsabilité. Gérer ces décisions exige de trouver un équilibre entre audace et sensibilité. La couverture finale doit trouver un écho auprès des lecteurs, préserver l'intégrité de la publication et se démarquer, ce qui rend le processus souvent aussi difficile que gratifiant.

Le flux constant d'informations nous oblige à prendre du recul, voire à l'éviter complètement. Face à ce flux constant d'informations, comment restez-vous motivé et dynamique ? Comment entretenez-vous votre enthousiasme et votre créativité, notamment lorsque vous travaillez sur des sujets lourds, répétitifs ou émotionnellement éprouvants ? Existe-t-il des stratégies ou des sources d'inspiration particulières qui vous aident à aborder votre travail ?

Rester motivé passe souvent par la concentration sur l'objectif du travail : aider les gens à rester informés, susciter le changement, amplifier les voix importantes. Il est gratifiant de savoir l'impact que peut avoir une bonne narration, même dans les moments difficiles.

Pourtant, pour conserver énergie et créativité, prendre du recul peut être essentiel. Ces pauses dans l'actualité permettent de prendre du recul et de se ressourcer. Je suis très occupé en dehors du travail : je joue dans un groupe, je co-dirige une petite galerie en ligne et je collabore sur des projets insolites avec mon partenaire créatif de longue date, Leon Edler. La stimulation mentale que procure cette variété est essentielle pour rester inspiré et perspicace en tant que chef d'équipe, et constitue un antidote à certains aspects du monde du design dans lequel je travaille.

OK, c'est ici que nous vous demandons de recommander 5 bonnes choses dans votre ville, envoyant une certaine inspiration culturelle dans le monde.

Un restaurant ou un café que vous aimez

Je recommande le Speedboat Bar pour son ambiance ludique et rétro d'inspiration thaïlandaise. Il est également situé juste à côté du cinéma Curzon à Soho. Les deux forment un duo idéal.

Un documentaire que tout le monde devrait regarder.

Pour moi, c'est « How To with John Wilson » . C'est une série qui offre un mélange unique d'humour, de vulnérabilité et d'observations perspicaces du quotidien. Les guides pratiques de John prennent souvent des tournures inattendues, explorant des complexités plus profondes derrière des thèmes apparemment banals. Sa curiosité et son empathie transparaissent toujours, créant une expérience profondément captivante et souvent touchante. À voir absolument.

Quelqu’un dont le travail vous inspire.

Aussi simple que cela puisse paraître, mon équipe de designers m'inspire au quotidien : Alex Mellon, Andrew Stocks, Bruno Haward, Ellen Wishart, Harry Fischer, Ling Ko, Lynsey Irvine, Maggie Murphy, Marcus Peabody, Michael Becker, Rich Cousins, Sara Ramsbottom et Suzanne Lemon. Leur créativité, leur passion et leur génie sont une source constante de motivation et de fierté.

Un joyau caché, quelqu’un dont le travail mérite plus de lumière.

Je l'ai déjà mentionné, mais mon partenaire créatif de longue date, Leon Edler, continue de m'inspirer. Ses illustrations astucieuses et minimalistes allient avec brio esprit et profondeur, distillant des idées complexes en visuels simples et percutants. Son travail est stimulant et drôle, un équilibre entre art et perspicacité. Au-delà de l'illustration, c'est un écrivain et un conteur talentueux qui me stimule et me stimule créativement comme peu d'autres le peuvent.

Si quelqu’un visitait votre ville pour la première fois, où l’enverriez-vous et pourquoi ?

Niché au cœur des Docklands, le Prospect of Whitby est un pub historique doté d'une plage secrète. Pour moi, c'est une escapade sereine au bord de l'eau. Pour une première visite à Londres, c'est l'endroit idéal pour admirer la skyline et vivre une expérience unique et apaisante.

Vous pouvez en savoir plus sur Chris et son travail ici