Meiner Ansicht nach hat Schrift die unglaubliche Kraft, Bedeutung zu formen und emotionale Reaktionen hervorzurufen – genauso effektiv wie ein Foto oder eine Illustration. In gewisser Weise wird die Schrift zu einer Figur, die sich über die Seite bewegt und so die Botschaft verstärkt oder verstärkt. Die Seite ist eine Performance.“

Der stille, aber tiefgreifende Einfluss des Guardian prägt seit 1821 die britische Kultur und darüber hinaus. Sein Name ist untrennbar mit seinem ikonischen Titelbild verbunden: das ruhige, prägnante Blau, die sorgfältig kuratierte Hierarchie des Geschichtenerzählens, die leuchtenden Farbtupfer als Wegweiser und die unverwechselbare Schriftart. Diese stimmige redaktionelle Designsprache wurde von Creative Director Chris Clarke, einem multidisziplinären Grafiker und Musiker, vorangetrieben. Unter der Leitung von Executive Creative Director Alex Breuer war Chris in den letzten zehn Jahren an wichtigen Markenmeilensteinen des Guardian beteiligt, darunter die Neugestaltung der Boulevardzeitung 2018 und die Neuinterpretation des Weekly-Magazins ein Jahr später.

Er betreibt RoomFifty, eine erschwingliche Kunstgalerie, und ist ein renommierter Typografiekünstler, der sich auf die knifflige Balance zwischen dezentem Handwerk und spielerischem Ausdruck spezialisiert hat. Ein Kollege hat die kreative Schnittstelle, an der Uskees sitzt, genau getroffen. Hier sind seine fünf guten Dinge.

Sprechen wir zunächst über die Uskees, die Sie tragen. Sie haben sich für unser neues Fischgräten-Overshirt und die passende Hose entschieden , in der Sie übrigens gut aussehen. Ist das ein typisches Outfit für Ihren Alltag ? Wie sieht es mit Ihrer Arbeit aus – bestimmt sie Ihre Kleidung?

Danke! Normalerweise bevorzuge ich Kleidung, die Funktionalität mit subtilen Details verbindet. Das entspricht in etwa meinem Designansatz: etwas, das zurückhaltend, aber dennoch durchdacht ist. Ob meine Arbeit meine Garderobe beeinflusst, würde ich sagen, da besteht definitiv ein Zusammenhang. Meine Herangehensweise an Design – ich denke über Balance, Textur und Lagen nach – spiegelt sich in meiner Kleidung wider. Mit zwei kleinen Kindern und einem anspruchsvollen, abwechslungsreichen Job bevorzuge ich Kleidung, die bequem für lange Stunden am Schreibtisch ist, sich aber trotzdem gut anfühlt, wenn ich abends zu Meetings oder auf einen Drink gehe.

Das Tragen gut verarbeiteter Stücke entspricht auch meinem Wert auf Handwerkskunst und Designintegrität. Diese Kombination von Uskees ist die perfekte Synthese davon. Ich schätze die Sorgfalt und Sorgfalt, die in Material und Verarbeitung stecken. Auch wenn ich vielleicht nichts allzu Auffälliges oder Protziges trage, trage ich gerne Kleidungsstücke, die ein ruhiges, edles Selbstbewusstsein ausstrahlen und aus ethischer und nachhaltiger Produktion stammen.

Um etwas über Ihren Designstil zu erfahren: Im Laufe der Jahre hat sich ein wiederkehrendes Thema herauskristallisiert: verspielte Typografie, die ein Thema kunstvoll vermittelt. Dieser Ansatz ist in den Layouts und auf den Titelseiten des Guardian Weekly deutlich zu erkennen und ein Markenzeichen Ihrer Druckerei. Sie haben die Gabe, mit Schrift Emotionen zu wecken, clevere Wortspiele hervorzuheben und die Charaktere auf durchdachte und dynamische Weise zu manipulieren. Es ist Ihre Fähigkeit, allein durch Typografie zu kommunizieren. Wann begann sich dieser Stil zu entwickeln? Wer oder was hat Sie inspiriert, und würden Sie sagen, dass es Ihren Weg geprägt und Sie dorthin gebracht hat, wo Sie heute sind?

Typografie war für mich schon immer ein zutiefst persönlicher und bedeutungsvoller Aspekt des Designs. Ich glaube, dieser Stil entwickelte sich ganz natürlich, wenn auch mit einer starken Basis aus Neugier und Experimentierfreude. Mich hat schon immer fasziniert, wie Schrift über die Kommunikation hinausgehen und zu einer eigenständigen Kunstform werden kann. Schon in meinen frühen Jahren als Designer faszinierte mich die Idee, dass Typografie nicht nur ein passives Medium ist, das Inhalten dient – ​​sie kann selbst zum Inhalt werden . Schrift hat meiner Meinung nach die unglaubliche Kraft, Bedeutung zu formen und emotionale Reaktionen hervorzurufen – genauso effektiv wie ein Foto oder eine Illustration.

Rückblickend würde ich sagen, dass mein Designweg von einer Mischung verschiedener Einflüsse geprägt war – sowohl konzeptioneller als auch technischer. Einerseits hat mich der Swiss International Style, insbesondere seine klaren Linien, Raster und seine Einfachheit, stark inspiriert. Gleichzeitig haben mich die expressiveren, experimentelleren Aspekte des Designs des 20. Jahrhunderts angezogen. Die Arbeiten von Designern wie David Carson, Neville Brody und Paula Scher sowie politisch engagierter Künstler wie Lawrence Weiner, Barbara Kruger und Jenny Holzer. Sie ermutigten mich, Typografie als vielseitiges, dynamisches Medium zu sehen, das Persönlichkeit, Humor, Geschichten und – ganz entscheidend – gesellschaftliche und politische Überzeugungen vermitteln kann.

Ein Wendepunkt war, als ich anfing, mich mit Editorial Design und Magazincovern zu beschäftigen – Bereiche, in denen die Verbindung von Schrift und Bild oft am dynamischsten ist. Ich entdeckte, dass Typografie nicht nur informieren, sondern auch das visuelle Geschichtenerzählen bereichern kann. Die Schrift wird gewissermaßen zu einer Figur, die sich über die Seite bewegt und so die Botschaft verstärkt oder verstärkt. Die Seite ist eine Performance.

Letztendlich denke ich, dass sich mein Stil zu etwas entwickelt hat, das sowohl durchdacht als auch dynamisch ist, wie Sie bereits erwähnt haben. Es geht darum, die Balance zwischen Kunstfertigkeit und Funktionalität zu finden – wo Form und Bedeutung untrennbar miteinander verbunden sind. Typografie ist ein mächtiges Kommunikationsmittel. Sie ist wie Musik – geprägt von Rhythmus, Harmonie und Tempo, aber mit einem einzigartigen Instrumentarium. Sie kann am effektivsten sein, wenn alle Elemente im Einklang wirken; manchmal, wenn sie sich gegenseitig ergänzen oder oft überlagern. Es geht um Ausgewogenheit, Verspieltheit und das Hinterfragen von Erwartungen.

Die Fähigkeit, allein durch Typografie zu kommunizieren, begeistert mich immer wieder. Jede Entscheidung hat das Potenzial, etwas Tieferes hervorzurufen als nur Worte allein.

Mein Stil verbindet Kunstfertigkeit und Funktionalität, wobei Form und Bedeutung untrennbar miteinander verbunden sind. Mir ist es am wichtigsten, dass die Designs lebendig wirken – eine Einladung zur Interaktion über den äußeren Schein hinaus. 

Das Redesign des Guardian im Jahr 2018 war eine bedeutende Veränderung. Was waren die größten Herausforderungen dabei, und wie sind Sie mit dem potenziellen Widerstand traditioneller Leser umgegangen? Haben Sie das neue Designsystem, das Sie nun schon seit einigen Jahren nutzen, in irgendeiner Weise verändert oder weiterentwickelt?

Im Druck bestand die größte Herausforderung darin, das Design auf ein kleineres Format zu reduzieren und gleichzeitig die Komplexität des Inhalts beizubehalten. So wurden Dynamik und Lesefluss durch weniger Ergänzungen erhöht. Das neue System, das unter der Vision von Executive Creative Director Alex Breuer entwickelt wurde, entfernte sich von den dichten, stark strukturierten Layouts der Vorjahre und setzte stattdessen auf offenere, flexiblere Flächen, ein modulares Raster und eine aktualisierte, individuelle Schriftart. Das bedeutete, die visuelle Unordnung zu reduzieren und Platz zu schaffen, damit Text und Fotografien atmen konnten. Die Kunst bestand darin, Wege zur Modernisierung zu finden, ohne den unverwechselbaren Charakter der Publikation zu verlieren und ohne das Design flüchtig wirken zu lassen. Wir verbrachten viel Zeit in den Archiven, um sicherzustellen, dass wir historische Details einarbeiteten und sie in das zeitgenössische Design einfügten, um eine neue Perspektive zu bieten, die das Erbe der reichen Tradition des Guardian in sich trägt.

Um dem Widerstand zu begegnen, konzentrierten wir uns auf die journalistische Mission und die Werte des Guardian. Das Design sollte den Inhalt unterstützen, nicht dominieren. Wir arbeiteten eng mit den Redaktionen zusammen, um die Integrität der Zeitung zu wahren. Ein solches Redesign ist immer ein Prozess, keine einmalige Änderung. Es ist wichtig, den Dialog mit Lesern und internen Teams aufrechtzuerhalten – und sich so dynamisch weiterzuentwickeln wie die Welt, in der es existiert.

Die Entwicklung des Designsystems hat sich als Reaktion auf die veränderte Medienlandschaft kontinuierlich weiterentwickelt. Die Kernstruktur – klar, verspielt und flexibel – ist weitgehend unverändert geblieben, wurde jedoch subtil verfeinert. Die digitale Seite, unter der Leitung von Alex Breuer, hat die Entwicklung maßgeblich beeinflusst, mit einem verstärkten Fokus auf Mobile-First-Design und der Schaffung eines geräteübergreifenden Erlebnisses. Typografie und Layout sind noch anpassungsfähiger geworden und ermöglichen eine dynamischere Präsentation.

Kurz gesagt: Das Redesign war nicht statisch; es war ein kontinuierlicher Austausch zwischen Design, redaktioneller Ausrichtung und der Art und Weise, wie Leser mit Inhalten interagieren. Mit den sich entwickelnden Trends passt sich das Design an, aber die Grundprinzipien, die das Redesign von 2018 so erfolgreich machten, bleiben erhalten. Ich ermutige das Team immer, es als ein schönes Stück Architektur zu betrachten. Sobald die Struktur steht, können Sie Ihre eigenen Graffiti hinzufügen.

Zusammenarbeit mit Illustratoren, Fotografen und anderen Künstlern ist ein wichtiger Bestandteil Ihrer Designphilosophie. Wie pflegen Sie eine Kultur der Zusammenarbeit trotz der engen Terminvorgaben?

Zusammenarbeit ist ein zentraler Bestandteil meiner Designphilosophie. Ich fördere und fördere sie im Team, selbst bei schnell wechselnden Nachrichten. Der Schlüssel liegt in einer Umgebung, in der sich jeder unabhängig von Deadlines befähigt fühlt, Ideen und Fachwissen einzubringen. Ich habe schon immer an klare Kommunikation geglaubt – indem ich frühzeitig Erwartungen kläre und sicherstelle, dass jeder die Vision, das Briefing und den Zeitplan versteht. Das schafft ein gemeinsames Zielbewusstsein und eine gemeinsame Richtung.

Gleichzeitig schätze ich Flexibilität. Obwohl Deadlines oft nicht verhandelbar sind, finden wir Möglichkeiten, innerhalb dieser Grenzen Raum für kreatives Arbeiten zu lassen. Die besten Ideen entstehen oft in kurzen Denkrunden, in denen jeder die Arbeit, den Hintergrund und die Perspektiven der anderen nutzen kann. Ich versuche außerdem, starke, dauerhafte Beziehungen zu meinen Mitarbeitern aufzubauen, damit Vertrauen entsteht, bevor der Druck steigt. Dieses Vertrauen ermöglicht es uns, effizient zu arbeiten, ohne die Kreativität zu opfern.

Letztendlich gedeiht Zusammenarbeit, wenn ein Gleichgewicht zwischen Struktur und Freiheit besteht – eine klare Vision, aber gleichzeitig Raum für den kreativen Prozess. Deadlines sind selbstverständlich, aber der Fokus liegt immer darauf, etwas Einzigartiges zu liefern, unabhängig vom Zeitdruck.

The Guardian und The Guardian Weekly haben im Laufe der Jahre viele mutige und ikonische Cover produziert. Erzählen Sie uns von dem Prozess dahinter. Es muss eine große Aufregung geben, wenn ein großartiges Cover in Druck geht. Gibt es Bedenken oder Bedenken bezüglich der Cover? Werden manche Konzepte nie veröffentlicht? Wie gehen Sie mit diesen Entscheidungen um?

Es ist eine spürbare Begeisterung, wenn ein großartiges Cover Gestalt annimmt, besonders wenn es die Essenz einer Geschichte oder eines Moments einfängt – oder einzigartig und gewagt wirkt. Viele Konzepte schaffen es nie in den Druck. Manche werden als zu provokant empfunden, andere als zu harmlos oder einfach nicht wirkungsvoll genug. Rechtliche, ethische und redaktionelle Überprüfungen sind integraler Bestandteil des Prozesses und stellen sicher, dass Risiken bewertet werden und Entscheidungen sowohl Kreativität als auch Verantwortung widerspiegeln. Diese Entscheidungen zu treffen bedeutet, Mut und Sensibilität in Einklang zu bringen. Das fertige Cover muss die Leser ansprechen, die Integrität der Publikation wahren und sich von anderen abheben – was den Prozess oft ebenso herausfordernd wie lohnend macht.

Der ständige Nachrichtenfluss zwingt viele von uns dazu, Abstand zu gewinnen oder ihn sogar ganz zu vermeiden. Wie bleiben Sie als Betroffener motiviert und voller Energie? Wie bewahren Sie Ihre Begeisterung und Kreativität, insbesondere bei Themen, die schwer, repetitiv oder emotional belastend sind? Gibt es bestimmte Strategien oder Inspirationsquellen, die Ihnen bei Ihrer Arbeit helfen?

Motiviert zu bleiben, entsteht oft durch die Konzentration auf den Zweck der Arbeit – Menschen auf dem Laufenden zu halten, Veränderungen anzustoßen und wichtigen Stimmen Gehör zu verschaffen. Es ist erfüllend zu wissen, welche Wirkung gutes Storytelling selbst an schwierigen Tagen haben kann.

Um Energie und Kreativität zu bewahren, kann es jedoch entscheidend sein, Abstand zu gewinnen. Pausen vom Nachrichtentrubel ermöglichen Perspektive und mentale Entspannung. Ich bin auch abseits der Arbeit beschäftigt – ich spiele in einer Band, betreibe eine kleine Online-Galerie und arbeite mit meinem langjährigen Kreativpartner Leon Edler an verrückten Projekten. Die mentale Anregung durch diese Abwechslung ist entscheidend, um als Teamleiter inspiriert und einfühlsam zu bleiben und bietet einen Ausgleich zu bestimmten Aspekten der Designwelt, in der ich arbeite.

OK, hier bitten wir Sie, 5 gute Dinge in Ihrer Stadt zu empfehlen und so etwas kulturelle Inspiration in die Welt hinauszusenden.

Ein Restaurant oder Café, das Sie mögen

Ich empfehle die Speedboat Bar wegen ihres verspielten, thailändischen Retro-Ambientes. Sie liegt außerdem direkt neben dem Curzon-Kino in Soho. Die beiden sind für mich die ideale Kombination.

Eine Dokumentation, die jeder sehen sollte.

Für mich ist es „How To“ mit John Wilson . Die Serie bietet eine einzigartige Mischung aus Humor, Verletzlichkeit und tiefgründigen Beobachtungen des Alltags. Johns Anleitungen nehmen oft unerwartete Wendungen und ergründen die tieferen Komplexitäten hinter scheinbar banalen Themen. Seine Neugier und sein Einfühlungsvermögen sind stets spürbar und sorgen für ein tiefgreifendes und oft berührendes Erlebnis. Jeder sollte sie sehen.

Jemand, dessen Arbeit Sie inspiriert.

So oberflächlich es auch klingt, mein Designerteam inspiriert mich jeden Tag aufs Neue: Alex Mellon, Andrew Stocks, Bruno Haward, Ellen Wishart, Harry Fischer, Ling Ko, Lynsey Irvine, Maggie Murphy, Marcus Peabody, Michael Becker, Rich Cousins, Sara Ramsbottom und Suzanne Lemon. Ihre Kreativität, Leidenschaft und Genialität sind eine ständige Quelle der Motivation und des Stolzes.

Ein verstecktes Juwel, jemand, dessen Arbeit mehr Licht verdient.

Ich habe ihn schon einmal erwähnt, aber mein langjähriger Kreativpartner Leon Edler inspiriert mich immer wieder. Seine cleveren, minimalistischen Illustrationen verbinden meisterhaft Witz und Tiefe und verdichten komplexe Ideen zu einfachen, wirkungsvollen Bildern. Seine Arbeiten sind zum Nachdenken anregend und witzig – eine Balance aus Kunst und Erkenntnis. Neben seiner Illustrationskunst ist er ein begabter Autor und Geschichtenerzähler, der mich kreativ inspiriert und herausfordert, wie es nur wenige andere können.

Wenn jemand Ihre Stadt zum ersten Mal besuchen würde, wohin würden Sie ihn schicken und warum?

Versteckt im Herzen der Docklands liegt das Prospect of Whitby, ein historisches Pub mit einem geheimen Strand. Für mich ist es ein ruhiger Rückzugsort am Flussufer. Bei jedem ersten London-Besuch ist es der perfekte Ort, um die Skyline zu genießen und ein einzigartiges, beruhigendes Erlebnis zu erleben.

Mehr über Chris und seine Arbeit erfahren Sie hier