„Wenn ich Schallplatten essen könnte, würde ich es tun.“
Es gibt die unterschiedlichsten Künstler, und dann gibt es Gruff Rhys. Ende der 80er-Jahre tauchte er mit der walisischen Band Ffa Coffi Pawb (übersetzt: Jedermanns Kaffeebohnen) auf und wurde Frontmann der Klangforscher Super Furry Animals. Ihr psychedelischer Pop-Glam-Folk-Cocktail katapultierte sie weit über die Britpop-Avantgarde hinaus. Seitdem umfasst seine eigenwillige Karriere eine Reihe gefeierter Soloalben, Konzeptalben als eine Hälfte von Neon Neon, die Leitung eines Labels, das Künstler wie Cate Le Bon veröffentlicht, Filmmusiken, Theateradaptionen und ein Musikfestival. Man kann sich das vorstellen. Gruff ist ein vielschichtiger, nachdenklicher und verspielter Künstler, der sich freundlicherweise Zeit für ein Gespräch mit uns für „5 Good Things“ nahm.
Bei einer so langen und abwechslungsreichen Karriere wie Ihrer ist es vielleicht am besten, ganz von vorne anzufangen. Sie sind in einem überwiegend walisischsprachigen Dorf aufgewachsen, richtig? Können Sie uns etwas darüber erzählen? Wie hat das Ihre kreativen Impulse gefördert?
Musikalisch gesehen bedeuteten die 1970er und 80er Jahre meiner Kindheit, sonntagabends den Besuch einer walisischsprachigen, freikirchlichen Kapelle und morgens die Sonntagsschule (was mit ein Grund dafür war, dass die walisische Sprache so lange aus dem offiziellen Bildungssystem verbannt blieb). So wuchs ich mit intensivem Kirchenliedgesang und dem Ergründen von Harmonien auf: Liedkonstruktion durch Osmose. Damals erschien mir das anstrengend, aber es brachte mich zum Singen, ob ich wollte oder nicht.
In meiner Kapelle war es üblich, den letzten Refrain zu wiederholen, und diese Tradition prägt noch heute meine Lieder. Damals lief auch „Top of the Pops“ im Fernsehen, es gab irisches Popradio (RTÉ 2fm aus Dublin – BBC Radio 1 konnten wir wegen der Berge nicht empfangen), die Zeitschriften NME, Melody Maker und Sounds im Zeitungskiosk und das Magazin Sgrech in der walisischsprachigen Buchhandlung. Mitte der 80er-Jahre erlebte das Tal einen regelrechten Boom walisischer Gitarrenbands, was mich dazu inspirierte, mit Freunden die Band Ffa Coffi Pawb zu gründen. Zeitgleich ging 1983 der walisische Fernsehsender S4C auf Sendung, nachdem der Politiker Gwynfor Evans mit einem Hungerstreik gedroht hatte! S4C entstand nach jahrzehntelangen Protesten für ein walisisches Fernsehprogramm, bei denen Sender besetzt und gewaltlos gehandelt wurde. Man befürchtete, die walisische Kultur würde ohne eigene, starke Medienlandschaft nicht überleben, was meiner Band zugutekam, da S4C dringend Künstler für seine neuen alternativen Musiksendungen suchte. So nahmen wir schon in jungen Jahren Musik auf und spielten Fernsehsendungen.
All das soll heißen, dass ich als Musiker sehr von dem politischen Aktivismus anderer profitiert habe.
Mit den Super Furry Animals hattet ihr dann ziemlich schnell Erfolg. Wie war es, bei einem legendären Label wie Creation Records unter Vertrag zu sein? Was hat euch eurer Meinung nach so besonders gemacht?
Wir spielten zu dem Zeitpunkt schon über zehn Jahre in Bands, daher hatten wir keine Angst und hielten den Londoner Musikzirkus für einen Witz. Creation war super, weil sie uns in Sachen Verrücktheit locker Paroli bieten konnten. Außerdem waren sie komplett künstlerorientiert. Creation konzentrierte sich nur auf die Aufnahmen, nicht auf das Image oder ähnliches (obwohl sie damals schon einen hauptberuflichen Partyorganisator hatten). Sie erlaubten ihren Künstlern, kompromisslose Alben zu machen, waren aber gleichzeitig auch fördernd. Sie wollten unsere Platten verkaufen und versuchten alles, uns dazu zu bringen, Singles zu veröffentlichen, um höhere Chartplatzierungen zu erreichen (was wir ablehnten). Ihre (geniale) A&R-Strategie bestand darin, uns ständig mit den neuesten Underground-Platten aus amerikanischem Art-Rock und Hip-Hop zu versorgen, damit wir immer wussten, was andere Künstler so trieben.
Ihr habt das meistverkaufte walisischsprachige Album aller Zeiten aufgenommen, neben 12 Meter großen aufblasbaren Bären gespielt, eure Shows mit Yetis und Milchwagen gefüllt und mit Howard Marks zusammengearbeitet. Was war das Verrückteste, was die Super Furry Animals je gemacht haben, und wie habt ihr das geschafft?
Die Leute fanden unser Verhalten verrückt, aber uns kam es nicht so vor – es gab einfach ein paar ziemlich langweilige Nischen, in denen Bands angeblich feststeckten, und wir beschlossen, uns davon fernzuhalten. Wir probierten alles aus, wovon wir je geträumt hatten, wenn wir einen Plattenvertrag hätten und die nötige Unterstützung bekämen, um unsere Träume zu verwirklichen.
Wir dachten, es könnte morgen schon vorbei sein, also sollten wir es in vollen Zügen genießen. Es hat länger gedauert, als wir erwartet hatten. Bei unserem letzten Album bei einem Major-Label konnten wir Sony zum Beispiel dazu bringen, das Abmischen in Brasilien zu finanzieren und tägliche Portugiesischstunden zu bezahlen – wir wollten die brasilianische Psychedelic-Musik besser verstehen. Es war ein ziemlich surreales Leben, und wir haben jeden einzelnen Moment genossen.
Du bist nun schon seit einiger Zeit als Solokünstler unterwegs. Wie war der Übergang, alleine Musik zu machen? Wie hat sich dein Songwriting im Laufe der Zeit weiterentwickelt?
Mein erstes Soloalbum erschien 2005. Ich war damals 35, daher kam es mir nicht übertrieben vor, mein eigenes Ding aufzunehmen; im Grunde hatte ich es ja sowieso nur für mich selbst aufgenommen. Es war eine willkommene Gelegenheit, alles selbst zu spielen und etwas Kompromissloses zu schaffen.
Davor hatte ich mir erst mit 19 eine Gitarre gekauft, daher brauchte ich einige Zeit in Bands, um als Musikerin so gut und selbstsicher zu werden, dass ich überhaupt an Soloprojekte denken konnte. Als ich ein paar Jahre später Kinder bekam, war es praktischer, mich voll und ganz auf meine eigenen Sachen zu konzentrieren, da ich nicht alles unter einen Hut bringen konnte. Vorher konnte ich zwar Bands, Soloalben und diverse Projekte gleichzeitig jonglieren und versuchen, alle zufrieden zu stellen, aber irgendwann wurde es mir zu viel, und ich musste meiner Familie Priorität einräumen.
Ich will damit sagen, dass der Übergang sowohl für mich als auch für alle, die mit mir zusammengearbeitet haben, schwierig war. Es gab keinen ausgeklügelten Plan; das Leben kam dazwischen. Was das Songwriting angeht, versuche ich außerdem, offen für Neues zu bleiben. Wie bei allem ist der Schlüssel zum Songwriting letztendlich einfach, sich die Zeit dafür zu nehmen.
Ich denke, der Vorteil einer langen Karriere liegt in der Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten. Sie haben in dieser Hinsicht definitiv Ihr ganzes Spektrum ausgeschöpft. Von der Produktion und Filmmusik über Theaterarbeit bis hin zur Organisation Ihres eigenen Festivals und der Zusammenarbeit mit dem BBC-Orchester. Gibt es ein Projekt oder eine Idee, auf die Sie besonders stolz sind? Und warum?
Es ist unvermeidlich, dass ich mich als Songwriter wiederhole, deshalb versuche ich, mir Bedingungen zu schaffen, unter denen ich zumindest manchmal hoffen kann, etwas Neues zu schaffen und andere Ergebnisse zu erzielen.
Es ist eine Bereicherung für mich, in verschiedenen Medien zu arbeiten. Und vielleicht bin ich alt genug, um von der Größe einer Sache nicht mehr so eingeschüchtert zu sein. Wenn ich ein Medium nicht kenne, bin ich ganz ehrlich zu den Leuten. Ich bitte sie dann, mir alles zu erklären.
2016 wurde ich beispielsweise gebeten, das Libretto, also die Geschichte und die Liedtexte, für eine Oper namens „Hedd Wyn 2117“ zu schreiben – die man übrigens streamen kann. Der Komponist Stephen McNeff benötigte das Libretto, bevor er mit der Komposition der Musik beginnen konnte, daher bat ich ihn bei jedem Schritt um Rat. Ich habe dabei unheimlich viel gelernt, mich intensiver mit dem Medium auseinandergesetzt und herausgefunden, was mir gefällt und was ich lieber vermeiden möchte.
Mein genereller Geschmack ist es, das jeweilige Medium auf irgendeine Weise zu unterwandern. Nach der Zusammenarbeit mit Stephen bat ich ihn schließlich, die Orchesterarrangements für mein Album „Babelsberg“ zu übernehmen, was sich direkt auf meine eigene Arbeit auswirkte. Auch wenn ich befürchte, dass es prätentiös oder lächerlich wirken könnte, mich mit neuen Medien zu beschäftigen, hoffe ich doch, dass es meine Alben insgesamt verbessert.
Ich betrachte alles als einen fortlaufenden Prozess. Ich hoffe, dass ich mich in meiner Arbeit noch weiterentwickle, deshalb hüte ich mich davor, übermäßig stolz auf etwas zu sein. Ich denke, es ist gesünder, selbstkritisch zu bleiben, aber ich bin erstaunt, dass einige der ausgefalleneren Projekte, wie zum Beispiel „Praxis Makes Perfect “ von Neon Neon, überhaupt realisiert wurden. Das ist vor allem dem Organisationstalent anderer zu verdanken und weniger meiner eigenen Vision. Ich habe auch viele Ideen, die nie umgesetzt wurden.
Sie haben kürzlich Ihr Album „American Interior“ , das auf der Geschichte des walisischen Entdeckers John Evans aus dem 18. Jahrhundert basiert, neu aufgelegt. Können Sie uns etwas über die Arbeit an dem Projekt bei der ersten Veröffentlichung erzählen und warum Sie das Album neu auflegen wollten?
Es war das ambitionierteste Projekt, das ich je in Angriff genommen habe. Innerhalb von etwa zwei Jahren schrieb ich ein Buch, nahm ein Album auf und drehte einen Film. Das Ganze basierte auf einer Art „investigativer Konzerttournee“, die den Spuren des Entdeckers John Evans folgte, der von 1792 bis 1799 durch Nordamerika reiste, um sein Grab zu finden. Zu diesem Zeitpunkt tourte ich bereits seit zwei Jahrzehnten in großen Städten und suchte nach neuen Wegen, um verschiedene Gemeinschaften zu erreichen, beispielsweise Reservate der First Nations. Nur zur Klarstellung: Ich war nicht der erste Waliser, der in einem Indianerreservat auftrat. Bonnie Tyler hatte bereits in vielen Casinos gespielt.
Um die Kontinuität zu wahren, trug ich während der Dreharbeiten zur Dokumentation zwei Jahre lang denselben Anzug, was ziemlich intensiv war. Deshalb habe ich mich auch an Uskees gewandt. Ich brauchte einen neuen schwarzen Anzug für die Revival-Tour!
Die Wiederaufnahme von „American Interior“ war reiner Zufall. Nach zehn Jahren waren alle meine Verträge für Turnstile Records ausgelaufen, und Rough Trade bot mir an, sie neu zu veröffentlichen. Sie sind mittlerweile alle vergriffen, aber wir dachten, „American Interior“ wäre ein idealer Startpunkt für eine Neuauflage. Es gibt so viel Material, das nie gestreamt wurde – schön, dass es jetzt wieder verfügbar ist. Ich habe mir außerdem ein paar Monate Zeit genommen, um die Live-Show aufzuführen. Ich habe so viel Zeit in das Projekt investiert, dass es wirklich schön war, es wieder aufzugreifen und mich neu damit auseinanderzusetzen. In zehn Jahren hat sich viel verändert, und die Geschichte hat heute eine andere Bedeutung.
Viele Ihrer Arbeiten haben eine ähnliche konzeptionelle Grundlage wie beispielsweise „American Interior“ . Alben über John DeLorean, den linksorientierten Verleger Giangiacomo Feltrinelli, sogar Lieder über Golden Retriever! Was kommt bei diesen Projekten zuerst, das Konzept oder die Musik? Und wie beeinflussen sie sich gegenseitig?
Nicht jede Songsammlung braucht einen konzeptionellen Zusammenhang. Doch wenn eine konzeptionelle Idee auftaucht, kann sie ein Album anstoßen. Bei einem biografischen Album schreiben sie sich gewissermaßen von selbst. Es ist nicht schwer, das Leben einer Person in zehn Kapitel oder so viele Abschnitte zu unterteilen, wie nötig sind.
Ich bin zwar skeptisch gegenüber Konzeptalben des Progressive Rock, aber ich bin in einer Zeit aufgewachsen, in der Hip-Hop-Konzeptalben populär waren. Wirklich verspielte Alben, die ich liebe, wie zum Beispiel „Three Feet High“ und „Rising“ von De La Soul. Ich glaube, deshalb erscheint mir ein Konzeptalbum instinktiv als eine Art, ein Album zu gestalten. Manchmal inspirieren sie mich zu einer Dokumentation oder einer Konzertidee, aber im Grunde ist alles eine Erweiterung der Songs.
Und was sind deine kreativen Inspirationsquellen? Das muss nicht unbedingt Musik sein, aber es wäre interessant zu wissen, wer oder was dich beeinflusst hat. Wen bewunderst du und warum?
Ich war als Teenager ein riesiger Fan von The Velvet Underground und bin es bis heute. Damals erlebte die Band ein regelrechtes Revival, große Plattenfirmen pushten massiv ihren Backkatalog und es gab Fernsehdokumentationen über sie.
Der Musikjournalist Jon Savage hat einen hervorragenden Artikel verfasst, der die Mechanismen des Velvet-Underground-Revivals erklärt. Es ist immer wieder ernüchternd zu sehen, wie sehr unser Geschmack von den Mechanismen der Öffentlichkeitsarbeit beeinflusst wird.
Andy Warhol, der maßgeblich zum Velvet Underground beitrug, wurde gleichzeitig zu einer riesigen Inspiration für mich als Teenager. Seine Arbeiten waren so etwas wie populistische, massenproduzierte Statements, die als Kunstform galten – jenseits von Handwerk und Kunstfertigkeit. Ich musste immer wieder lachen, wenn ich seine Werke sah. Allein schon die Dreistigkeit! Ihre kühne, farbenfrohe, grafische Art faszinierte mich damals ungemein. Ich meine, er lebte noch, als ich sechzehn war. Nico starb an meinem achtzehnten Geburtstag.
Was ich daraus mitgenommen habe (auch wenn ich es nicht unbedingt umgesetzt habe), ist Folgendes: Als Künstler kann man in jedem Medium alles erschaffen, ohne sich um handwerkliches Können oder die Zwänge eines perfekt spielenden Musikers kümmern zu müssen. Ideen sind viel wichtiger. Jonathan Richman schrieb in seinem Fanmagazin aus den 60er-Jahren, dass die unkonventionelle und weitgehend unbekannte Band Velvet Underground visionäre Künstler waren, die zufällig im Medium Musik arbeiteten. Eric Clapton und Cream hingegen, die enorm populär waren, waren zwar gute Musiker oder Handwerker, deren Werk aber nicht in Erinnerung bleiben würde.
Natürlich schuf Andy Warhol wunderschöne Objekte und war ein großartiger Zeichner, aber in gewisser Weise war es irrelevant, ob seine Hand das Werk berührte.
Später, als ich mich als Songwriter inspirieren ließ, schenkte mir ein Freund ein Buch mit Liedern von Serge Gainsbourg. Ich war damals in meinen Dreißigern – das Buch enthielt etwa 600 Lieder. Gainsbourg schrieb unglaublich viel für Filme, andere Künstler, Werbung und so weiter – und das veränderte meine Sicht auf die Grenzen des Songwritings grundlegend. Gainsbourg bekam erst mit über dreißig einen Plattenvertrag, was auch einen Weg aufzeigt, wie man in der Musikbranche bestehen und anspruchsvolle Werke schaffen kann, jenseits der entscheidenden kreativen Phase der Jugend – oder zumindest einen Ausweg.
Natürlich ist ein Teil von Gainsbourgs Werk sehr zeitgebunden. Früher musste man sich wohl auch zu Tode trinken, um seine Hingabe zu beweisen, aber hoffentlich ist das vorbei. Ich sollte erwähnen, dass sowohl Gainsbourg als auch Lou Reed ein großartiges Gespür für Melodien hatten. Ich könnte den ganzen Tag über große Ideen reden, aber im Grunde genommen schreibe ich Melodien, und das berührt mich am meisten.
Im letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspiration in die Welt hinauszutragen, indem Sie 5 gute Dinge empfehlen und begründen, warum Sie diese ausgewählt haben.
Ein Restaurant oder Café, das Sie in Ihrer Stadt mögen.
In Cardiff ist der Zentralmarkt vielleicht der beste Ort zum Essen. Wenn man Glück hat und es sich leisten kann, kann man dort alles essen, worauf man gerade Appetit hat – das Herz der Stadt erleben und bei Kelly's Records Musik kaufen. Wenn ich Schallplatten essen könnte, würde ich es tun.
Ein Film, den jeder sehen sollte
Ein Film, der mich in meiner Jugend tief beeindruckt hat, war „Caro Diario“ von Nanni Moretti (1993). Er beeinflusste die Dokumentarfilme, an denen ich mitgewirkt habe, da er Realität und Fiktion miteinander verbindet.
Ein Buch, das jeder lesen sollte
„DEIN LEBEN IST KEINE VERDAMMTE GESCHICHTE“ von Simon Critchley. Ein kurzer, prägnanter Appell gegen die Anwendung von Erzählbögen auf (verdammt nochmal) alles.
Ein Musikalbum oder ein Künstler, der Ihnen etwas bedeutet
Ich liebe das neue Stereolab-Album „Instant Holograms on Metal Film“ . Ich habe den Begriff „Palliativpflege“ noch nie zuvor in einem so positiven Popsong gehört. Es ist eine wirklich bewegende und klanglich großartige Platte.
Wohin würdest du jemanden schicken, der deine Stadt oder deinen Heimatort zum ersten Mal besucht?
Steinkreis im Bute Park. Ich schicke Leute immer dorthin, wenn sie Zeit verbringen möchten.
Es handelt sich um einen wiederbelebten druidischen Steinkreis, wie man ihn in jeder walisischen Stadt findet – er wird für die Eisteddfod-Zeremonien errichtet. Für Touristen mag er exotisch wirken, aber meistens sieht man Menschen in Freizeitkleidung, die verträumt auf dem Sockel des Erzdruiden sitzen – das finde ich genauso poetisch. Mittlerweile gibt es für die Zeremonien auch tragbare Steinkreise aus Fiberglas.
Gruffs neuestes Album „Dim Probs“ ist jetzt bei Rock Action Records erhältlich. Er trug unseren Cordblazer 3006 und die Cordarbeitshose 5005 in Anthrazit.
Bildnachweis:
Ryan Eddleston @ryan_eddleston_dop
Christian David @cd.photography.schaffhausen
5 gute Dinge – Gruff Rhys – Cardiff, Wales
„Wenn ich Schallplatten essen könnte, würde ich es tun.“
Es gibt die unterschiedlichsten Künstler, und dann gibt es Gruff Rhys. Ende der 80er-Jahre tauchte er mit der walisischen Band Ffa Coffi Pawb (übersetzt: Jedermanns Kaffeebohnen) auf und wurde Frontmann der Klangforscher Super Furry Animals. Ihr psychedelischer Pop-Glam-Folk-Cocktail katapultierte sie weit über die Britpop-Avantgarde hinaus. Seitdem umfasst seine eigenwillige Karriere eine Reihe gefeierter Soloalben, Konzeptalben als eine Hälfte von Neon Neon, die Leitung eines Labels, das Künstler wie Cate Le Bon veröffentlicht, Filmmusiken, Theateradaptionen und ein Musikfestival. Man kann sich das vorstellen. Gruff ist ein vielschichtiger, nachdenklicher und verspielter Künstler, der sich freundlicherweise Zeit für ein Gespräch mit uns für „5 Good Things“ nahm.
Bei einer so langen und abwechslungsreichen Karriere wie Ihrer ist es vielleicht am besten, ganz von vorne anzufangen. Sie sind in einem überwiegend walisischsprachigen Dorf aufgewachsen, richtig? Können Sie uns etwas darüber erzählen? Wie hat das Ihre kreativen Impulse gefördert?
Musikalisch gesehen bedeuteten die 1970er und 80er Jahre meiner Kindheit, sonntagabends den Besuch einer walisischsprachigen, freikirchlichen Kapelle und morgens die Sonntagsschule (was mit ein Grund dafür war, dass die walisische Sprache so lange aus dem offiziellen Bildungssystem verbannt blieb). So wuchs ich mit intensivem Kirchenliedgesang und dem Ergründen von Harmonien auf: Liedkonstruktion durch Osmose. Damals erschien mir das anstrengend, aber es brachte mich zum Singen, ob ich wollte oder nicht.
In meiner Kapelle war es üblich, den letzten Refrain zu wiederholen, und diese Tradition prägt noch heute meine Lieder. Damals lief auch „Top of the Pops“ im Fernsehen, es gab irisches Popradio (RTÉ 2fm aus Dublin – BBC Radio 1 konnten wir wegen der Berge nicht empfangen), die Zeitschriften NME, Melody Maker und Sounds im Zeitungskiosk und das Magazin Sgrech in der walisischsprachigen Buchhandlung. Mitte der 80er-Jahre erlebte das Tal einen regelrechten Boom walisischer Gitarrenbands, was mich dazu inspirierte, mit Freunden die Band Ffa Coffi Pawb zu gründen. Zeitgleich ging 1983 der walisische Fernsehsender S4C auf Sendung, nachdem der Politiker Gwynfor Evans mit einem Hungerstreik gedroht hatte! S4C entstand nach jahrzehntelangen Protesten für ein walisisches Fernsehprogramm, bei denen Sender besetzt und gewaltlos gehandelt wurde. Man befürchtete, die walisische Kultur würde ohne eigene, starke Medienlandschaft nicht überleben, was meiner Band zugutekam, da S4C dringend Künstler für seine neuen alternativen Musiksendungen suchte. So nahmen wir schon in jungen Jahren Musik auf und spielten Fernsehsendungen.
All das soll heißen, dass ich als Musiker sehr von dem politischen Aktivismus anderer profitiert habe.
Mit den Super Furry Animals hattet ihr dann ziemlich schnell Erfolg. Wie war es, bei einem legendären Label wie Creation Records unter Vertrag zu sein? Was hat euch eurer Meinung nach so besonders gemacht?
Wir spielten zu dem Zeitpunkt schon über zehn Jahre in Bands, daher hatten wir keine Angst und hielten den Londoner Musikzirkus für einen Witz. Creation war super, weil sie uns in Sachen Verrücktheit locker Paroli bieten konnten. Außerdem waren sie komplett künstlerorientiert. Creation konzentrierte sich nur auf die Aufnahmen, nicht auf das Image oder ähnliches (obwohl sie damals schon einen hauptberuflichen Partyorganisator hatten). Sie erlaubten ihren Künstlern, kompromisslose Alben zu machen, waren aber gleichzeitig auch fördernd. Sie wollten unsere Platten verkaufen und versuchten alles, uns dazu zu bringen, Singles zu veröffentlichen, um höhere Chartplatzierungen zu erreichen (was wir ablehnten). Ihre (geniale) A&R-Strategie bestand darin, uns ständig mit den neuesten Underground-Platten aus amerikanischem Art-Rock und Hip-Hop zu versorgen, damit wir immer wussten, was andere Künstler so trieben.
Ihr habt das meistverkaufte walisischsprachige Album aller Zeiten aufgenommen, neben 12 Meter großen aufblasbaren Bären gespielt, eure Shows mit Yetis und Milchwagen gefüllt und mit Howard Marks zusammengearbeitet. Was war das Verrückteste, was die Super Furry Animals je gemacht haben, und wie habt ihr das geschafft?
Die Leute fanden unser Verhalten verrückt, aber uns kam es nicht so vor – es gab einfach ein paar ziemlich langweilige Nischen, in denen Bands angeblich feststeckten, und wir beschlossen, uns davon fernzuhalten. Wir probierten alles aus, wovon wir je geträumt hatten, wenn wir einen Plattenvertrag hätten und die nötige Unterstützung bekämen, um unsere Träume zu verwirklichen.
Wir dachten, es könnte morgen schon vorbei sein, also sollten wir es in vollen Zügen genießen. Es hat länger gedauert, als wir erwartet hatten. Bei unserem letzten Album bei einem Major-Label konnten wir Sony zum Beispiel dazu bringen, das Abmischen in Brasilien zu finanzieren und tägliche Portugiesischstunden zu bezahlen – wir wollten die brasilianische Psychedelic-Musik besser verstehen. Es war ein ziemlich surreales Leben, und wir haben jeden einzelnen Moment genossen.
Du bist nun schon seit einiger Zeit als Solokünstler unterwegs. Wie war der Übergang, alleine Musik zu machen? Wie hat sich dein Songwriting im Laufe der Zeit weiterentwickelt?
Mein erstes Soloalbum erschien 2005. Ich war damals 35, daher kam es mir nicht übertrieben vor, mein eigenes Ding aufzunehmen; im Grunde hatte ich es ja sowieso nur für mich selbst aufgenommen. Es war eine willkommene Gelegenheit, alles selbst zu spielen und etwas Kompromissloses zu schaffen.
Davor hatte ich mir erst mit 19 eine Gitarre gekauft, daher brauchte ich einige Zeit in Bands, um als Musikerin so gut und selbstsicher zu werden, dass ich überhaupt an Soloprojekte denken konnte. Als ich ein paar Jahre später Kinder bekam, war es praktischer, mich voll und ganz auf meine eigenen Sachen zu konzentrieren, da ich nicht alles unter einen Hut bringen konnte. Vorher konnte ich zwar Bands, Soloalben und diverse Projekte gleichzeitig jonglieren und versuchen, alle zufrieden zu stellen, aber irgendwann wurde es mir zu viel, und ich musste meiner Familie Priorität einräumen.
Ich will damit sagen, dass der Übergang sowohl für mich als auch für alle, die mit mir zusammengearbeitet haben, schwierig war. Es gab keinen ausgeklügelten Plan; das Leben kam dazwischen. Was das Songwriting angeht, versuche ich außerdem, offen für Neues zu bleiben. Wie bei allem ist der Schlüssel zum Songwriting letztendlich einfach, sich die Zeit dafür zu nehmen.
Ich denke, der Vorteil einer langen Karriere liegt in der Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten. Sie haben in dieser Hinsicht definitiv Ihr ganzes Spektrum ausgeschöpft. Von der Produktion und Filmmusik über Theaterarbeit bis hin zur Organisation Ihres eigenen Festivals und der Zusammenarbeit mit dem BBC-Orchester. Gibt es ein Projekt oder eine Idee, auf die Sie besonders stolz sind? Und warum?
Es ist unvermeidlich, dass ich mich als Songwriter wiederhole, deshalb versuche ich, mir Bedingungen zu schaffen, unter denen ich zumindest manchmal hoffen kann, etwas Neues zu schaffen und andere Ergebnisse zu erzielen.
Es ist eine Bereicherung für mich, in verschiedenen Medien zu arbeiten. Und vielleicht bin ich alt genug, um von der Größe einer Sache nicht mehr so eingeschüchtert zu sein. Wenn ich ein Medium nicht kenne, bin ich ganz ehrlich zu den Leuten. Ich bitte sie dann, mir alles zu erklären.
2016 wurde ich beispielsweise gebeten, das Libretto, also die Geschichte und die Liedtexte, für eine Oper namens „Hedd Wyn 2117“ zu schreiben – die man übrigens streamen kann. Der Komponist Stephen McNeff benötigte das Libretto, bevor er mit der Komposition der Musik beginnen konnte, daher bat ich ihn bei jedem Schritt um Rat. Ich habe dabei unheimlich viel gelernt, mich intensiver mit dem Medium auseinandergesetzt und herausgefunden, was mir gefällt und was ich lieber vermeiden möchte.
Mein genereller Geschmack ist es, das jeweilige Medium auf irgendeine Weise zu unterwandern. Nach der Zusammenarbeit mit Stephen bat ich ihn schließlich, die Orchesterarrangements für mein Album „Babelsberg“ zu übernehmen, was sich direkt auf meine eigene Arbeit auswirkte. Auch wenn ich befürchte, dass es prätentiös oder lächerlich wirken könnte, mich mit neuen Medien zu beschäftigen, hoffe ich doch, dass es meine Alben insgesamt verbessert.
Ich betrachte alles als einen fortlaufenden Prozess. Ich hoffe, dass ich mich in meiner Arbeit noch weiterentwickle, deshalb hüte ich mich davor, übermäßig stolz auf etwas zu sein. Ich denke, es ist gesünder, selbstkritisch zu bleiben, aber ich bin erstaunt, dass einige der ausgefalleneren Projekte, wie zum Beispiel „Praxis Makes Perfect “ von Neon Neon, überhaupt realisiert wurden. Das ist vor allem dem Organisationstalent anderer zu verdanken und weniger meiner eigenen Vision. Ich habe auch viele Ideen, die nie umgesetzt wurden.
Sie haben kürzlich Ihr Album „American Interior“ , das auf der Geschichte des walisischen Entdeckers John Evans aus dem 18. Jahrhundert basiert, neu aufgelegt. Können Sie uns etwas über die Arbeit an dem Projekt bei der ersten Veröffentlichung erzählen und warum Sie das Album neu auflegen wollten?
Es war das ambitionierteste Projekt, das ich je in Angriff genommen habe. Innerhalb von etwa zwei Jahren schrieb ich ein Buch, nahm ein Album auf und drehte einen Film. Das Ganze basierte auf einer Art „investigativer Konzerttournee“, die den Spuren des Entdeckers John Evans folgte, der von 1792 bis 1799 durch Nordamerika reiste, um sein Grab zu finden. Zu diesem Zeitpunkt tourte ich bereits seit zwei Jahrzehnten in großen Städten und suchte nach neuen Wegen, um verschiedene Gemeinschaften zu erreichen, beispielsweise Reservate der First Nations. Nur zur Klarstellung: Ich war nicht der erste Waliser, der in einem Indianerreservat auftrat. Bonnie Tyler hatte bereits in vielen Casinos gespielt.
Um die Kontinuität zu wahren, trug ich während der Dreharbeiten zur Dokumentation zwei Jahre lang denselben Anzug, was ziemlich intensiv war. Deshalb habe ich mich auch an Uskees gewandt. Ich brauchte einen neuen schwarzen Anzug für die Revival-Tour!
Die Wiederaufnahme von „American Interior“ war reiner Zufall. Nach zehn Jahren waren alle meine Verträge für Turnstile Records ausgelaufen, und Rough Trade bot mir an, sie neu zu veröffentlichen. Sie sind mittlerweile alle vergriffen, aber wir dachten, „American Interior“ wäre ein idealer Startpunkt für eine Neuauflage. Es gibt so viel Material, das nie gestreamt wurde – schön, dass es jetzt wieder verfügbar ist. Ich habe mir außerdem ein paar Monate Zeit genommen, um die Live-Show aufzuführen. Ich habe so viel Zeit in das Projekt investiert, dass es wirklich schön war, es wieder aufzugreifen und mich neu damit auseinanderzusetzen. In zehn Jahren hat sich viel verändert, und die Geschichte hat heute eine andere Bedeutung.
Viele Ihrer Arbeiten haben eine ähnliche konzeptionelle Grundlage wie beispielsweise „American Interior“ . Alben über John DeLorean, den linksorientierten Verleger Giangiacomo Feltrinelli, sogar Lieder über Golden Retriever! Was kommt bei diesen Projekten zuerst, das Konzept oder die Musik? Und wie beeinflussen sie sich gegenseitig?
Nicht jede Songsammlung braucht einen konzeptionellen Zusammenhang. Doch wenn eine konzeptionelle Idee auftaucht, kann sie ein Album anstoßen. Bei einem biografischen Album schreiben sie sich gewissermaßen von selbst. Es ist nicht schwer, das Leben einer Person in zehn Kapitel oder so viele Abschnitte zu unterteilen, wie nötig sind.
Ich bin zwar skeptisch gegenüber Konzeptalben des Progressive Rock, aber ich bin in einer Zeit aufgewachsen, in der Hip-Hop-Konzeptalben populär waren. Wirklich verspielte Alben, die ich liebe, wie zum Beispiel „Three Feet High“ und „Rising“ von De La Soul. Ich glaube, deshalb erscheint mir ein Konzeptalbum instinktiv als eine Art, ein Album zu gestalten. Manchmal inspirieren sie mich zu einer Dokumentation oder einer Konzertidee, aber im Grunde ist alles eine Erweiterung der Songs.
Und was sind deine kreativen Inspirationsquellen? Das muss nicht unbedingt Musik sein, aber es wäre interessant zu wissen, wer oder was dich beeinflusst hat. Wen bewunderst du und warum?
Ich war als Teenager ein riesiger Fan von The Velvet Underground und bin es bis heute. Damals erlebte die Band ein regelrechtes Revival, große Plattenfirmen pushten massiv ihren Backkatalog und es gab Fernsehdokumentationen über sie.
Der Musikjournalist Jon Savage hat einen hervorragenden Artikel verfasst, der die Mechanismen des Velvet-Underground-Revivals erklärt. Es ist immer wieder ernüchternd zu sehen, wie sehr unser Geschmack von den Mechanismen der Öffentlichkeitsarbeit beeinflusst wird.
Andy Warhol, der maßgeblich zum Velvet Underground beitrug, wurde gleichzeitig zu einer riesigen Inspiration für mich als Teenager. Seine Arbeiten waren so etwas wie populistische, massenproduzierte Statements, die als Kunstform galten – jenseits von Handwerk und Kunstfertigkeit. Ich musste immer wieder lachen, wenn ich seine Werke sah. Allein schon die Dreistigkeit! Ihre kühne, farbenfrohe, grafische Art faszinierte mich damals ungemein. Ich meine, er lebte noch, als ich sechzehn war. Nico starb an meinem achtzehnten Geburtstag.
Was ich daraus mitgenommen habe (auch wenn ich es nicht unbedingt umgesetzt habe), ist Folgendes: Als Künstler kann man in jedem Medium alles erschaffen, ohne sich um handwerkliches Können oder die Zwänge eines perfekt spielenden Musikers kümmern zu müssen. Ideen sind viel wichtiger. Jonathan Richman schrieb in seinem Fanmagazin aus den 60er-Jahren, dass die unkonventionelle und weitgehend unbekannte Band Velvet Underground visionäre Künstler waren, die zufällig im Medium Musik arbeiteten. Eric Clapton und Cream hingegen, die enorm populär waren, waren zwar gute Musiker oder Handwerker, deren Werk aber nicht in Erinnerung bleiben würde.
Natürlich schuf Andy Warhol wunderschöne Objekte und war ein großartiger Zeichner, aber in gewisser Weise war es irrelevant, ob seine Hand das Werk berührte.
Später, als ich mich als Songwriter inspirieren ließ, schenkte mir ein Freund ein Buch mit Liedern von Serge Gainsbourg. Ich war damals in meinen Dreißigern – das Buch enthielt etwa 600 Lieder. Gainsbourg schrieb unglaublich viel für Filme, andere Künstler, Werbung und so weiter – und das veränderte meine Sicht auf die Grenzen des Songwritings grundlegend. Gainsbourg bekam erst mit über dreißig einen Plattenvertrag, was auch einen Weg aufzeigt, wie man in der Musikbranche bestehen und anspruchsvolle Werke schaffen kann, jenseits der entscheidenden kreativen Phase der Jugend – oder zumindest einen Ausweg.
Natürlich ist ein Teil von Gainsbourgs Werk sehr zeitgebunden. Früher musste man sich wohl auch zu Tode trinken, um seine Hingabe zu beweisen, aber hoffentlich ist das vorbei. Ich sollte erwähnen, dass sowohl Gainsbourg als auch Lou Reed ein großartiges Gespür für Melodien hatten. Ich könnte den ganzen Tag über große Ideen reden, aber im Grunde genommen schreibe ich Melodien, und das berührt mich am meisten.
Im letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspiration in die Welt hinauszutragen, indem Sie 5 gute Dinge empfehlen und begründen, warum Sie diese ausgewählt haben.
Ein Restaurant oder Café, das Sie in Ihrer Stadt mögen.
In Cardiff ist der Zentralmarkt vielleicht der beste Ort zum Essen. Wenn man Glück hat und es sich leisten kann, kann man dort alles essen, worauf man gerade Appetit hat – das Herz der Stadt erleben und bei Kelly's Records Musik kaufen. Wenn ich Schallplatten essen könnte, würde ich es tun.
Ein Film, den jeder sehen sollte
Ein Film, der mich in meiner Jugend tief beeindruckt hat, war „Caro Diario“ von Nanni Moretti (1993). Er beeinflusste die Dokumentarfilme, an denen ich mitgewirkt habe, da er Realität und Fiktion miteinander verbindet.
Ein Buch, das jeder lesen sollte
„DEIN LEBEN IST KEINE VERDAMMTE GESCHICHTE“ von Simon Critchley. Ein kurzer, prägnanter Appell gegen die Anwendung von Erzählbögen auf (verdammt nochmal) alles.
Ein Musikalbum oder ein Künstler, der Ihnen etwas bedeutet
Ich liebe das neue Stereolab-Album „Instant Holograms on Metal Film“ . Ich habe den Begriff „Palliativpflege“ noch nie zuvor in einem so positiven Popsong gehört. Es ist eine wirklich bewegende und klanglich großartige Platte.
Wohin würdest du jemanden schicken, der deine Stadt oder deinen Heimatort zum ersten Mal besucht?
Steinkreis im Bute Park. Ich schicke Leute immer dorthin, wenn sie Zeit verbringen möchten.
Es handelt sich um einen wiederbelebten druidischen Steinkreis, wie man ihn in jeder walisischen Stadt findet – er wird für die Eisteddfod-Zeremonien errichtet. Für Touristen mag er exotisch wirken, aber meistens sieht man Menschen in Freizeitkleidung, die verträumt auf dem Sockel des Erzdruiden sitzen – das finde ich genauso poetisch. Mittlerweile gibt es für die Zeremonien auch tragbare Steinkreise aus Fiberglas.
Gruffs neuestes Album „Dim Probs“ ist jetzt bei Rock Action Records erhältlich. Er trug unseren Cordblazer 3006 und die Cordarbeitshose 5005 in Anthrazit.
Bildnachweis:
Ryan Eddleston @ryan_eddleston_dop
Christian David @cd.photography.schaffhausen