"Der Prozess des Kunstschaffens hat so viel Rhythmus"
Manchmal braucht es nur einen einfachen Raum und viel Vorstellungskraft, um eine neue Welt mit einem vertrauten Rhythmus zu entdecken. Joy Yamusangie bringt beides mit. Aus ihrem bescheidenen Londoner Studio bezieht Joys helle, verträumte Kunstfertigkeit ihre Inspiration von phantastischen Jazzbars bis hin zu Romanen von Jackie Kay. Ihre Erkundungen von Transmaskulinität, menschlicher Intimität und Schwarzsein haben dazu geführt, dass ihre Werke von Institutionen wie der Tate, der Royal Academy of the Arts, Tiwani Contemporary, Vogue und Penguin präsentiert wurden. Wir haben Joy an einem sonnigen Frühlingstag in Clapton, London, getroffen, um herauszufinden, was sie antreibt.
Sie beherrschen eine Vielzahl von Praktiken und Medien. Zeichnen, Malen, Siebdruck, Collage, Film, Skulptur... Ich könnte noch weiter aufzählen. Woher glauben Sie, kommt diese Fluidität? Glauben Sie, dass Vielfalt für jeden Künstler wichtig sein sollte?
Sie kommt von Neugier – das ist es, was Kunst so spannend macht. Es ist das, was mich überhaupt erst zu diesem Leben hingezogen hat. Ich stelle mir gerne vor, wie es wäre, neue Techniken auszuprobieren oder über alternative Experimentiermöglichkeiten nachzudenken, wenn ich keinen Zugang zu bestimmten Geräten habe, und aus dem Vorstellen wird allmählich das Tun. Ich glaube nicht, dass jeder Künstler so sein muss. So viele unglaubliche Künstler konzentrieren sich auf ein Medium, und ich finde das genauso schön.
Geschichte und konzeptionelles Denken scheinen für Sie sehr wichtig zu sein. Von Jazzclubs bis zu Büchern von Jackie Kay, mythischen Wassergottheiten, persönlichen Erinnerungen. Ich wollte ein wenig über die Überschneidung von Faktischem und Imaginärem fragen. Ist es ein einfacher Sweet Spot, den man kreativ erreichen kann? Hat das eine Vorrang vor dem anderen? Warum arbeiten Sie auf diese Weise?
Die Grenze zwischen Traum und Realität verschwimmt in meiner Arbeit oft. Wenn ich Geschichten oder Charaktere erschaffe, steckt immer eine Form von Wahrheit unter der Oberfläche. Ein Großteil meiner Arbeit ist Selbstporträt, oder sie greift auf eine Version von mir selbst zurück. Es gibt ein Gemälde von mir, das Der Musiker heißt und aus der Geschichte von Mami Wata stammt, einer Wassergottheit, die in der Diaspora verschiedene Namen trägt, aber gesagt wird, dass sie Form und Geschlecht frei wechseln kann. Es gibt ein Element der Realität in diesem Gemälde, weil die Menschen verschiedene Mami-Wata-Geschichten erzählen. Einige verehren sie, andere leben in Angst, und einige sagen, sie sei nur Folklore; sie glauben nicht, dass sie existiert. Durch meine eigene Identität als Transperson konnte ich mich damit identifizieren. Transsein ist etwas, wovor viele Menschen Angst haben oder nicht glauben, dass es existiert. Es gibt also Wege, wie ich meine eigenen persönlichen Wahrheiten auf imaginäre Charaktere projiziere, um den Kunstwerken Tiefe zu verleihen.
Können Sie uns ein wenig über Ihren Prozess erzählen? Haben Sie eine Idee und stürzen sich dann hinein, "machen Sie die Sache" sozusagen? Oder gehören Sie zu den Künstlern, die gerne eine Weile an einem Projekt festhalten, es reifen lassen, bis sie bereit sind?
Früher konnte ich direkt in eine Idee eintauchen. Als ich jünger war, hatte ich das Gefühl, alles müsse schnell erledigt werden, aber jetzt schätze ich die Langsamkeit. Ich skizziere alle meine Ideen in kleinem Maßstab und versuche, nicht zu perfektionistisch zu sein. Ich lasse eine Idee köcheln und komme später darauf zurück. Wenn ich die Idee immer noch liebe, dann setze ich sie über das Skizzenbuch hinaus in die Realität um.
Ihre Arbeit scheint von einem Gefühl der, nun ja, Freude durchdrungen zu sein. Befreiung und Erkenntnis werden in Ihrer gesamten Kunst erforscht. Würden Sie dem zustimmen? Können Sie ein wenig darüber sprechen, wie das zustande kam, was Sie in Ihrer Arbeit als kathartisch empfinden?
Zeichnen ist eine Methode, die ich zu allen Gelegenheiten anwende. Freude, Traurigkeit, wann immer – es hängt alles vom Werk ab. Ich finde den Prozess erdend, verbringe Zeit damit, Punkte im Rhythmus zu malen oder Linoleum zu schnitzen. Beim Schnitzen, Malen oder Zeichnen finde ich die Wiederholung der Bewegung beruhigend. Es sind Momente, in denen mein Gehirn von der Überstimulation durch Technologie und modernes Leben abschalten kann; ich konzentriere mich hyperfokussiert auf die Bewegung meines Körpers. Darin liegt als Routine etwas Tröstliches. Mein Geist genießt die Ruhe, die es mit sich bringt.
Wir haben Sie in Ihrem Londoner Atelier getroffen. Wie erfüllt Sie der Raum und London selbst als Künstlerin? Gibt es etwas an der Stadt, das Sie hier hält, anstatt umzuziehen und irgendwohin abseits zu gehen?
Ich liebe einen sonnigen Tag in London. Es passiert einfach so viel. Musik, Kunst, Essen; Inspirationen sind überall. London als Heimatstadt zu haben ist ein Geschenk, denn Künstler aus der ganzen Welt kommen vorbei. Ich habe im Laufe der Jahre Freundschaften mit einigen erstaunlichen Kreativen geschlossen. Erst neulich habe ich mich mit Jon Key getroffen, einem Künstler aus den USA, der gerade Black Queer & Untold veröffentlicht hat, ein Buch über schwarze queere Kunst und Design. Künstler, die ich bewundere, wie Jon, treffen zu können, etwas über ihre Wege des Schaffens und Gestaltens zu lernen und Gespräche darüber zu führen, wie es in der Branche ist, ist so hilfreich. Das kann einen als Künstler wirklich am Laufen halten.
Was ist mit Ihren Inspirationen? Es wäre toll, ein wenig über die Kunst oder die Menschen in Ihrem Leben zu hören, die Sie als Person und als Schöpferin beeinflusst haben. Wer oder was sind sie und warum?
Es gibt so viele Menschen, Gemälde und Visuals, die mich inspiriert haben. Ich erinnere mich speziell an ein Kunstwerk, das ich zum ersten Mal im College gesehen habe. Es ist ein Gemälde namens Der Mann mit dem blauen Hut von Fernand Leger. Mich faszinierte die Umrisszeichnung dieser Figur und der Objekte im Rahmen. Es erinnerte mich an Comics, Illustrationen, Zeichentrickfilme, aber es war unverkennbar hohe Kunst. Es wird immer eines meiner Favoriten sein.
Sie arbeiten oft mit Musik und Ihre Ausstellungen wurden vertont. Wie wurde Musik so wichtig für Ihre Praxis? Ist sie jetzt genauso wichtig wie zu Beginn Ihrer Künstlerlaufbahn?
Musik und Kunst sind bei mir so eng miteinander verbunden. Wenn ich im Atelier arbeite, läuft immer das Radio. Der Klang gibt das Tempo vor und beeinflusst jeden Pinselstrich, den ich mache, jede Linie, die ich ziehe. Der Prozess des Kunstschaffens hat so viel Rhythmus. Seit meiner ersten Einzelausstellung im Jahr 2018 erstelle ich eine Playlist, die die Werke begleitet, wenn sie ausgestellt werden. Sie ist mir also jetzt genauso wichtig wie damals. Sie hilft mir, meine Geschichten zu erzählen.
Viele meiner Gemälde sind mit bestimmten Liedern verbunden. Remember Me - Rodeo King ist direkt mit Diana Ross' Lied Remember Me verbunden. Mein Gemälde Two Faced Boot ist mit David Bowies Young Americans verbunden, und einen Siebdruck, den ich Half Moonlight nannte, kombiniere ich mit Yaya Beys Lied Real Yearners Unite. Es sind nicht immer die Texte, es ist die Art, wie ein Lied mich fühlen lässt. Die Energie untermalt die Kunst und umgekehrt.
Wie finden Sie es, Ihre Arbeit zu zeigen? Wie ist es, sie anderen zur Interpretation zu überlassen?
Ich bin eher introvertiert, daher muss ich mich noch daran gewöhnen. Es kann beängstigend sein, als ob meine Gedanken und Gefühle sichtbar gemacht wurden, und das ist eine verletzliche Situation, in der man sich wiederfindet. Aber zunehmend habe ich das Gefühl, dass diese Art von Offenheit es anderen Menschen leichter macht, sich mit meiner Arbeit zu verbinden oder zumindest meine Absicht dahinter zu verstehen. Aber auch das ist noch etwas, woran ich mich anpassen muss!
Zum Schluss noch ein kurzer Hinweis zur Farbe. Ihre Farbgebung ist fantastisch! Gibt es eine Methode, wie Sie sie verwenden? Wie wählen Sie sie aus? Wurden Sie in ihrer Anwendung geschult?
Um ehrlich zu sein, denke ich nicht wirklich lange darüber nach! Es fühlt sich fast wie Instinkt gemischt mit Selbstvertrauen an. Ich liebe süße Rottöne, tiefe Blautöne und eiergelbe Töne, und ich neige zu Primärfarben. Sie passen zu allem – oder zumindest rede ich mir das ein.
In diesem letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspirationen in die Welt zu tragen, indem Sie 5 gute Dinge empfehlen und begründen, warum Sie sie gewählt haben.
Ein Restaurant oder Café, das Sie in Ihrer Stadt mögen.
Deserted Cactus auf Rye Lane, Peckham
Ein Film, den jeder sehen sollte.
My Fathers Shadow von Akinola Davies Jr.
Ein Buch, das jeder lesen sollte.
Where You Go I Will Go von Christina Fonthes
Ein Musikalben oder Künstler, der Ihnen etwas bedeutet.
Mali von Shy One. Es ist die perfekte Musik, wenn es Zeit ist, Dinge zu erledigen.
Wohin würden Sie jemanden schicken, der Ihre Stadt oder Heimatstadt zum ersten Mal besucht.
Hampstead Heath im Sommer
Weitere Informationen zu Joys Arbeit finden Sie hier. Sie trugen unsere 7012 Champ Jogger, den 3049 Evo Shell Mantel und die 3050 Evo Liner Jacke sowie ein 3001 Overshirt in Burst Grape und unser 7006 Signature T-Shirt.
5 Good Things - Joy Yamusangie - London, UK
"Der Prozess des Kunstschaffens hat so viel Rhythmus"
Manchmal braucht es nur einen einfachen Raum und viel Vorstellungskraft, um eine neue Welt mit einem vertrauten Rhythmus zu entdecken. Joy Yamusangie bringt beides mit. Aus ihrem bescheidenen Londoner Studio bezieht Joys helle, verträumte Kunstfertigkeit ihre Inspiration von phantastischen Jazzbars bis hin zu Romanen von Jackie Kay. Ihre Erkundungen von Transmaskulinität, menschlicher Intimität und Schwarzsein haben dazu geführt, dass ihre Werke von Institutionen wie der Tate, der Royal Academy of the Arts, Tiwani Contemporary, Vogue und Penguin präsentiert wurden. Wir haben Joy an einem sonnigen Frühlingstag in Clapton, London, getroffen, um herauszufinden, was sie antreibt.
Sie beherrschen eine Vielzahl von Praktiken und Medien. Zeichnen, Malen, Siebdruck, Collage, Film, Skulptur... Ich könnte noch weiter aufzählen. Woher glauben Sie, kommt diese Fluidität? Glauben Sie, dass Vielfalt für jeden Künstler wichtig sein sollte?
Sie kommt von Neugier – das ist es, was Kunst so spannend macht. Es ist das, was mich überhaupt erst zu diesem Leben hingezogen hat. Ich stelle mir gerne vor, wie es wäre, neue Techniken auszuprobieren oder über alternative Experimentiermöglichkeiten nachzudenken, wenn ich keinen Zugang zu bestimmten Geräten habe, und aus dem Vorstellen wird allmählich das Tun. Ich glaube nicht, dass jeder Künstler so sein muss. So viele unglaubliche Künstler konzentrieren sich auf ein Medium, und ich finde das genauso schön.
Geschichte und konzeptionelles Denken scheinen für Sie sehr wichtig zu sein. Von Jazzclubs bis zu Büchern von Jackie Kay, mythischen Wassergottheiten, persönlichen Erinnerungen. Ich wollte ein wenig über die Überschneidung von Faktischem und Imaginärem fragen. Ist es ein einfacher Sweet Spot, den man kreativ erreichen kann? Hat das eine Vorrang vor dem anderen? Warum arbeiten Sie auf diese Weise?
Die Grenze zwischen Traum und Realität verschwimmt in meiner Arbeit oft. Wenn ich Geschichten oder Charaktere erschaffe, steckt immer eine Form von Wahrheit unter der Oberfläche. Ein Großteil meiner Arbeit ist Selbstporträt, oder sie greift auf eine Version von mir selbst zurück. Es gibt ein Gemälde von mir, das Der Musiker heißt und aus der Geschichte von Mami Wata stammt, einer Wassergottheit, die in der Diaspora verschiedene Namen trägt, aber gesagt wird, dass sie Form und Geschlecht frei wechseln kann. Es gibt ein Element der Realität in diesem Gemälde, weil die Menschen verschiedene Mami-Wata-Geschichten erzählen. Einige verehren sie, andere leben in Angst, und einige sagen, sie sei nur Folklore; sie glauben nicht, dass sie existiert. Durch meine eigene Identität als Transperson konnte ich mich damit identifizieren. Transsein ist etwas, wovor viele Menschen Angst haben oder nicht glauben, dass es existiert. Es gibt also Wege, wie ich meine eigenen persönlichen Wahrheiten auf imaginäre Charaktere projiziere, um den Kunstwerken Tiefe zu verleihen.
Können Sie uns ein wenig über Ihren Prozess erzählen? Haben Sie eine Idee und stürzen sich dann hinein, "machen Sie die Sache" sozusagen? Oder gehören Sie zu den Künstlern, die gerne eine Weile an einem Projekt festhalten, es reifen lassen, bis sie bereit sind?
Früher konnte ich direkt in eine Idee eintauchen. Als ich jünger war, hatte ich das Gefühl, alles müsse schnell erledigt werden, aber jetzt schätze ich die Langsamkeit. Ich skizziere alle meine Ideen in kleinem Maßstab und versuche, nicht zu perfektionistisch zu sein. Ich lasse eine Idee köcheln und komme später darauf zurück. Wenn ich die Idee immer noch liebe, dann setze ich sie über das Skizzenbuch hinaus in die Realität um.
Ihre Arbeit scheint von einem Gefühl der, nun ja, Freude durchdrungen zu sein. Befreiung und Erkenntnis werden in Ihrer gesamten Kunst erforscht. Würden Sie dem zustimmen? Können Sie ein wenig darüber sprechen, wie das zustande kam, was Sie in Ihrer Arbeit als kathartisch empfinden?
Zeichnen ist eine Methode, die ich zu allen Gelegenheiten anwende. Freude, Traurigkeit, wann immer – es hängt alles vom Werk ab. Ich finde den Prozess erdend, verbringe Zeit damit, Punkte im Rhythmus zu malen oder Linoleum zu schnitzen. Beim Schnitzen, Malen oder Zeichnen finde ich die Wiederholung der Bewegung beruhigend. Es sind Momente, in denen mein Gehirn von der Überstimulation durch Technologie und modernes Leben abschalten kann; ich konzentriere mich hyperfokussiert auf die Bewegung meines Körpers. Darin liegt als Routine etwas Tröstliches. Mein Geist genießt die Ruhe, die es mit sich bringt.
Wir haben Sie in Ihrem Londoner Atelier getroffen. Wie erfüllt Sie der Raum und London selbst als Künstlerin? Gibt es etwas an der Stadt, das Sie hier hält, anstatt umzuziehen und irgendwohin abseits zu gehen?
Ich liebe einen sonnigen Tag in London. Es passiert einfach so viel. Musik, Kunst, Essen; Inspirationen sind überall. London als Heimatstadt zu haben ist ein Geschenk, denn Künstler aus der ganzen Welt kommen vorbei. Ich habe im Laufe der Jahre Freundschaften mit einigen erstaunlichen Kreativen geschlossen. Erst neulich habe ich mich mit Jon Key getroffen, einem Künstler aus den USA, der gerade Black Queer & Untold veröffentlicht hat, ein Buch über schwarze queere Kunst und Design. Künstler, die ich bewundere, wie Jon, treffen zu können, etwas über ihre Wege des Schaffens und Gestaltens zu lernen und Gespräche darüber zu führen, wie es in der Branche ist, ist so hilfreich. Das kann einen als Künstler wirklich am Laufen halten.
Was ist mit Ihren Inspirationen? Es wäre toll, ein wenig über die Kunst oder die Menschen in Ihrem Leben zu hören, die Sie als Person und als Schöpferin beeinflusst haben. Wer oder was sind sie und warum?
Es gibt so viele Menschen, Gemälde und Visuals, die mich inspiriert haben. Ich erinnere mich speziell an ein Kunstwerk, das ich zum ersten Mal im College gesehen habe. Es ist ein Gemälde namens Der Mann mit dem blauen Hut von Fernand Leger. Mich faszinierte die Umrisszeichnung dieser Figur und der Objekte im Rahmen. Es erinnerte mich an Comics, Illustrationen, Zeichentrickfilme, aber es war unverkennbar hohe Kunst. Es wird immer eines meiner Favoriten sein.
Sie arbeiten oft mit Musik und Ihre Ausstellungen wurden vertont. Wie wurde Musik so wichtig für Ihre Praxis? Ist sie jetzt genauso wichtig wie zu Beginn Ihrer Künstlerlaufbahn?
Musik und Kunst sind bei mir so eng miteinander verbunden. Wenn ich im Atelier arbeite, läuft immer das Radio. Der Klang gibt das Tempo vor und beeinflusst jeden Pinselstrich, den ich mache, jede Linie, die ich ziehe. Der Prozess des Kunstschaffens hat so viel Rhythmus. Seit meiner ersten Einzelausstellung im Jahr 2018 erstelle ich eine Playlist, die die Werke begleitet, wenn sie ausgestellt werden. Sie ist mir also jetzt genauso wichtig wie damals. Sie hilft mir, meine Geschichten zu erzählen.
Viele meiner Gemälde sind mit bestimmten Liedern verbunden. Remember Me - Rodeo King ist direkt mit Diana Ross' Lied Remember Me verbunden. Mein Gemälde Two Faced Boot ist mit David Bowies Young Americans verbunden, und einen Siebdruck, den ich Half Moonlight nannte, kombiniere ich mit Yaya Beys Lied Real Yearners Unite. Es sind nicht immer die Texte, es ist die Art, wie ein Lied mich fühlen lässt. Die Energie untermalt die Kunst und umgekehrt.
Ich bin eher introvertiert, daher muss ich mich noch daran gewöhnen. Es kann beängstigend sein, als ob meine Gedanken und Gefühle sichtbar gemacht wurden, und das ist eine verletzliche Situation, in der man sich wiederfindet. Aber zunehmend habe ich das Gefühl, dass diese Art von Offenheit es anderen Menschen leichter macht, sich mit meiner Arbeit zu verbinden oder zumindest meine Absicht dahinter zu verstehen. Aber auch das ist noch etwas, woran ich mich anpassen muss!
Zum Schluss noch ein kurzer Hinweis zur Farbe. Ihre Farbgebung ist fantastisch! Gibt es eine Methode, wie Sie sie verwenden? Wie wählen Sie sie aus? Wurden Sie in ihrer Anwendung geschult?
Um ehrlich zu sein, denke ich nicht wirklich lange darüber nach! Es fühlt sich fast wie Instinkt gemischt mit Selbstvertrauen an. Ich liebe süße Rottöne, tiefe Blautöne und eiergelbe Töne, und ich neige zu Primärfarben. Sie passen zu allem – oder zumindest rede ich mir das ein.
In diesem letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspirationen in die Welt zu tragen, indem Sie 5 gute Dinge empfehlen und begründen, warum Sie sie gewählt haben.
Ein Restaurant oder Café, das Sie in Ihrer Stadt mögen.
Deserted Cactus auf Rye Lane, Peckham
Ein Film, den jeder sehen sollte.
My Fathers Shadow von Akinola Davies Jr.
Ein Buch, das jeder lesen sollte.
Where You Go I Will Go von Christina Fonthes
Ein Musikalben oder Künstler, der Ihnen etwas bedeutet.
Mali von Shy One. Es ist die perfekte Musik, wenn es Zeit ist, Dinge zu erledigen.
Wohin würden Sie jemanden schicken, der Ihre Stadt oder Heimatstadt zum ersten Mal besucht.
Hampstead Heath im Sommer
Weitere Informationen zu Joys Arbeit finden Sie hier. Sie trugen unsere 7012 Champ Jogger, den 3049 Evo Shell Mantel und die 3050 Evo Liner Jacke sowie ein 3001 Overshirt in Burst Grape und unser 7006 Signature T-Shirt.