Das Leben in einer der jüngsten Städte Großbritanniens bedeutet nicht, dass Sie keinen Zugang zu den Künsten haben. Sie müssen nicht lange suchen, um etwas zu finden, das Sie inspiriert.

Lernen Sie Oliver Winconek kennen, einen Porträt- und Figurkünstler, dessen Arbeit nicht nur Details, sondern auch echte Charaktere und Emotionen einfängt.

In seinem Studio in Wolverton, Buckinghamshire, arbeitet Oliver an Auftragsarbeiten für Persönlichkeiten wie Sir Ranulph Fiennes OBE, Jamie Staff MBE, Joe McFadden und Laurie Kynaston und stellt seine Arbeiten in Galerien im ganzen Land aus.

Was hat Sie dazu bewogen, mit Ölfarben zu arbeiten?

Ich glaube, dass mir durch meine Galeriebesuche in jungen Jahren schon immer bewusst war, dass viele großartige Kunstwerke in Öl gemalt sind. Daher erschien mir die Ölmalerei immer als der Inbegriff aller Kunstmaterialien. Als ich als Teenager jedoch zum ersten Mal versuchte, sie zu verwenden, hasste ich sie.

Ich war schockiert, als ich feststellte, dass es unglaublich schmutzig, stinkig und unglaublich lange trocknete. Eine Zeit lang fühlte sich Ölfarbe wie ein Fabelwesen an, dem ich mich nicht nähern wollte. Zum Glück habe ich das schnell überwunden!

Ihre Bilder fangen das Motiv im Moment ein. Es muss eine sehr intime Erfahrung sein, ein Porträt zu malen. Können Sie uns mehr darüber erzählen?

Letztendlich ist bei der Arbeit an einem Porträt das Motiv das Einzige, was wirklich zählt. Es ist so wichtig, Zeit mit dem Porträtierten zu verbringen und ein Bild davon zu bekommen, was ihn einzigartig macht; seine charakteristischen Merkmale, die ihn von allen anderen unterscheiden. Als Künstler muss man seine eigene Art von Kurzschrift entwickeln und diese Elemente zu einer authentischen Darstellung des Porträtierten verarbeiten.

Wer waren einige Ihrer herausragendsten Motive?

Alle meine Motive sind etwas Besonderes, aber die Zusammenarbeit mit Sir Ranulph Fiennes war wunderbar. Es ist unmöglich, nicht Ehrfurcht vor jemandem zu empfinden, der in seinem Leben so viele erstaunliche Leistungen vollbracht hat. Er war ein begnadetes Motiv; höflich, witzig, interessant und ein großartiger Erzähler.

Ihre Arbeiten wurden in renommierten Galerien ausgestellt, und Sie waren sogar im Fernsehen zu sehen. Was waren Ihre persönlichen Highlights?

Es ist immer wieder schön, wenn meine Arbeit von etablierten Institutionen und Galerien anerkannt wird, insbesondere von Orten, die ich in meiner Kindheit besucht habe – ich hätte mir nie vorstellen können, dass meine Arbeiten eines Tages auch dort zu sehen sein würden. Die Ausstellung im Rahmen der Royal Society of Portrait Painters war etwas ganz Besonderes; ein Punkt in meiner Karriere, den ich schon lange erreichen wollte. Die Anerkennung von Kollegen und Künstlerkollegen ist sicherlich ein Highlight.

Wie sind Sie in die Welt der Kunst eingestiegen und was hat Sie dazu inspiriert, die Malerei professionell zu verfolgen?

Ich bin seit über 20 Jahren hauptberuflich Künstlerin. 2005 zog ich nach Kent, und das war der Auslöser dafür, mich selbst zu fordern, die Dinge auf die nächste Stufe zu heben. Der Tapetenwechsel und die neuen Möglichkeiten, mit neuen Galerien und Institutionen zusammenzuarbeiten, bedeuteten, dass ich viel erreichen konnte. Es half auch, dass ich jung, enthusiastisch und ein bisschen naiv war!

Kunst und Malerei begleiten mich seit jeher. Es fühlte sich wie Schicksal an, dass ich es zu meinem Beruf machen sollte. Die Schule machte mir keinen Spaß, und Kunst schien das einzige Fach zu sein, in dem ich gut war. Andere Künstler, Kreative und Macher haben mich schon immer inspiriert. Zu sehen, wie Menschen ihr Talent nutzten und daraus einen Beruf machten, ließ mich all das erreichbar erscheinen – zu einer Zeit, als mich andere drängten, mir einen „richtigen Job“ zu suchen oder mir ein anderes Handwerk auszudenken. Ich war entschlossen, ihnen das Gegenteil zu beweisen und die Zweifler zum Schweigen zu bringen.

Wie hat sich Ihr Stil im Laufe der Jahre entwickelt und was hat diese Veränderungen beeinflusst?

In den ersten sechs bis acht Jahren meiner Karriere war ich von Urban- und Street-Art fasziniert. Sie war unglaublich beliebt und wirkte aufregend, gewagt und subversiv. Ich hatte keine formale Kunstausbildung und mochte daher den Guerilla-Aspekt, seine Werke öffentlich zu machen. Letztendlich mochte ich jedoch die flüchtige Natur der Straßenkunst nicht mehr.

Ich wollte ein Zeichen setzen und Kunstwerke schaffen, die die Menschen über Jahre hinweg lieben, schätzen und wertschätzen würden. Dies führte letztendlich dazu, dass ich mich stärker auf Galerien konzentrierte und mit der Zeit meine Liebe zu Auftragsporträts in Öl entwickelte.

Welchen Herausforderungen mussten Sie sich in Ihrer Karriere stellen und wie haben Sie diese gemeistert?

Die größten Herausforderungen waren meiner Meinung nach immer finanzieller oder psychologischer Natur. Anfangs war es schwierig, einen Kundenstamm aufzubauen und regelmäßige Verkäufe und Aufträge zu erzielen. Die Vertretung durch eine Galerie half dabei zwar etwas, aber letztendlich war alles spekulativ.

Es gab keine Garantie, dass sich meine Arbeiten verkaufen würden, und ich war ständig auf der Suche nach der nächsten großen Idee. Die Unbeständigkeit dieser Situation, gepaart mit der Isolation, die die Arbeit als Studiokünstler mit sich bringen kann, forderte ihren Tribut. Es dauerte eine Weile, bis ich mich an die Selbstständigkeit und den Gedanken gewöhnt hatte, dass alles auf meinen Schultern lastete, mein Einkommen nicht garantiert war und Erfolg oder Misserfolg von meiner künstlerischen Leistung abhingen.

Gibt es zeitgenössische Künstler oder Kunstbewegungen, die Sie besonders inspirierend finden?

So sehr ich die bildende Kunst und die Werke vieler zeitgenössischer Künstler liebe, suche ich meine Inspiration nicht unbedingt bei anderen Künstlern. Ich behaupte nicht, einzigartig oder originell zu sein, bin mir aber bewusst, dass mein Gehirn wie ein Schwamm wirkt und, wenn ich nicht aufpasse, Elemente anderer Künstler in meine eigenen einfließen. Ich verlasse mich lieber auf die Musik, die mich antreibt – sie läuft ständig im Studio, ermöglicht mir Konzentration und eliminiert unterbewusste Gedanken und äußere Reize.

Welchen Rat würden Sie aufstrebenden Künstlern geben, die in der Branche Fuß fassen möchten?

Ich denke, ich möchte unbedingt die Bedeutung regelmäßigen Übens betonen. Es scheint so, als ob sich aufstrebende Künstler oft darauf konzentrieren, sich von ihren Kollegen abzuheben und ihren eigenen Stil zu entwickeln. Dies kann jedoch häufig zu Phasen des Aufschiebens oder der Angst führen, etwas zu beginnen.

Es ist so wichtig, einfach kreativ zu sein, auch wenn es in einer anderen Disziplin geschieht. Es hilft bei der Hand-Augen-Koordination, der Entwicklung von Konzepten und Techniken, sorgt aber auch dafür, dass die kreative Seite Ihres Gehirns aktiviert ist und auf Hochtouren läuft.

Wie sieht Ihre Studioumgebung aus und welchen Einfluss hat sie auf Ihre Arbeit?

In meinem Atelier dreht sich alles um Kontinuität und Konzentration – mir ist es wichtig, dass sich die Umgebung nicht verändert oder Überraschungen hervorbringt. Ich arbeite bewusst nicht mit natürlichem Licht, sondern mit LED-Panels. So habe ich immer die gleichen Lichtverhältnisse, egal ob ich um 11 Uhr morgens oder um 23 Uhr abends male.

Meine Wände sind dunkelgrün/grau gestrichen und umgeben mich entweder von fertigen Werken oder von Gemälden, an denen ich gerade arbeite. Mein Hund Henry ist oft mit im Atelier und hat daher sein eigenes Sofa. Obwohl mein Atelier ein entspannter Ort ist, lege ich dort meist nicht viel Wert auf Komfort. In meinen Pausen verlasse ich den Raum meist und setze mich in einen der Gemeinschaftsräume. Es ist wunderbar, den Blick zu entspannen und entspannt mit einer neuen Perspektive zurückzukehren.

Woran arbeiten Sie im Moment, das Sie mit uns teilen können?

Ich arbeite derzeit an fünf verschiedenen Auftragsporträts für Kunden. Es kann schwierig sein, zwischen ihnen zu wechseln, da sie so unterschiedlich sind. Gleichzeitig ist es aber auch toll, viele Herausforderungen zu haben, die mich immer wieder anspornen. Außerdem arbeite ich an einem Porträt von Keith Brymer Jones (dem Hauptjuror des Pottery Throw-Down), plane Arbeiten für eine Gruppenausstellung im Oktober und befinde mich in der Anfangsphase eines neuen Selbstporträts. Es ist also eine sehr arbeitsreiche Zeit!

Aber was macht Oliver, wenn er nicht gerade Kunstwerke schafft? Hier sind seine 5 guten Dinge.

Überall, wo es grün ist und draußen! Ich verbringe natürlich viel Zeit im Studio, daher komme ich jedes Mal, wenn ich in der Natur bin, mit neuer Energie und Kraft zurück.

Ich habe vor langer Zeit gelernt, dass ich diesen Kontrast in meinem Leben brauche, um die Dinge aufzubrechen und für ein Gleichgewicht zu sorgen

2. Lieblingsrestaurant in Ihrer Stadt und ein Gericht, das Sie empfehlen würden?

Vero – ein italienisch-venezianisches Restaurant in der Nähe; die Arancini und Triangolini Scamorza passen perfekt zu einem Glas Rotwein.

3. Ein Musikstück, das Sie zum Malen inspiriert?

Etwas mit Energie. Das ist von Tag zu Tag unterschiedlich. Wenn ich schlecht drauf bin oder eine Auszeit hatte, greife ich normalerweise auf ein vertrautes Buch zurück. „Heroes“ von David Bowie ist immer eine gute Wahl.

4. Gibt es jemanden, dessen Arbeit mehr Anerkennung verdient?

Ich liebe die Arbeit von Ange Bell , einer Freundin und Porträtmalerin. Ihre Arbeiten sind sehr detailreich, kleine Porträts mit viel Farbe und Zeichen. Ich freue mich immer, ihr Werk zu sehen.

5. Ein Film oder eine Dokumentation, die jeder sehen sollte?

Wir haben uns vor Kurzem „The deepest breath“ auf Netflix angesehen, eine beeindruckende Dokumentation über das Freitauchen und zwei Taucher, die alles riskieren, um Rekordtauchgänge zu erzielen.

Als jemand, der bis vor einem Jahr nicht schwimmen konnte, bin ich erstaunt, wozu unser Körper mit dem richtigen Training und der brutalen, unerbittlichen Natur des Ozeans fähig ist.

Hier können Sie mehr über Oliver erfahren und mehr von seiner Arbeit sehen.