« Je pense que la poterie, en tant qu'artisanat, est à l'abri d'une numérisation complète, car, tout comme pour les tableaux, un dîner dans un restaurant réputé ou un concert de son musicien préféré, on y va pour l'aspect humain, pas pour une machine qui réinvente et crache d'étranges variations. »
Dans un coin tranquille du nord de Londres, Florian Gadsby a créé un espace où le bourdonnement du tour de potier et le crissement de l'argile sont bien plus que de simples sons de création : ils constituent son rythme méditatif. Florian, dont le parcours, d'une école Waldorf-Steiner à un céramiste de renommée internationale, a fasciné des millions de personnes, est reconnu non seulement pour la perfection de ses poteries, mais aussi pour la manière dont il partage avec le monde la belle imperfection de son processus créatif. Ses mains façonnent peut-être de la faïence riche en fer en d'élégants récipients, mais son véritable art réside dans la transformation de cet artisanat ancestral en une expérience numérique moderne, qui allie art et ASMR dans une symphonie tactile sereine.
De son apprentissage auprès de maîtres à Londres et au Japon à l'immense popularité acquise sur les réseaux sociaux, Gadsby incarne l'équilibre parfait entre tradition et créativité contemporaine. Son travail ne se limite pas à la poterie : c'est un art de raconter des histoires à travers l'argile, où chaque pièce, façonnée avec soin, capture un instant de concentration, de maîtrise, et peut-être, parfois, une petite fissure ou un défaut d'émaillage, partagés avec une transparence absolue. Lors de notre entretien avec Florian, nous explorons la dimension spirituelle de son art : les leçons tirées de la poterie Leach, sa philosophie de l'imperfection et comment un atelier autrefois saturé par le bourdonnement d'une blanchisserie industrielle résonne désormais d'une créativité à la fois paisible et déterminée.
Votre œuvre comprend à la fois de la vaisselle fonctionnelle et des récipients décoratifs. Comment parvenez-vous à concilier l'aspect pratique de la création de pièces fonctionnelles et la liberté artistique de la céramique sculpturale ?
Lorsque j'apprenais le métier, j'étais obsédé par la création d'objets parfaitement fonctionnels : des bords épais et arrondis, des anses ovales, incurvées et lisses qui épousent parfaitement la forme de la main, et des bases finies de manière à être inrayables. Pourtant, ces pots manquaient de caractère et ne se démarquaient pas.
Aujourd'hui, mon travail étant devenu plus sculptural, j'ai intégré ces éléments à mes objets utilitaires. Si cela les rend plus fragiles ou moins confortables (dans une certaine mesure), cela ne me dérange pas. Ce sont des pots précieux, destinés aux rituels, et j'imagine que leur prix les rend recherchés et considérés comme des objets de collection. Je sais donc pertinemment qu'ils ne sont pas tous utilisés au quotidien ; on pourrait les comparer à cette précieuse veste que l'on porte avec soin seulement pour certaines occasions.
J'aime l'idée de créer des poteries utilitaires, et les miennes le sont, mais elles ne sont pas aussi robustes que les céramiques industrielles et nécessitent donc une manipulation délicate. Si j'avais le choix, je préférerais que mes poteries soient plus intéressantes, angulaires, fines, légères et originales, quitte à sacrifier un peu de fonctionnalité.
Dans « De mes mains » , vous abordez la variation des techniques de fabrication de la céramique selon les régions, ce que je trouve fascinant. Sans trop en dévoiler, qu'est-ce qui, selon vous, explique ces différences ? Est-ce davantage lié à la culture, à l'histoire locale et aux traditions ? Ou bien à l'environnement ? Les matériaux locaux jouent-ils un rôle plus important ? Peut-être même les types d'objets du quotidien utilisés en Occident par rapport à l'Asie, où vous avez séjourné ?
Tout cela entre en jeu, d'une manière ou d'une autre. L'environnement, les traditions, l'histoire locale, l'histoire de l'artisanat, la gastronomie et, j'imagine, la période d'apparition de certaines techniques. En réalité, les différences observées sont comparables à la cuisine d'un pays : historiquement, les types de poteries fabriquées dépendaient des matériaux locaux, ce qui explique précisément la grande variété et la richesse de cet artisanat.
L'Asie, et plus particulièrement la Chine, la Corée et le Japon, entretient un lien bien plus profond avec la céramique, non seulement en raison de l'ancienneté de cet artisanat, mais aussi du profond respect qu'il suscite. Dès leur plus jeune âge, les gens utilisent des pots artisanaux spécifiques pour certains repas, cérémonies, le thé, et les nations (notamment le Japon) s'attachent à préserver l'artisanat et les traditions. C'est un spectacle magnifique : lors de mes six mois d'apprentissage à Mashiko, au Japon, j'ai été profondément touchée par la vénération que les Japonais portent à la poterie. Ce respect pour les artisans, ceux qui ont consacré leur vie à la création et aux objets qu'ils façonnent, est rare en Occident, et je crains fort que notre société n'atteigne jamais ce niveau. Le respect que les Japonais portent à leur environnement, la propreté de leurs rues, leur courtoisie et leur bienveillance envers autrui, tout cela contribue à leur respect des traditions dans de nombreux aspects de leur vie, et c'est une valeur que nous avons perdue.
Je suppose qu'une seconde partie à cette question est de savoir comment votre propre environnement a influencé et continue d'influencer votre pratique et, par conséquent, les objets que vous créez ?
C'est drôle, la question que je déteste qu'on me pose, c'est celle de savoir ce qui m'inspire, surtout parce que je pense que beaucoup de gens se tournent d'emblée vers la « nature », de façon vague et souvent sans inspiration. Nous sommes tous inspirés par le monde qui nous entoure, pourtant je crois qu'une certaine dureté de la ville transparaît dans mon travail, peut-être involontairement. Cela se perçoit dans les angles, les arêtes vives, les bords fins et l'aspect vitreux ou métallique que j'utilise comme placage sur le travail rigoureux de l'argile que je façonne avec tant de minutie. J'ai grandi à Londres, empruntant quotidiennement des tunnels revêtus de métal, de béton, de verre ; tout cela s'est insidieusement immiscé en moi.
Dans un monde idéal, j'adorerais pouvoir extraire de l'argile et rassembler des matériaux pour l'émaillage dans ma région, mais la plupart sont destinés à des cuissons à basse température et, évidemment, on ne peut pas creuser trop librement autour de High Barnet. C'est peut-être finalement cela qui me poussera à quitter la ville, car incorporer le territoire environnant dans mes poteries, même de façon mineure, leur donne plus de profondeur et d'authenticité.
En résumé, je ne suis pas aussi au fait de mon environnement local que je le souhaiterais. La plupart de mes matières premières proviennent de fournisseurs du Royaume-Uni qui s'approvisionnent en feldspath en Espagne. Il est également intéressant de constater que, d'une certaine manière, je me sens plus proche des créateurs internationaux que des artisans locaux, car mon activité se déroule principalement en ligne (je ne vends pas dans les boutiques et ne participe qu'à de rares expositions). Ainsi, même si je vis la plupart du temps en solitaire, je reste très connectée au monde.
Lorsque vous commencez une œuvre entièrement nouvelle, à quel point votre idée est-elle structurée avant de commencer à travailler l'argile au tour ? Votre travail est-il parfois spontané ou avez-vous une forme et une finition bien précises en tête ?
Je ne tourne quasiment jamais sans avoir préalablement en tête une image précise de ce que je vais créer. L'idée peut être aussi vague que « bols anguleux », mais cela suffit à déterminer la façon dont je centre l'argile. La forme de la masse centrale varie selon le récipient que je tournerai ensuite ; je ne me lance donc jamais à l'aveuglette. En fait, je dirais même que tout potier expérimenté sait plus ou moins ce qu'il va réaliser avant de commencer. Ils peuvent prétendre le contraire, mais je n'y crois pas.
Nombre de vos poteries sont conçues pour un usage quotidien, et pourtant elles sont réalisées avec un soin et une précision remarquables. Qu'espérez-vous que les gens ressentent lorsqu'ils intègrent vos créations à leur vie de tous les jours ?
Je possède quelques tasses de Jaejun Lee, un potier coréen qui réalise des pièces artisanales d'une qualité exceptionnelle, réalisées avec un souci du détail remarquable. Leur finition est si soignée que je suis toujours émerveillée par le fait qu'elles soient entièrement faites à la main. C'est un véritable plaisir de les tenir, de boire dedans et de les admirer. Je serais très heureuse si les autres avaient la même réaction.
Vous avez déjà mentionné que l'atelier d'un potier reflète son état d'esprit. Pourriez-vous nous décrire votre processus créatif et comment vous organisez votre espace de travail pour favoriser la concentration et la sérénité ?
On me dit souvent que mon atelier est tellement rangé que je ne dois pas faire de poterie. En réalité, je n'arrive pas à me concentrer si l'espace est en désordre, enfin, tout est relatif. C'est donc la première chose qui m'aide à garder l'esprit clair et concentré. En même temps, et c'est peut-être un peu agaçant, depuis que j'ai développé ce mode de fonctionnement basé sur la vente et le blogging en ligne, avoir un espace propre contribue à ce que les choses soient photogéniques et ordonnées. J'ai en quelque sorte cultivé une image et je ressens le besoin de la préserver.
Deuxièmement, j'essaie de limiter les influences céramiques extérieures dans mon espace. Il est déjà assez difficile d'être original de nos jours, et il suffit de quelques minutes sur son téléphone pour voir des milliers de pots qui peuvent s'insinuer inconsciemment dans notre esprit et nous inciter à les reproduire. C'est pourquoi je préfère n'avoir que mes propres pots accrochés aux murs, accompagnés d'objets en métal, de bols, de serre-livres et de chutes de céramique chinées. J'aime l'idée de laisser un autre matériau influencer mon travail, car cela ouvre la voie à des idées nouvelles et originales.
Pour les autres, ça donnerait juste l'impression que je suis obsédée par le fait d'aligner les pots en rangées bien nettes ou par ordre de hauteur.
Vous avez évoqué votre passion pour l'expérimentation des émaux. Quelle technique ou découverte récente vous a le plus enthousiasmé, et comment choisissez-vous les pièces sur lesquelles l'appliquer ?
Dans la continuité de mes réflexions précédentes, afin de sauver les pièces ratées (celles qui ont mal cuit à cause de petits défauts d'émaillage, de déformations, etc.), j'applique au pinceau des couches d'oxyde de fer noir, un métal, sur celles qui conservent une forme correcte. Je les recuis ensuite une deuxième, voire une troisième fois, à 1290 °C en atmosphère réductrice (cône 10 pour les potiers qui me lisent). Ce procédé crée des surfaces métalliques d'une complexité fascinante, toujours similaires, mais jamais identiques. Elles sont recouvertes de ruisselets de métal poli comme un miroir, de gouttelettes, de flaques de fer et de stries évoquant la rouille. Ce ne sont pas les récipients les plus fonctionnels, car ils sont fragiles, mais ils sont étranges et mystérieux, et souvent, on n'a même pas l'impression d'être en céramique. Et j'adore ça.
Pour l'avenir, y a-t-il des projets passionnants en perspective ou des objectifs personnels ou artistiques que vous n'avez pas encore explorés mais que vous avez hâte de poursuivre dans les années à venir ?
Ce qui me passionne vraiment, ce sont les grandes pièces aux surfaces de plus en plus métalliques, les expérimentations avec des argiles et des émaux carmin, et tout simplement la création continue. J'ai quelques projets en cours, mais je ne peux encore rien dévoiler, désolée.
Un deuxième livre est en préparation depuis des mois. J'ai quelques ébauches de chapitres, des idées, des croquis de pages à inclure, mais je cherche encore la trame narrative que je souhaite raconter. Mon premier livre, « De mes mains : L'apprentissage de la poterie », a été facile à écrire, car il s'agissait essentiellement d'un récit autobiographique explorant les notions d'enseignement, de tradition et de l'évolution du savoir-faire artisanal selon les lieux et les personnes. Mais, comme on dit, le voyage est souvent plus intéressant que la destination, et depuis 2019, je suis pratiquement plongé dans l'argile, à fabriquer des poteries. Il y a eu des moments marquants, des périodes de pratique intense et de dévouement, mais rien qui justifie 400 pages supplémentaires.
Mais il y a peut-être quelque chose…
Vous avez exprimé votre admiration pour les techniques traditionnelles de poterie. Quelles innovations modernes en céramique vous enthousiasment, et comment intégrez-vous la tradition aux pratiques contemporaines ?
Pour être tout à fait honnête, la plupart des idées modernes et innovantes en céramique ne m'enthousiasment guère. L'impression 3D d'argile a beau avoir fait son apparition, ce n'est pas ce genre de poteries qui m'a fait me lancer dans cet art. J'ai toujours voulu exceller dans un domaine : travail du métal, illustration, scénographie… mais le hasard a fait que mon chemin s'est arrêté sur la poterie. Je rêvais d'être habile, une artisane accomplie, capable de créer des théières, des assiettes, des vases, n'importe quoi. Et je regrette de dire que l'impression 3D d'argile nuit à cet objectif (même si certains l'utilisent de façon intéressante), mais pour moi, elle enlève tout le plaisir du processus créatif.
J'ai vu des artisans utiliser l'IA pour enrichir leur travail, comme source d'inspiration. On lui fournit une série de photos de leurs créations et on lui demande de concevoir quelque chose de nouveau ou d'innovant, tout en restant dans le même esprit et en repoussant les limites d'une manière ou d'une autre. Cela ne me pose pas vraiment de problème : l'être humain a toujours su trouver l'inspiration et, de toute façon, il doit encore façonner les objets.
Pourtant, je pense que la poterie, en tant qu'artisanat, est à l'abri d'une numérisation complète. À l'instar des tableaux, d'un dîner dans un restaurant réputé ou d'un concert de son musicien préféré, on y va pour l'aspect humain, et non pour une machine qui réinvente et produit d'étranges variations. On y va pour le créateur, la personne, et pour son talent.
Passons maintenant aux 5 bonnes choses à faire. Nous vous demandons de recommander 5 choses intéressantes dans votre ville et, nous l'espérons, d'inciter les gens à les découvrir.
Un restaurant/café que vous recommanderiez, et quel plat en particulier ?
Les nouilles de verre de Kiln valent vraiment la peine de faire la queue, et le nom du restaurant est tout simplement parfait. J'y vais dès que j'en ai l'occasion.
Un documentaire que tout le monde devrait voir ?
Ce n'est peut-être pas un documentaire, mais la visite de David Attenborough dans l'atelier de la légendaire potière Lucie Rie est touchante et brillante, et elle donne tellement de vie et de caractère à une artisane si vénérée.
(Série 16, épisode 6. Attenborough interviewe Lucie Rie à propos de sa poterie d'atelier).
Une personne dont le travail vous inspire ?
Jiro Nagase, un métallurgiste/sculpteur japonais qui utilise exclusivement l'aluminium de manière extrêmement ingénieuse.
Un joyau caché, quelqu'un dont le travail mériterait d'être davantage mis en lumière ?
Eve Gnoyke fabrique de jolis pots cuits au bois et des boutons en argile que j'ai cousus avec joie, et maladroitement, sur ma vieille veste d'« apprentie », bouclant ainsi la boucle.
Un endroit où se détendre, s'évader ou trouver l'inspiration dans votre ville ?
Je m'excuse pour cette réponse si évidente, mais Hampstead Heath est un endroit vraiment exceptionnel. À Londres, nous avons la chance d'avoir une végétation luxuriante, mais Hampstead Heath est immense et ses sentiers isolés permettent de s'y perdre facilement et d'échapper à l'agitation de la ville et aux autres promeneurs de chiens. Ma compagne, Daria, et notre teckel nain, Ciro, attendent toujours avec impatience nos promenades du week-end ici. Sous les arbres, les feuilles et la boue se mêlent, et Ciro, une longue branche rongée entre les dents, aime en porter la plus longue qu'il trouve et donner des petits coups de baguette aux passants.
Vous pouvez en savoir plus sur Florian et sa magnifique collection d'œuvres ici .
Florian porte la surchemise en toile 3024 avec poches superposées .
5 bonnes choses - Florian Gadsby - Londres, Royaume-Uni
« Je pense que la poterie, en tant qu'artisanat, est à l'abri d'une numérisation complète, car, tout comme pour les tableaux, un dîner dans un restaurant réputé ou un concert de son musicien préféré, on y va pour l'aspect humain, pas pour une machine qui réinvente et crache d'étranges variations. »
Dans un coin tranquille du nord de Londres, Florian Gadsby a créé un espace où le bourdonnement du tour de potier et le crissement de l'argile sont bien plus que de simples sons de création : ils constituent son rythme méditatif. Florian, dont le parcours, d'une école Waldorf-Steiner à un céramiste de renommée internationale, a fasciné des millions de personnes, est reconnu non seulement pour la perfection de ses poteries, mais aussi pour la manière dont il partage avec le monde la belle imperfection de son processus créatif. Ses mains façonnent peut-être de la faïence riche en fer en d'élégants récipients, mais son véritable art réside dans la transformation de cet artisanat ancestral en une expérience numérique moderne, qui allie art et ASMR dans une symphonie tactile sereine.
De son apprentissage auprès de maîtres à Londres et au Japon à l'immense popularité acquise sur les réseaux sociaux, Gadsby incarne l'équilibre parfait entre tradition et créativité contemporaine. Son travail ne se limite pas à la poterie : c'est un art de raconter des histoires à travers l'argile, où chaque pièce, façonnée avec soin, capture un instant de concentration, de maîtrise, et peut-être, parfois, une petite fissure ou un défaut d'émaillage, partagés avec une transparence absolue. Lors de notre entretien avec Florian, nous explorons la dimension spirituelle de son art : les leçons tirées de la poterie Leach, sa philosophie de l'imperfection et comment un atelier autrefois saturé par le bourdonnement d'une blanchisserie industrielle résonne désormais d'une créativité à la fois paisible et déterminée.
Votre œuvre comprend à la fois de la vaisselle fonctionnelle et des récipients décoratifs. Comment parvenez-vous à concilier l'aspect pratique de la création de pièces fonctionnelles et la liberté artistique de la céramique sculpturale ?
Lorsque j'apprenais le métier, j'étais obsédé par la création d'objets parfaitement fonctionnels : des bords épais et arrondis, des anses ovales, incurvées et lisses qui épousent parfaitement la forme de la main, et des bases finies de manière à être inrayables. Pourtant, ces pots manquaient de caractère et ne se démarquaient pas.
Aujourd'hui, mon travail étant devenu plus sculptural, j'ai intégré ces éléments à mes objets utilitaires. Si cela les rend plus fragiles ou moins confortables (dans une certaine mesure), cela ne me dérange pas. Ce sont des pots précieux, destinés aux rituels, et j'imagine que leur prix les rend recherchés et considérés comme des objets de collection. Je sais donc pertinemment qu'ils ne sont pas tous utilisés au quotidien ; on pourrait les comparer à cette précieuse veste que l'on porte avec soin seulement pour certaines occasions.
J'aime l'idée de créer des poteries utilitaires, et les miennes le sont, mais elles ne sont pas aussi robustes que les céramiques industrielles et nécessitent donc une manipulation délicate. Si j'avais le choix, je préférerais que mes poteries soient plus intéressantes, angulaires, fines, légères et originales, quitte à sacrifier un peu de fonctionnalité.
Dans « De mes mains » , vous abordez la variation des techniques de fabrication de la céramique selon les régions, ce que je trouve fascinant. Sans trop en dévoiler, qu'est-ce qui, selon vous, explique ces différences ? Est-ce davantage lié à la culture, à l'histoire locale et aux traditions ? Ou bien à l'environnement ? Les matériaux locaux jouent-ils un rôle plus important ? Peut-être même les types d'objets du quotidien utilisés en Occident par rapport à l'Asie, où vous avez séjourné ?
Tout cela entre en jeu, d'une manière ou d'une autre. L'environnement, les traditions, l'histoire locale, l'histoire de l'artisanat, la gastronomie et, j'imagine, la période d'apparition de certaines techniques. En réalité, les différences observées sont comparables à la cuisine d'un pays : historiquement, les types de poteries fabriquées dépendaient des matériaux locaux, ce qui explique précisément la grande variété et la richesse de cet artisanat.
L'Asie, et plus particulièrement la Chine, la Corée et le Japon, entretient un lien bien plus profond avec la céramique, non seulement en raison de l'ancienneté de cet artisanat, mais aussi du profond respect qu'il suscite. Dès leur plus jeune âge, les gens utilisent des pots artisanaux spécifiques pour certains repas, cérémonies, le thé, et les nations (notamment le Japon) s'attachent à préserver l'artisanat et les traditions. C'est un spectacle magnifique : lors de mes six mois d'apprentissage à Mashiko, au Japon, j'ai été profondément touchée par la vénération que les Japonais portent à la poterie. Ce respect pour les artisans, ceux qui ont consacré leur vie à la création et aux objets qu'ils façonnent, est rare en Occident, et je crains fort que notre société n'atteigne jamais ce niveau. Le respect que les Japonais portent à leur environnement, la propreté de leurs rues, leur courtoisie et leur bienveillance envers autrui, tout cela contribue à leur respect des traditions dans de nombreux aspects de leur vie, et c'est une valeur que nous avons perdue.
Je suppose qu'une seconde partie à cette question est de savoir comment votre propre environnement a influencé et continue d'influencer votre pratique et, par conséquent, les objets que vous créez ?
C'est drôle, la question que je déteste qu'on me pose, c'est celle de savoir ce qui m'inspire, surtout parce que je pense que beaucoup de gens se tournent d'emblée vers la « nature », de façon vague et souvent sans inspiration. Nous sommes tous inspirés par le monde qui nous entoure, pourtant je crois qu'une certaine dureté de la ville transparaît dans mon travail, peut-être involontairement. Cela se perçoit dans les angles, les arêtes vives, les bords fins et l'aspect vitreux ou métallique que j'utilise comme placage sur le travail rigoureux de l'argile que je façonne avec tant de minutie. J'ai grandi à Londres, empruntant quotidiennement des tunnels revêtus de métal, de béton, de verre ; tout cela s'est insidieusement immiscé en moi.
Dans un monde idéal, j'adorerais pouvoir extraire de l'argile et rassembler des matériaux pour l'émaillage dans ma région, mais la plupart sont destinés à des cuissons à basse température et, évidemment, on ne peut pas creuser trop librement autour de High Barnet. C'est peut-être finalement cela qui me poussera à quitter la ville, car incorporer le territoire environnant dans mes poteries, même de façon mineure, leur donne plus de profondeur et d'authenticité.
En résumé, je ne suis pas aussi au fait de mon environnement local que je le souhaiterais. La plupart de mes matières premières proviennent de fournisseurs du Royaume-Uni qui s'approvisionnent en feldspath en Espagne. Il est également intéressant de constater que, d'une certaine manière, je me sens plus proche des créateurs internationaux que des artisans locaux, car mon activité se déroule principalement en ligne (je ne vends pas dans les boutiques et ne participe qu'à de rares expositions). Ainsi, même si je vis la plupart du temps en solitaire, je reste très connectée au monde.
Lorsque vous commencez une œuvre entièrement nouvelle, à quel point votre idée est-elle structurée avant de commencer à travailler l'argile au tour ? Votre travail est-il parfois spontané ou avez-vous une forme et une finition bien précises en tête ?
Je ne tourne quasiment jamais sans avoir préalablement en tête une image précise de ce que je vais créer. L'idée peut être aussi vague que « bols anguleux », mais cela suffit à déterminer la façon dont je centre l'argile. La forme de la masse centrale varie selon le récipient que je tournerai ensuite ; je ne me lance donc jamais à l'aveuglette. En fait, je dirais même que tout potier expérimenté sait plus ou moins ce qu'il va réaliser avant de commencer. Ils peuvent prétendre le contraire, mais je n'y crois pas.
Nombre de vos poteries sont conçues pour un usage quotidien, et pourtant elles sont réalisées avec un soin et une précision remarquables. Qu'espérez-vous que les gens ressentent lorsqu'ils intègrent vos créations à leur vie de tous les jours ?
Je possède quelques tasses de Jaejun Lee, un potier coréen qui réalise des pièces artisanales d'une qualité exceptionnelle, réalisées avec un souci du détail remarquable. Leur finition est si soignée que je suis toujours émerveillée par le fait qu'elles soient entièrement faites à la main. C'est un véritable plaisir de les tenir, de boire dedans et de les admirer. Je serais très heureuse si les autres avaient la même réaction.
Vous avez déjà mentionné que l'atelier d'un potier reflète son état d'esprit. Pourriez-vous nous décrire votre processus créatif et comment vous organisez votre espace de travail pour favoriser la concentration et la sérénité ?
On me dit souvent que mon atelier est tellement rangé que je ne dois pas faire de poterie. En réalité, je n'arrive pas à me concentrer si l'espace est en désordre, enfin, tout est relatif. C'est donc la première chose qui m'aide à garder l'esprit clair et concentré. En même temps, et c'est peut-être un peu agaçant, depuis que j'ai développé ce mode de fonctionnement basé sur la vente et le blogging en ligne, avoir un espace propre contribue à ce que les choses soient photogéniques et ordonnées. J'ai en quelque sorte cultivé une image et je ressens le besoin de la préserver.
Deuxièmement, j'essaie de limiter les influences céramiques extérieures dans mon espace. Il est déjà assez difficile d'être original de nos jours, et il suffit de quelques minutes sur son téléphone pour voir des milliers de pots qui peuvent s'insinuer inconsciemment dans notre esprit et nous inciter à les reproduire. C'est pourquoi je préfère n'avoir que mes propres pots accrochés aux murs, accompagnés d'objets en métal, de bols, de serre-livres et de chutes de céramique chinées. J'aime l'idée de laisser un autre matériau influencer mon travail, car cela ouvre la voie à des idées nouvelles et originales.
Pour les autres, ça donnerait juste l'impression que je suis obsédée par le fait d'aligner les pots en rangées bien nettes ou par ordre de hauteur.
Vous avez évoqué votre passion pour l'expérimentation des émaux. Quelle technique ou découverte récente vous a le plus enthousiasmé, et comment choisissez-vous les pièces sur lesquelles l'appliquer ?
Dans la continuité de mes réflexions précédentes, afin de sauver les pièces ratées (celles qui ont mal cuit à cause de petits défauts d'émaillage, de déformations, etc.), j'applique au pinceau des couches d'oxyde de fer noir, un métal, sur celles qui conservent une forme correcte. Je les recuis ensuite une deuxième, voire une troisième fois, à 1290 °C en atmosphère réductrice (cône 10 pour les potiers qui me lisent). Ce procédé crée des surfaces métalliques d'une complexité fascinante, toujours similaires, mais jamais identiques. Elles sont recouvertes de ruisselets de métal poli comme un miroir, de gouttelettes, de flaques de fer et de stries évoquant la rouille. Ce ne sont pas les récipients les plus fonctionnels, car ils sont fragiles, mais ils sont étranges et mystérieux, et souvent, on n'a même pas l'impression d'être en céramique. Et j'adore ça.
Pour l'avenir, y a-t-il des projets passionnants en perspective ou des objectifs personnels ou artistiques que vous n'avez pas encore explorés mais que vous avez hâte de poursuivre dans les années à venir ?
Ce qui me passionne vraiment, ce sont les grandes pièces aux surfaces de plus en plus métalliques, les expérimentations avec des argiles et des émaux carmin, et tout simplement la création continue. J'ai quelques projets en cours, mais je ne peux encore rien dévoiler, désolée.
Un deuxième livre est en préparation depuis des mois. J'ai quelques ébauches de chapitres, des idées, des croquis de pages à inclure, mais je cherche encore la trame narrative que je souhaite raconter. Mon premier livre, « De mes mains : L'apprentissage de la poterie », a été facile à écrire, car il s'agissait essentiellement d'un récit autobiographique explorant les notions d'enseignement, de tradition et de l'évolution du savoir-faire artisanal selon les lieux et les personnes. Mais, comme on dit, le voyage est souvent plus intéressant que la destination, et depuis 2019, je suis pratiquement plongé dans l'argile, à fabriquer des poteries. Il y a eu des moments marquants, des périodes de pratique intense et de dévouement, mais rien qui justifie 400 pages supplémentaires.
Mais il y a peut-être quelque chose…
Vous avez exprimé votre admiration pour les techniques traditionnelles de poterie. Quelles innovations modernes en céramique vous enthousiasment, et comment intégrez-vous la tradition aux pratiques contemporaines ?
Pour être tout à fait honnête, la plupart des idées modernes et innovantes en céramique ne m'enthousiasment guère. L'impression 3D d'argile a beau avoir fait son apparition, ce n'est pas ce genre de poteries qui m'a fait me lancer dans cet art. J'ai toujours voulu exceller dans un domaine : travail du métal, illustration, scénographie… mais le hasard a fait que mon chemin s'est arrêté sur la poterie. Je rêvais d'être habile, une artisane accomplie, capable de créer des théières, des assiettes, des vases, n'importe quoi. Et je regrette de dire que l'impression 3D d'argile nuit à cet objectif (même si certains l'utilisent de façon intéressante), mais pour moi, elle enlève tout le plaisir du processus créatif.
J'ai vu des artisans utiliser l'IA pour enrichir leur travail, comme source d'inspiration. On lui fournit une série de photos de leurs créations et on lui demande de concevoir quelque chose de nouveau ou d'innovant, tout en restant dans le même esprit et en repoussant les limites d'une manière ou d'une autre. Cela ne me pose pas vraiment de problème : l'être humain a toujours su trouver l'inspiration et, de toute façon, il doit encore façonner les objets.
Pourtant, je pense que la poterie, en tant qu'artisanat, est à l'abri d'une numérisation complète. À l'instar des tableaux, d'un dîner dans un restaurant réputé ou d'un concert de son musicien préféré, on y va pour l'aspect humain, et non pour une machine qui réinvente et produit d'étranges variations. On y va pour le créateur, la personne, et pour son talent.
Passons maintenant aux 5 bonnes choses à faire. Nous vous demandons de recommander 5 choses intéressantes dans votre ville et, nous l'espérons, d'inciter les gens à les découvrir.
Un restaurant/café que vous recommanderiez, et quel plat en particulier ?
Les nouilles de verre de Kiln valent vraiment la peine de faire la queue, et le nom du restaurant est tout simplement parfait. J'y vais dès que j'en ai l'occasion.
Un documentaire que tout le monde devrait voir ?
Ce n'est peut-être pas un documentaire, mais la visite de David Attenborough dans l'atelier de la légendaire potière Lucie Rie est touchante et brillante, et elle donne tellement de vie et de caractère à une artisane si vénérée.
(Série 16, épisode 6. Attenborough interviewe Lucie Rie à propos de sa poterie d'atelier).
Une personne dont le travail vous inspire ?
Jiro Nagase, un métallurgiste/sculpteur japonais qui utilise exclusivement l'aluminium de manière extrêmement ingénieuse.
Un joyau caché, quelqu'un dont le travail mériterait d'être davantage mis en lumière ?
Eve Gnoyke fabrique de jolis pots cuits au bois et des boutons en argile que j'ai cousus avec joie, et maladroitement, sur ma vieille veste d'« apprentie », bouclant ainsi la boucle.
Un endroit où se détendre, s'évader ou trouver l'inspiration dans votre ville ?
Je m'excuse pour cette réponse si évidente, mais Hampstead Heath est un endroit vraiment exceptionnel. À Londres, nous avons la chance d'avoir une végétation luxuriante, mais Hampstead Heath est immense et ses sentiers isolés permettent de s'y perdre facilement et d'échapper à l'agitation de la ville et aux autres promeneurs de chiens. Ma compagne, Daria, et notre teckel nain, Ciro, attendent toujours avec impatience nos promenades du week-end ici. Sous les arbres, les feuilles et la boue se mêlent, et Ciro, une longue branche rongée entre les dents, aime en porter la plus longue qu'il trouve et donner des petits coups de baguette aux passants.
Vous pouvez en savoir plus sur Florian et sa magnifique collection d'œuvres ici .
Florian porte la surchemise en toile 3024 avec poches superposées .