« Le corps peut révéler des vérités que les mots ne peuvent exprimer. »
En 1983, le jeune Benji Reid s'arrête pour regarder un groupe de breakdance jouer dans la rue devant le centre commercial Arndale de Manchester. Ils s'appellent Broken Glass. Inspiré, il se lance à corps perdu dans le hip-hop britannique naissant, affrontant des B-boys lors de battles de danse à travers tout le pays. Benji devient rapidement membre de Broken Glass et remporte des championnats nationaux de breakdance et de body popping. Après un passage à la Northern School of Contemporary Dance, il devient danseur principal pour Soul II Soul lors de leur tournée mondiale des stades en 1990. De retour chez lui pour se consacrer à la performance physique et engagée, il co-crée le hip hop theatre, une fusion novatrice de poésie, de danse et de musique live. Il est directeur artistique de la compagnie renommée Breaking Cycles jusqu'en 2018, et s'est depuis réinventé en tant que photographe primé. Sa pratique du « choré-photolisme » utilise des mises en scène audacieuses pour explorer les thèmes de l'identité, de l'isolement, de l'afrofuturisme et bien plus encore. Préparez-vous à découvrir ses 5 coups de cœur.
Tu as commencé par le body popping avant de rejoindre le légendaire groupe de breakdance mancunien Broken Glass. Peux-tu nous parler un peu de tes débuts sur la scène hip-hop britannique ? Comment c'était ?
Les débuts étaient déjantés. Avant Broken Glass, j'essayais juste de me faire un nom, ce qui impliquait d'affronter quiconque se présentait. Dans les années 80, on avait des clubs de jeunes où se retrouvaient des élèves de différentes écoles. C'est comme ça qu'on a appris à connaître nos styles respectifs. Mais le vrai repaire où on enflammait la piste, c'était un club appelé Sands à Stretford, Manchester. Hewan Clarke était le DJ résident, et l'ambiance était électrique. C'était le Far West. Quand on y allait, c'était pour danser – sous-bock dans la poche, prêt à se déchaîner sur la piste.
On n'a jamais parlé de « battle », c'était toujours des « challenge ». Un challenge typique commençait avec un DJ qui passait un morceau électro, genre « ET Boogie ». Dès que ça commençait, les B-boys et les poppers se jetaient sur la piste. Un danseur se lançait dans une figure acrobatique, un cercle se formait, les stroboscopes clignotaient. L'énergie montait crescendo. On commençait à s'affronter. J'attendais que le challenge soit bien lancé avant de rejoindre le cercle, et quand je le faisais, c'était toujours sous les acclamations. À ce moment-là, j'avais déjà la réputation d'être un vrai dur.
Les vêtements étaient aussi importants que les mouvements. Je portais des salopettes, des baskets de boxe et un débardeur à dos losange. Le BMX était aussi très important pour moi à cette époque, et cela a influencé ma façon de m'habiller et de me comporter. Toute cette scène était un mélange de danse, de mode et de théâtre. Ces premiers défis ont façonné tout ce qui a suivi.
Peu de temps après, tu as intégré la Northern School of Contemporary Dance de Leeds. Du body popping dans les clubs et les événements à l'étude du ballet et de la danse comme forme d'art, comment ce changement a-t-il influencé ton expression, te faisant passer de la personne et de la danseuse que tu étais à celle que tu allais devenir ?
Je maintiens que mes trois années à la NSCD ont été les plus belles de ma vie. J'étais comme une éponge. Chaque semaine, un nouveau spectacle à découvrir, un nouvel univers qui s'ouvrait à moi. C'était un véritable bouleversement culturel. Nouvelle ville, nouvelle école, nouveaux camarades. On a été plongés directement dans le grand bain : ballet classique d'abord, puis danse contemporaine, histoire de la musique, chorégraphie. J'ai tout de suite adoré la chorégraphie et la conception lumière.
C’est au NSCD que j’ai découvert le théâtre contestataire sud-africain – des acteurs et des auteurs qui s’opposaient à l’apartheid. Des artistes comme Athol Fugard, John Kani et Winston Ntshona m’ont ouvert les yeux sur le pouvoir politique du spectacle vivant, sur sa capacité à exprimer quelque chose de plus grand qu’un simple mouvement. Leur théâtre n’était pas qu’une performance : c’était de la résistance, de la survie, une expression de la vérité.
À y regarder de plus près, on constate une corrélation directe entre la contestation et le théâtre hip-hop. Tous deux sont politiques. Tous deux relèvent de ce que j'appellerais du théâtre total, car ils utilisent tous les moyens : chant, rap, danses traditionnelles africaines, popping et breakdance, et ils sont souvent joués dans des lieux non conventionnels. Ces deux formes sont contre-culturelles, nées de la lutte et de la créativité, et elles portent ce même esprit de défiance.
En repensant aux différentes étapes de vos débuts professionnels, du breakdance à l'école de danse, en passant par les tournées mondiales avec Soul II Soul et la création de votre propre compagnie de danse et de théâtre, qu'est-ce qui vous a motivée ? Aviez-vous des inspirations ou des ambitions particulières ?
Ce qui m'a motivé, c'était la soif, une soif insatiable. Des clubs de jeunes au NSCD, puis en tournée avec Soul II Soul, j'ai toujours eu l'impression qu'il y avait encore tant à découvrir, tant à exprimer. Je ne voulais pas stagner.
Mes sources d'inspiration étaient partout : les groupes et les danseurs avec lesquels je m'entraînais, les professeurs qui me stimulaient à la NSCD, les musiciens et les artistes avec lesquels j'ai tourné. Mais au-delà de ça, il y avait l'ambition. Je voulais créer mon propre langage, ma propre façon d'être au monde.
La création de ma propre compagnie de théâtre physique s'inscrivait dans cette même dynamique. Je ne voulais pas me contenter de jouer selon la vision de quelqu'un d'autre. Je souhaitais créer des espaces où le travail puisse puiser directement dans mon âme, ma communauté, mon vécu. C'est ce qui m'a permis d'avancer. Je crois que le théâtre physique peut être bien plus qu'un simple divertissement. Il peut être une bouée de sauvetage, une manière d'exprimer des vérités qui, autrement, resteraient tues.
Même si vous vous réinventez constamment, au vu de vos débuts, cela semble logique et évolutif. À quel point cela vous a-t-il paru naturel à l'époque ? Qu'en est-il de votre passage à la photographie ? Pouvez-vous nous en parler et nous expliquer comment vous avez procédé ?
Vu de l'extérieur, mon parcours aurait pu paraître sans accroc, comme si chaque étape s'enchaînait naturellement, mais le vivre fut tout autre chose. À l'époque, chaque décision semblait risquée, comme un saut dans l'inconnu. Me réinventer n'était pas un choix ; c'était une question de survie.
Le passage à la photographie fut un de ces sauts dans le vide, une découverte fortuite. Après la faillite de ma société Breaking Cycles, en vidant mon bureau, j'ai trouvé un appareil photo destiné à documenter mes expositions, mais qui n'avait jamais servi. À ce moment-là, je n'avais plus rien, plus aucun travail. Une nouvelle vague d'artistes émergeait et je me sentais mise à l'écart. Alors je me suis repliée sur moi-même.
J'ai appris la photographie par moi-même, à force d'essais et d'erreurs. Ma fille Luna est devenue ma première muse, mon sujet principal, et c'est grâce à elle que j'ai commencé à développer mon regard. C'est là que j'ai compris comment le mouvement, la mise en scène et l'image pouvaient se conjuguer dans un seul cadre.
De l'extérieur, cela pourrait paraître une évolution naturelle, mais en réalité, j'étais perdue. Je me sentais déprimée et invisible. Ma réussite a reposé sur ce qui m'avait portée depuis le début : la vision et la persévérance. J'étais convaincue que si je restais fidèle à mon intuition, si je continuais à façonner mon travail avec sincérité et profondeur, le chemin se révélerait de lui-même. Et avec le recul, oui, cela semble être une évolution naturelle. Mais sur le moment, c'était simplement un nouveau saut dans le vide.
Votre photographie est si originale. À la fois onirique et envoûtante, mais aussi ludique et théâtrale. Quelle place occupent l'exploration et le jeu dans votre travail ?
Le jeu est au cœur de ma pratique. Je conçois la choréographie-photographie comme un espace où l'imagination, le mouvement et le théâtre se rencontrent, et c'est le jeu qui me permet de libérer ces interactions.
Pour moi, l'exploration commence toujours par la curiosité : et si ? Et si la gravité n'existait pas ? Et si un moment de désespoir pouvait se transformer en vol ? Et si nous mettions en scène l'impossible et le rendions visible ? Cet esprit ludique ouvre la porte à d'autres mondes.
Mais le jeu n'est pas seulement insouciance, c'est aussi risque, vulnérabilité, liberté – cette liberté que les enfants possèdent naturellement avant que le monde ne leur incite à se faire plus petits. Dans mon travail, je m'efforce constamment de retrouver cette énergie, de préserver cet enfant intérieur. C'est de là que vient la théâtralité, mais aussi l'authenticité.
Alors oui, mes images peuvent sembler d'un autre monde, mais elles naissent de ce simple acte de jouer avec les possibilités — de laisser libre cours à l'imagination et de lui faire confiance pour nous emmener, le spectateur et moi, vers un lieu inattendu.
La piste de danse. La compagnie de danse. Le foyer. Le corps. Serait-il juste de dire que votre travail consiste à créer des scènes de manière et dans des lieux inattendus ? Pourriez-vous nous en parler un peu ?
J'essaie de ne pas réduire mon travail à la seule danse, car il a toujours eu une portée plus vaste. Il est multidisciplinaire, puisant dans le théâtre, la photographie, les arts visuels, et même parfois la poésie. Pour moi, la scène ne se limite pas au théâtre ou à la piste de danse. La scène peut être partout, même au sein de l'imagination.
Je m'intéresse à la création de scènes dans des lieux inattendus : à la maison, dans la rue, au sein même du corps, ou encore à la manière dont une photographie fige un instant de tension. Parfois, la scène est littérale, parfois invisible. Ce qui importe, c'est un sentiment de présence, l'idée que cet espace est propice à une transformation.
C’est pourquoi je qualifie ma pratique de choréo-photolisme. Il s’agit de mettre en scène des histoires de manière inattendue et de nous rappeler que la performance, le rituel et l’art peuvent se déployer partout où la vie se déroule.
L'œuvre de Benji Reid semble largement axée sur le pouvoir de la perception. Il joue avec la communication de manière physique. Pourquoi cela vous intéresse-t-il ? Pourriez-vous préciser pourquoi vous exprimez certaines choses ?
Je dis ce qui doit être dit. C'est le point de départ. J'ai toujours été attirée par la communication physique — par le mouvement, par les images — car le corps peut exprimer des vérités que les mots ne peuvent saisir.
Pourquoi cela m'intéresse-t-il ? Parce que c'est nécessaire. Les voix comme la mienne n'étaient pas toujours entendues quand j'étais enfant. Nos histoires pouvaient être ignorées ou effacées. L'art m'a permis de remettre ces histoires au centre de l'attention : fortes, indéniables, présentes.
Une grande partie de mon travail consiste à faire évoluer les perceptions, à prendre ce que les gens croient savoir et à le tordre, le déformer, pour les forcer à voir les choses autrement. Qu'il s'agisse d'apesanteur, de vulnérabilité ou de résilience, je veux communiquer des choses qui comptent.
Comment votre rapport à l'art a-t-il évolué ? Vous avez eu une carrière si longue et passionnante. Vous apporte-t-il aujourd'hui la même satisfaction et le même intérêt ?
Ma relation à l'art a connu de nombreuses évolutions. Au début, c'était une véritable passion. Une soif insatiable, l'adrénaline, le frisson du mouvement et de l'expression. Plus tard, il s'est agi de construire : des compagnies, des expositions, des communautés. Puis, à certains moments, c'est devenu une question de survie, un besoin de s'accrocher à l'art quand tout semblait s'écrouler.
Aujourd'hui, l'art me comble toujours, mais différemment. Je cherche moins à faire mes preuves qu'à approfondir mon travail, à poser des questions plus difficiles, à créer un espace de vulnérabilité, à concevoir des images et des performances qui puissent évoquer la survie d'autrui.
L'art continue de m'intriguer car il est sans fin. Chaque fois que je pénètre dans l'atelier ou que je me place derrière l'objectif, je me souviens que l'art est un dialogue entre le monde et moi, un dialogue en perpétuelle évolution. La soif de création est toujours présente, mais tempérée par la réflexion. Je dirais que je suis plus patiente aujourd'hui, mais tout aussi impatiente.
Quels sont les artistes contemporains qui vous passionnent ? Pourquoi leur œuvre vous touche-t-elle autant ?
Mike Tyson m'enthousiasme, non seulement en tant que boxeur, mais aussi pour son parcours de lutte et de transformation. Partir de si bas et devenir champion du monde des poids lourds est déjà une performance remarquable. Mais ce qui m'inspire vraiment, c'est la façon dont il a dû se défaire de l'image d'« Iron Mike », ce masque d'invincibilité, et entreprendre un cheminement vers la découverte de sa véritable identité. Il faut du courage pour cela.
Et puis il y a J Dilla. Pour moi, c'est un saint. Il percevait la musique différemment. Ses rythmes étaient si inventifs, si ludiques, et pourtant si profonds. Dilla me rappelle que l'art peut transcender le temps, réinventer les règles, tout en restant profondément ancré dans l'âme.
Tous deux, à leur manière, incarnent ce que je recherche dans mon travail : la résilience, la réinvention et la capacité de façonner quelque chose de totalement original à partir de l'adversité.
Pour finir, une petite question à deux sur la mode. Tu es fan de hip-hop. Comment le hip-hop a-t-il influencé notre façon de nous habiller ? Comment a-t-il façonné ton style ?
Je suis un passionné de hip-hop dans l'âme. Peut-être moins avec la musique actuelle, mais l'esprit du hip-hop — créer quelque chose à partir de rien — ne m'a jamais quitté.
Le hip-hop a toujours été bien plus qu'un simple son. C'est une question d'attitude, d'identité, de style. Dès ses débuts, il a façonné notre manière d'être. Les vêtements sont devenus une sorte d'armure, une façon d'affirmer qui l'on était.
Aujourd'hui, l'influence du hip-hop sur moi est perceptible, non pas par nostalgie, mais dans ma façon d'utiliser les vêtements comme un mode d'expression, une manière de me présenter comme un prolongement de mon art. Pour moi, l'esprit de réinvention propre au hip-hop est permanent. Il est fondamental à ma façon de vivre et de créer.
Dans cette dernière partie, nous vous demandons de diffuser une source d'inspiration culturelle.
Le monde entier, en recommandant 5 bonnes choses et en expliquant pourquoi vous les avez choisies.
Un restaurant ou un café que vous aimez dans votre ville.
Pull Up, le restaurant caribéen du centre de Manchester. Sharon, la propriétaire, est formidable. On s'y sent comme à la maison à chaque fois. La cuisine, l'ambiance, l'accueil… tout y est chaleureux.
Un film que tout le monde devrait voir.
Delicatessen . Un film surréaliste et d'un humour noir, se déroulant dans un monde post-apocalyptique. Étrange, beau et troublant, il regorge d'inventivité, de textures et d'imagination. Il vous marquera durablement.
Un livre que tout le monde devrait lire.
« L’acte créatif : une façon d’être » de Rick Rubin. Ce livre nous rappelle que la créativité ne se limite pas à la production d’objets, mais qu’elle concerne aussi notre manière de vivre. Je pense que tout artiste, ou toute personne en quête de sa propre voix, devrait le lire.
Un album ou un artiste musical qui compte pour vous.
Don Blackman par Don Blackman.
Où enverriez-vous quelqu'un qui visitait votre ville ou votre région natale pour la première fois ?
Factory International. C'est le cœur culturel de Manchester. Si vous visitez la ville pour la première fois, c'est là que vous ressentirez le mieux son énergie créative.
Benji Reid portait la veste cirée North West 7001 en jaune britannique, notre pantalon de peintre en denim brut 5021 et un t-shirt à manches longues 7010 en acier.
5 bonnes choses - Benji Reid, Manchester, Royaume-Uni
« Le corps peut révéler des vérités que les mots ne peuvent exprimer. »
En 1983, le jeune Benji Reid s'arrête pour regarder un groupe de breakdance jouer dans la rue devant le centre commercial Arndale de Manchester. Ils s'appellent Broken Glass. Inspiré, il se lance à corps perdu dans le hip-hop britannique naissant, affrontant des B-boys lors de battles de danse à travers tout le pays. Benji devient rapidement membre de Broken Glass et remporte des championnats nationaux de breakdance et de body popping. Après un passage à la Northern School of Contemporary Dance, il devient danseur principal pour Soul II Soul lors de leur tournée mondiale des stades en 1990. De retour chez lui pour se consacrer à la performance physique et engagée, il co-crée le hip hop theatre, une fusion novatrice de poésie, de danse et de musique live. Il est directeur artistique de la compagnie renommée Breaking Cycles jusqu'en 2018, et s'est depuis réinventé en tant que photographe primé. Sa pratique du « choré-photolisme » utilise des mises en scène audacieuses pour explorer les thèmes de l'identité, de l'isolement, de l'afrofuturisme et bien plus encore. Préparez-vous à découvrir ses 5 coups de cœur.
Tu as commencé par le body popping avant de rejoindre le légendaire groupe de breakdance mancunien Broken Glass. Peux-tu nous parler un peu de tes débuts sur la scène hip-hop britannique ? Comment c'était ?
Les débuts étaient déjantés. Avant Broken Glass, j'essayais juste de me faire un nom, ce qui impliquait d'affronter quiconque se présentait. Dans les années 80, on avait des clubs de jeunes où se retrouvaient des élèves de différentes écoles. C'est comme ça qu'on a appris à connaître nos styles respectifs. Mais le vrai repaire où on enflammait la piste, c'était un club appelé Sands à Stretford, Manchester. Hewan Clarke était le DJ résident, et l'ambiance était électrique. C'était le Far West. Quand on y allait, c'était pour danser – sous-bock dans la poche, prêt à se déchaîner sur la piste.
On n'a jamais parlé de « battle », c'était toujours des « challenge ». Un challenge typique commençait avec un DJ qui passait un morceau électro, genre « ET Boogie ». Dès que ça commençait, les B-boys et les poppers se jetaient sur la piste. Un danseur se lançait dans une figure acrobatique, un cercle se formait, les stroboscopes clignotaient. L'énergie montait crescendo. On commençait à s'affronter. J'attendais que le challenge soit bien lancé avant de rejoindre le cercle, et quand je le faisais, c'était toujours sous les acclamations. À ce moment-là, j'avais déjà la réputation d'être un vrai dur.
Les vêtements étaient aussi importants que les mouvements. Je portais des salopettes, des baskets de boxe et un débardeur à dos losange. Le BMX était aussi très important pour moi à cette époque, et cela a influencé ma façon de m'habiller et de me comporter. Toute cette scène était un mélange de danse, de mode et de théâtre. Ces premiers défis ont façonné tout ce qui a suivi.
Peu de temps après, tu as intégré la Northern School of Contemporary Dance de Leeds. Du body popping dans les clubs et les événements à l'étude du ballet et de la danse comme forme d'art, comment ce changement a-t-il influencé ton expression, te faisant passer de la personne et de la danseuse que tu étais à celle que tu allais devenir ?
Je maintiens que mes trois années à la NSCD ont été les plus belles de ma vie. J'étais comme une éponge. Chaque semaine, un nouveau spectacle à découvrir, un nouvel univers qui s'ouvrait à moi. C'était un véritable bouleversement culturel. Nouvelle ville, nouvelle école, nouveaux camarades. On a été plongés directement dans le grand bain : ballet classique d'abord, puis danse contemporaine, histoire de la musique, chorégraphie. J'ai tout de suite adoré la chorégraphie et la conception lumière.
C’est au NSCD que j’ai découvert le théâtre contestataire sud-africain – des acteurs et des auteurs qui s’opposaient à l’apartheid. Des artistes comme Athol Fugard, John Kani et Winston Ntshona m’ont ouvert les yeux sur le pouvoir politique du spectacle vivant, sur sa capacité à exprimer quelque chose de plus grand qu’un simple mouvement. Leur théâtre n’était pas qu’une performance : c’était de la résistance, de la survie, une expression de la vérité.
À y regarder de plus près, on constate une corrélation directe entre la contestation et le théâtre hip-hop. Tous deux sont politiques. Tous deux relèvent de ce que j'appellerais du théâtre total, car ils utilisent tous les moyens : chant, rap, danses traditionnelles africaines, popping et breakdance, et ils sont souvent joués dans des lieux non conventionnels. Ces deux formes sont contre-culturelles, nées de la lutte et de la créativité, et elles portent ce même esprit de défiance.
En repensant aux différentes étapes de vos débuts professionnels, du breakdance à l'école de danse, en passant par les tournées mondiales avec Soul II Soul et la création de votre propre compagnie de danse et de théâtre, qu'est-ce qui vous a motivée ? Aviez-vous des inspirations ou des ambitions particulières ?
Ce qui m'a motivé, c'était la soif, une soif insatiable. Des clubs de jeunes au NSCD, puis en tournée avec Soul II Soul, j'ai toujours eu l'impression qu'il y avait encore tant à découvrir, tant à exprimer. Je ne voulais pas stagner.
Mes sources d'inspiration étaient partout : les groupes et les danseurs avec lesquels je m'entraînais, les professeurs qui me stimulaient à la NSCD, les musiciens et les artistes avec lesquels j'ai tourné. Mais au-delà de ça, il y avait l'ambition. Je voulais créer mon propre langage, ma propre façon d'être au monde.
La création de ma propre compagnie de théâtre physique s'inscrivait dans cette même dynamique. Je ne voulais pas me contenter de jouer selon la vision de quelqu'un d'autre. Je souhaitais créer des espaces où le travail puisse puiser directement dans mon âme, ma communauté, mon vécu. C'est ce qui m'a permis d'avancer. Je crois que le théâtre physique peut être bien plus qu'un simple divertissement. Il peut être une bouée de sauvetage, une manière d'exprimer des vérités qui, autrement, resteraient tues.
Même si vous vous réinventez constamment, au vu de vos débuts, cela semble logique et évolutif. À quel point cela vous a-t-il paru naturel à l'époque ? Qu'en est-il de votre passage à la photographie ? Pouvez-vous nous en parler et nous expliquer comment vous avez procédé ?
Vu de l'extérieur, mon parcours aurait pu paraître sans accroc, comme si chaque étape s'enchaînait naturellement, mais le vivre fut tout autre chose. À l'époque, chaque décision semblait risquée, comme un saut dans l'inconnu. Me réinventer n'était pas un choix ; c'était une question de survie.
Le passage à la photographie fut un de ces sauts dans le vide, une découverte fortuite. Après la faillite de ma société Breaking Cycles, en vidant mon bureau, j'ai trouvé un appareil photo destiné à documenter mes expositions, mais qui n'avait jamais servi. À ce moment-là, je n'avais plus rien, plus aucun travail. Une nouvelle vague d'artistes émergeait et je me sentais mise à l'écart. Alors je me suis repliée sur moi-même.
J'ai appris la photographie par moi-même, à force d'essais et d'erreurs. Ma fille Luna est devenue ma première muse, mon sujet principal, et c'est grâce à elle que j'ai commencé à développer mon regard. C'est là que j'ai compris comment le mouvement, la mise en scène et l'image pouvaient se conjuguer dans un seul cadre.
De l'extérieur, cela pourrait paraître une évolution naturelle, mais en réalité, j'étais perdue. Je me sentais déprimée et invisible. Ma réussite a reposé sur ce qui m'avait portée depuis le début : la vision et la persévérance. J'étais convaincue que si je restais fidèle à mon intuition, si je continuais à façonner mon travail avec sincérité et profondeur, le chemin se révélerait de lui-même. Et avec le recul, oui, cela semble être une évolution naturelle. Mais sur le moment, c'était simplement un nouveau saut dans le vide.
Votre photographie est si originale. À la fois onirique et envoûtante, mais aussi ludique et théâtrale. Quelle place occupent l'exploration et le jeu dans votre travail ?
Le jeu est au cœur de ma pratique. Je conçois la choréographie-photographie comme un espace où l'imagination, le mouvement et le théâtre se rencontrent, et c'est le jeu qui me permet de libérer ces interactions.
Pour moi, l'exploration commence toujours par la curiosité : et si ? Et si la gravité n'existait pas ? Et si un moment de désespoir pouvait se transformer en vol ? Et si nous mettions en scène l'impossible et le rendions visible ? Cet esprit ludique ouvre la porte à d'autres mondes.
Mais le jeu n'est pas seulement insouciance, c'est aussi risque, vulnérabilité, liberté – cette liberté que les enfants possèdent naturellement avant que le monde ne leur incite à se faire plus petits. Dans mon travail, je m'efforce constamment de retrouver cette énergie, de préserver cet enfant intérieur. C'est de là que vient la théâtralité, mais aussi l'authenticité.
Alors oui, mes images peuvent sembler d'un autre monde, mais elles naissent de ce simple acte de jouer avec les possibilités — de laisser libre cours à l'imagination et de lui faire confiance pour nous emmener, le spectateur et moi, vers un lieu inattendu.
La piste de danse. La compagnie de danse. Le foyer. Le corps. Serait-il juste de dire que votre travail consiste à créer des scènes de manière et dans des lieux inattendus ? Pourriez-vous nous en parler un peu ?
J'essaie de ne pas réduire mon travail à la seule danse, car il a toujours eu une portée plus vaste. Il est multidisciplinaire, puisant dans le théâtre, la photographie, les arts visuels, et même parfois la poésie. Pour moi, la scène ne se limite pas au théâtre ou à la piste de danse. La scène peut être partout, même au sein de l'imagination.
Je m'intéresse à la création de scènes dans des lieux inattendus : à la maison, dans la rue, au sein même du corps, ou encore à la manière dont une photographie fige un instant de tension. Parfois, la scène est littérale, parfois invisible. Ce qui importe, c'est un sentiment de présence, l'idée que cet espace est propice à une transformation.
C’est pourquoi je qualifie ma pratique de choréo-photolisme. Il s’agit de mettre en scène des histoires de manière inattendue et de nous rappeler que la performance, le rituel et l’art peuvent se déployer partout où la vie se déroule.
L'œuvre de Benji Reid semble largement axée sur le pouvoir de la perception. Il joue avec la communication de manière physique. Pourquoi cela vous intéresse-t-il ? Pourriez-vous préciser pourquoi vous exprimez certaines choses ?
Je dis ce qui doit être dit. C'est le point de départ. J'ai toujours été attirée par la communication physique — par le mouvement, par les images — car le corps peut exprimer des vérités que les mots ne peuvent saisir.
Pourquoi cela m'intéresse-t-il ? Parce que c'est nécessaire. Les voix comme la mienne n'étaient pas toujours entendues quand j'étais enfant. Nos histoires pouvaient être ignorées ou effacées. L'art m'a permis de remettre ces histoires au centre de l'attention : fortes, indéniables, présentes.
Une grande partie de mon travail consiste à faire évoluer les perceptions, à prendre ce que les gens croient savoir et à le tordre, le déformer, pour les forcer à voir les choses autrement. Qu'il s'agisse d'apesanteur, de vulnérabilité ou de résilience, je veux communiquer des choses qui comptent.
Comment votre rapport à l'art a-t-il évolué ? Vous avez eu une carrière si longue et passionnante. Vous apporte-t-il aujourd'hui la même satisfaction et le même intérêt ?
Ma relation à l'art a connu de nombreuses évolutions. Au début, c'était une véritable passion. Une soif insatiable, l'adrénaline, le frisson du mouvement et de l'expression. Plus tard, il s'est agi de construire : des compagnies, des expositions, des communautés. Puis, à certains moments, c'est devenu une question de survie, un besoin de s'accrocher à l'art quand tout semblait s'écrouler.
Aujourd'hui, l'art me comble toujours, mais différemment. Je cherche moins à faire mes preuves qu'à approfondir mon travail, à poser des questions plus difficiles, à créer un espace de vulnérabilité, à concevoir des images et des performances qui puissent évoquer la survie d'autrui.
L'art continue de m'intriguer car il est sans fin. Chaque fois que je pénètre dans l'atelier ou que je me place derrière l'objectif, je me souviens que l'art est un dialogue entre le monde et moi, un dialogue en perpétuelle évolution. La soif de création est toujours présente, mais tempérée par la réflexion. Je dirais que je suis plus patiente aujourd'hui, mais tout aussi impatiente.
Quels sont les artistes contemporains qui vous passionnent ? Pourquoi leur œuvre vous touche-t-elle autant ?
Mike Tyson m'enthousiasme, non seulement en tant que boxeur, mais aussi pour son parcours de lutte et de transformation. Partir de si bas et devenir champion du monde des poids lourds est déjà une performance remarquable. Mais ce qui m'inspire vraiment, c'est la façon dont il a dû se défaire de l'image d'« Iron Mike », ce masque d'invincibilité, et entreprendre un cheminement vers la découverte de sa véritable identité. Il faut du courage pour cela.
Et puis il y a J Dilla. Pour moi, c'est un saint. Il percevait la musique différemment. Ses rythmes étaient si inventifs, si ludiques, et pourtant si profonds. Dilla me rappelle que l'art peut transcender le temps, réinventer les règles, tout en restant profondément ancré dans l'âme.
Tous deux, à leur manière, incarnent ce que je recherche dans mon travail : la résilience, la réinvention et la capacité de façonner quelque chose de totalement original à partir de l'adversité.
Pour finir, une petite question à deux sur la mode. Tu es fan de hip-hop. Comment le hip-hop a-t-il influencé notre façon de nous habiller ? Comment a-t-il façonné ton style ?
Je suis un passionné de hip-hop dans l'âme. Peut-être moins avec la musique actuelle, mais l'esprit du hip-hop — créer quelque chose à partir de rien — ne m'a jamais quitté.
Le hip-hop a toujours été bien plus qu'un simple son. C'est une question d'attitude, d'identité, de style. Dès ses débuts, il a façonné notre manière d'être. Les vêtements sont devenus une sorte d'armure, une façon d'affirmer qui l'on était.
Aujourd'hui, l'influence du hip-hop sur moi est perceptible, non pas par nostalgie, mais dans ma façon d'utiliser les vêtements comme un mode d'expression, une manière de me présenter comme un prolongement de mon art. Pour moi, l'esprit de réinvention propre au hip-hop est permanent. Il est fondamental à ma façon de vivre et de créer.
Dans cette dernière partie, nous vous demandons de diffuser une source d'inspiration culturelle.
Le monde entier, en recommandant 5 bonnes choses et en expliquant pourquoi vous les avez choisies.
Un restaurant ou un café que vous aimez dans votre ville.
Pull Up, le restaurant caribéen du centre de Manchester. Sharon, la propriétaire, est formidable. On s'y sent comme à la maison à chaque fois. La cuisine, l'ambiance, l'accueil… tout y est chaleureux.
Un film que tout le monde devrait voir.
Delicatessen . Un film surréaliste et d'un humour noir, se déroulant dans un monde post-apocalyptique. Étrange, beau et troublant, il regorge d'inventivité, de textures et d'imagination. Il vous marquera durablement.
Un livre que tout le monde devrait lire.
« L’acte créatif : une façon d’être » de Rick Rubin. Ce livre nous rappelle que la créativité ne se limite pas à la production d’objets, mais qu’elle concerne aussi notre manière de vivre. Je pense que tout artiste, ou toute personne en quête de sa propre voix, devrait le lire.
Un album ou un artiste musical qui compte pour vous.
Don Blackman par Don Blackman.
Où enverriez-vous quelqu'un qui visitait votre ville ou votre région natale pour la première fois ?
Factory International. C'est le cœur culturel de Manchester. Si vous visitez la ville pour la première fois, c'est là que vous ressentirez le mieux son énergie créative.
Benji Reid portait la veste cirée North West 7001 en jaune britannique, notre pantalon de peintre en denim brut 5021 et un t-shirt à manches longues 7010 en acier.