„Der Körper kann Wahrheiten erzählen, die Worte nicht erreichen können.“
1983 blieb der junge Benji Reid stehen, um einer Breakdance-Crew zuzusehen, die vor dem Manchester Arndale Centre als Straßenkünstler auftrat. Ihr Name war Broken Glass. Inspiriert stürzte er sich in die Anfänge des britischen Hip-Hop und trat bei Dance-Offs im ganzen Land gegen B-Boys an. Benji wurde bald Mitglied von Broken Glass und gewann nationale Breakdance- und Body Popping-Meisterschaften. Nach einer Zeit an der Northern School of Contemporary Dance wurde er 1990 zum Lead-Tänzer für Soul II Soul auf deren weltweiter Stadiontournee. Nach seiner Rückkehr nach Hause, um physische und Protest-Performances zu verfolgen, war er Mitbegründer des Hip-Hop-Theaters, einer bahnbrechenden Fusion aus Poesie, Tanz und Live-Musik. Bis 2018 war er Kreativdirektor der angesehenen Kompanie Breaking Cycles und hat sich seitdem als preisgekrönter Fotograf neu erfunden. Seine „Choreo-Photolism“-Praxis nutzt kühn inszenierte Szenen, um Themen wie Identität, Isolation, Afro-Futurismus und mehr zu erforschen. Macht euch bereit für seine 5 guten Dinge.
Du hast als Body Popper angefangen, bevor du der legendären Manchester Breakdance-Crew Broken Glass beigetreten bist. Kannst du uns etwas über deine Beteiligung an der frühen britischen Hip-Hop-Szene erzählen? Wie war es?
Die frühen Tage waren wild. Vor Broken Glass versuchte ich einfach, mir einen Namen zu machen, was bedeutete, jeden herauszufordern, der sich zeigte. In den 80er Jahren hatten wir Jugendzentren, in denen sich Kinder aus verschiedenen Schulen trafen. So lernten wir die Stile der anderen kennen. Aber der eigentliche Ort, an dem wir uns austobten, war ein Club namens Sands in Stretford, Manchester. Hewan Clarke war der Resident-DJ, und der Ort war elektrisierend. Es war wie der Wilde Westen. Wenn du dorthin gingst, gingst du tanzen – Bierdeckel in der Gesäßtasche, bereit, die Tanzfläche zu erobern.
Wir nannten es nie „Battling“ – es war immer „Challenging“. Eine typische Herausforderung begann damit, dass ein DJ einen Elektro-Tune spielte, zum Beispiel 'ET Boogie'. Sobald es losging, stürmten B-Boys und Popper die Tanzfläche. Ein Tänzer begann zu tanzen, ein Kreis bildete sich, Stroboskoplichter blitzten. Die Energie wurde immer intensiver. Wir fingen an, uns gegenseitig herauszufordern. Ich wartete, bis eine Herausforderung in vollem Gange war, bevor ich in den Kreis trat, und wenn ich es tat, wurde ich immer laut bejubelt. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich den Ruf, großartig zu sein.
Kleidung war genauso wichtig wie Moves. Ich trug Latzhosen, Boxerschuhe, ein Diamond-Back-Top. BMX war damals auch groß für mich, und das beeinflusste, wie ich mich kleidete und gab. Die ganze Szene war teils Tanz, teils Mode, teils Theater. Diese frühen Herausforderungen prägten alles, was danach kam.
Nicht lange danach hast du einen Platz an der Northern School of Contemporary Dance in Leeds bekommen. Vom Body Popping in Clubs und bei Events zum Studium von Ballett und Tanz als Kunstform. Wie hat dieser Sprung deinen Ausdruck geformt und dich von der Person und dem Tänzer, der du warst, zu dem gemacht, was du werden würdest?
Ich sage immer noch, dass die NSCD die besten drei Jahre meines Lebens waren. Ich war wie ein Schwamm. Jede Woche gab es eine andere Show zu sehen, eine andere Welt öffnete sich. Es war ein kompletter Kulturwechsel. Neue Stadt, neue Schule, neue Klassenkameraden. Wir wurden ins kalte Wasser geworfen: zuerst klassisches Ballett, dann zeitgenössischer Tanz, Musikgeschichte, Choreografie. Choreografie und Lichtdesign liebte ich von Anfang an.
An der NSCD lernte ich das Protesttheater aus Südafrika kennen – Schauspieler und Autoren, die sich gegen die Apartheid aussprachen. Künstler wie Athol Fugard, John Kani und Winston Ntshona öffneten mir die Augen dafür, wie Performance politisch sein konnte, wie sie etwas Größeres als nur Bewegung ansprechen konnte. Ihr Theater war nicht nur Performance, es war Widerstand, es war Überleben, es war Wahrheitsfindung.
Wenn man genau hinsieht, gibt es eine direkte Korrelation zwischen Protest- und Hip-Hop-Theater. Beide sind politisch. Beide würde ich als Gesamttheater bezeichnen, da sie alles nutzen: Gesang, Rap, traditionellen afrikanischen Tanz, Popping und Breaking, und sie werden oft in nicht-traditionellen Räumen aufgeführt. Beide Formen sind gegenkulturell, aus Kampf und Kreativität geboren, und sie tragen denselben Geist des Trotzes.
Rückblickend auf die Übergänge deiner frühen Karriere, vom Breakdance über die Tanzschule zu Welttourneen mit Soul II Soul, der Gründung deiner eigenen Tanz- und Theaterkompanie, was hat dich deiner Meinung nach angetrieben? Gab es Inspirationen oder Ambitionen?
Was mich antrieb, war Hunger – purer Hunger. Von den Jugendclubs über die NSCD bis hin zu den Tourneen mit Soul II Soul hatte ich immer das Gefühl, dass es mehr zu entdecken, mehr auszudrücken gab. Ich wollte nicht stehen bleiben.
Meine Inspirationen waren überall: die Crews und Tänzer, mit denen ich kämpfte, die Lehrer, die mich an der NSCD herausforderten, die Musiker und Künstler, mit denen ich tourte. Aber tiefer als das war es Ehrgeiz. Ich wollte meine eigene Sprache, meine eigene Art, in der Welt zu sein, erschaffen.
Die Gründung meiner eigenen Physical Theatre Company war Teil dieses Antriebs. Ich wollte nicht nur in der Vision eines anderen auftreten. Ich wollte Räume schaffen, in denen die Arbeit direkt aus meinem Geist, meiner Gemeinschaft, meiner Erfahrung kommen konnte. Das hat mich immer weitergetrieben. Ich glaube, dass Physical Theatre mehr als Unterhaltung sein kann. Es kann ein Rettungsanker sein, eine Möglichkeit, Wahrheiten auszusprechen, die sonst ungesagt bleiben würden.
Obwohl du dich ständig neu erfindest, erscheint deine frühe Reise logisch und evolutionär. Wie natürlich hat es sich damals angefühlt? Was ist mit dem Wechsel zur Fotografie, kannst du uns ein bisschen erzählen, wie sich das angefühlt hat und wie du es geschafft hast?
Von außen mag meine Reise nahtlos erscheinen – als ob ein Schritt natürlich zum nächsten führte –, aber es zu leben, war ganz anders. Damals fühlte sich jeder Schritt riskant an, wie ein Sprung ins Ungewisse. Neuerfindung war keine Wahl; es war Überleben.
Der Wechsel zur Fotografie war einer dieser Sprünge – eine zufällige Entdeckung. Als ich meine Firma Breaking Cycles verlor und mein Büro aufräumte, fand ich eine Kamera, die eigentlich dazu gedacht war, meine Shows zu dokumentieren, aber nie benutzt worden war. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich nichts mehr, keine Arbeit mehr. Eine ganz neue Welle von Künstlern wurde zum Trend, und ich fühlte mich abgedrängt. Also zog ich mich in mich selbst zurück.
Ich habe mir die Fotografie durch Versuch und Irrtum selbst beigebracht. Meine Tochter Luna wurde meine erste Muse, mein Hauptmotiv, und durch sie begann ich, mein Auge zu entwickeln. Dort begann ich zu sehen, wie Bewegung, Theater und Bild in einem einzigen Rahmen zusammenkommen konnten.
Von außen mag es wie eine natürliche Entwicklung aussehen, aber die Wahrheit ist, dass ich verloren war. Ich fühlte mich depressiv und unsichtbar. Es zu schaffen, hing von demselben ab, was mich von Anfang an getragen hatte: Vision und Beharrlichkeit. Ich vertraute darauf, dass, wenn ich meinen Instinkten treu bliebe, wenn ich weiterhin Werke aus einem tiefen und ehrlichen Ort heraus formte, der Weg sich offenbaren würde. Und im Nachhinein, ja, es sieht evolutionär aus. Aber im Moment war es nur ich, der einen weiteren Sprung ins Ungewisse wagte.
Deine Fotografie ist so originell. Überirdisch und transportierend, und doch lustig und theatralisch. Wie kommen Erforschung und Spiel in deiner Arbeit vor?
Spiel ist zentral für meine Praxis. Ich betrachte Choreo-Photolismus als einen Raum, in dem Vorstellungskraft, Bewegung und Theater kollidieren, und Spiel ist das, was mir erlaubt, diese Kollisionen freizusetzen.
Für mich beginnt die Erforschung immer mit Neugier – der Frage, was wäre, wenn? Was wäre, wenn die Schwerkraft nicht gälte? Was wäre, wenn ein Moment der Verzweiflung wie ein Flug aussehen könnte? Was wäre, wenn wir das Unmögliche inszenieren und sichtbar machen würden? Dieser Spielgeist öffnet die Tür zu anderen Welten.
Aber Spiel ist nicht nur Leichtigkeit, es ist Risiko, Verletzlichkeit, Freiheit – die Art von Freiheit, die Kinder natürlich tragen, bevor die Welt ihnen sagt, sie sollen sich verkleinern. In meiner Arbeit versuche ich ständig, diese Energie zurückzugewinnen, dieses Kind am Leben zu erhalten. Daher kommt die Theatralik, aber auch die Ehrlichkeit.
Also ja, meine Bilder mögen überirdisch aussehen, aber sie entstehen aus diesem einfachen Akt des Spiels mit Möglichkeiten – die Vorstellungskraft führen zu lassen und ihr zu vertrauen, dass sie mich und den Betrachter an einen unerwarteten Ort führt.
Die Tanzfläche. Die Tanzkompanie. Das Zuhause. Der Körper. Wäre es fair zu sagen, dass es in deiner Arbeit darum geht, Bühnen auf unerwartete Weise und an unerwarteten Orten zu schaffen? Könntest du darüber etwas erzählen?
Ich versuche, meine Arbeit nicht nur als Tanz zu betrachten, denn sie war immer breiter gefächert. Sie ist multidisziplinär und schöpft aus Theater, Fotografie, bildender Kunst und manchmal sogar Poesie. Für mich ist die Bühne nicht auf das Theater oder die Tanzfläche beschränkt. Die Bühne kann überall sein – sogar in der Fantasie.
Mich interessiert es, Bühnen an unerwarteten Orten zu schaffen: zu Hause, auf der Straße, im Körper selbst oder wie ein Foto einen Moment der Spannung einfängt. Manchmal ist die Bühne wörtlich, manchmal ist sie unsichtbar. Was zählt, ist ein Gefühl der Präsenz – die Vorstellung, dass dies ein Raum ist, in dem etwas Transformatives geschehen könnte.
Deshalb nenne ich meine Praxis Choreo-Photolism. Es geht darum, Geschichten auf eine Weise zu inszenieren, die die Leute nicht erwarten, und uns daran zu erinnern, dass Performance, Rituale und Kunst überall dort stattfinden können, wo Leben stattfindet.
So vieles von Benji Reid scheint sich um die Macht der Wahrnehmung zu drehen. Mit Kommunikation auf physische Weise zu spielen. Warum interessiert dich das? Könntest du vielleicht genauer erklären, warum du die Dinge sagen möchtest, die du sagst?
Ich sage Dinge, die gesagt werden müssen. Das ist der Ausgangspunkt. Ich war schon immer davon angezogen, physisch zu kommunizieren – durch Bewegung, durch Bilder –, weil der Körper Wahrheiten erzählen kann, die Worte nicht erreichen können.
Warum interessiert es mich? Weil es notwendig ist. Stimmen wie meine wurden in meiner Kindheit nicht immer gehört. Unsere Geschichten konnten ignoriert oder gelöscht werden. Kunst gab mir eine Möglichkeit, diese Geschichten wieder in den Raum zu bringen – laut, unbestreitbar, präsent.
Ein Großteil meiner Arbeit besteht darin, Wahrnehmungen zu verschieben – das, was die Leute zu wissen glauben, zu nehmen und es zu verbiegen, zu verdrehen, damit sie gezwungen sind, anders zu sehen. Ob Schwerelosigkeit, Verletzlichkeit oder Widerstandsfähigkeit, ich möchte Dinge kommunizieren, die wichtig sind.
Wie hat sich dein Verhältnis zur Kunst verändert? Du hast eine so lange und interessante Karriere hinter dir. Erfüllt und fasziniert es dich heute noch auf die gleiche Weise?
Meine Beziehung zur Kunst hat sich viele Male verändert. Am Anfang war es pures Feuer. Purer Hunger, Adrenalin, der Nervenkitzel der Bewegung und des Ausdrucks. Später ging es darum, etwas aufzubauen – Kompanien, Shows, Gemeinschaften. Dann ging es an bestimmten Punkten ums Überleben, darum, an der Kunst festzuhalten, wenn alles andere wegzufallen schien.
Heute erfüllt mich Kunst immer noch, nur auf eine andere Weise. Ich bin weniger daran interessiert, mich zu beweisen, und mehr daran, die Arbeit zu vertiefen, schwierigere Fragen zu stellen, Raum für Verletzlichkeit zu schaffen, Bilder und Performances zu schaffen, die das Überleben eines anderen ansprechen könnten.
Kunst fasziniert mich immer noch, weil sie nie fertig ist. Jedes Mal, wenn ich ins Studio oder hinter die Kamera trete, werde ich daran erinnert, dass Kunst ein Dialog zwischen mir und der Welt ist und dass sich dieser Dialog ständig ändert. Der Hunger ist immer noch da, aber er ist mit Reflexion gemildert. Ich würde sagen, ich bin jetzt geduldiger, aber genauso ruhelos.
Welche zeitgenössischen Künstler begeistern dich? Warum resonieren ihre Werke?
Mike Tyson begeistert mich, nicht nur als Kämpfer, sondern als Geschichte des Kampfes und der Transformation. Aus dem Nichts aufzusteigen und Schwergewichtsweltmeister zu werden, ist an sich schon beeindruckend. Aber was mich wirklich inspiriert, ist, wie er die Vorstellung von „Iron Mike“, diese Maske der Unbesiegbarkeit, ablegen und die Reise zur Findung seines wahren Selbst antreten musste. Das erfordert Mut.
Dann gibt es J Dilla. Er ist wie ein Heiliger für mich. Er hörte Musik anders. Seine Beats waren so erfinderisch, so spielerisch und doch tiefgründig. Dilla erinnert mich daran, dass Kunst die Zeit biegen, die Regeln neu schreiben und dennoch im Soul verwurzelt bleiben kann.
Beide verkörpern auf ihre Weise das, was ich in meiner Arbeit verfolge: Widerstandsfähigkeit, Neuerfindung und die Fähigkeit, aus dem Kampf etwas völlig Originelles zu formen.
Zuletzt noch eine kurze Doppelfrage zum Thema Mode. Du bist ein großer Hip-Hop-Fan. Wie hat Hip-Hop die Art und Weise beeinflusst, wie wir uns kleiden? Wie hat es deinen Stil geprägt?
Ich bin im Geiste ein Hip-Hop-Head. Vielleicht nicht mehr so sehr bei der neuen Musik heutzutage, aber der Geist des Hip-Hop – aus dem Nichts etwas zu schaffen – hat mich nie verlassen.
Hip-Hop war schon immer größer als der Sound. Es geht um Attitüde, Identität, Stil. Von den Anfängen an prägte es, wie wir uns gaben. Die Kleidung wurde zu einer Art Rüstung, eine Art zu erklären, wer man war.
Jetzt ist der Einfluss des Hip-Hop auf mich zu sehen, nicht auf nostalgische Weise, sondern wie ich Kleidung als Erzählmethode nutze, Selbstdarstellung als Erweiterung der Kunst. Für mich ist der Geist der Neuerfindung des Hip-Hop dauerhaft. Er ist grundlegend dafür, wie ich lebe und schaffe.
In diesem letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspiration in die Welt zu senden,
5 gute Dinge zu empfehlen und die Gründe für Ihre Wahl anzugeben.
Ein Restaurant oder Café, das dir in deiner Stadt gefällt.
Pull Up, das karibische Restaurant im Zentrum von Manchester. Sharon, die es leitet, ist fantastisch. Es fühlt sich jedes Mal an, als würde ich zu Hause essen. Das Essen, die Atmosphäre, der Empfang. Es ist alles Herz.
Ein Film, den jeder sehen sollte.
Delicatessen. Ein surrealer, düster-komischer Film, der in einer postapokalyptischen Welt spielt. Er ist seltsam, schön und beunruhigend – voller Erfindungsreichtum, Textur, Vorstellungskraft. Er bleibt wirklich hängen.
Ein Buch, das jeder lesen sollte.
The Creative Act: A Way of Being von Rick Rubin. Es ist eine Erinnerung daran, dass Kreativität nicht nur darum geht, Dinge zu schaffen, sondern darum, wie wir leben. Ich denke, jeder Künstler oder jeder, der seine Stimme sucht, sollte es lesen.
Ein Musikalben oder Künstler, der dir etwas bedeutet.
Don Blackman von Don Blackman.
Wohin du jemanden schicken würdest, wenn er deine Stadt oder Heimatstadt zum ersten Mal besucht.
Factory International. Es ist das kulturelle Herzstück von Manchester. Wenn du zum ersten Mal zu Besuch bist, spürst du dort die kreative Energie der Stadt am besten.
Benji Reid trug die 7001 North West Waxed Jacket in British Yellow, unsere 5021 Raw Denim Painter Pants und ein 7010 Longsleeve T-Shirt in Steel.
5 gute Dinge – Benji Reid, Manchester, Großbritannien
„Der Körper kann Wahrheiten erzählen, die Worte nicht erreichen können.“
1983 blieb der junge Benji Reid stehen, um einer Breakdance-Crew zuzusehen, die vor dem Manchester Arndale Centre als Straßenkünstler auftrat. Ihr Name war Broken Glass. Inspiriert stürzte er sich in die Anfänge des britischen Hip-Hop und trat bei Dance-Offs im ganzen Land gegen B-Boys an. Benji wurde bald Mitglied von Broken Glass und gewann nationale Breakdance- und Body Popping-Meisterschaften. Nach einer Zeit an der Northern School of Contemporary Dance wurde er 1990 zum Lead-Tänzer für Soul II Soul auf deren weltweiter Stadiontournee. Nach seiner Rückkehr nach Hause, um physische und Protest-Performances zu verfolgen, war er Mitbegründer des Hip-Hop-Theaters, einer bahnbrechenden Fusion aus Poesie, Tanz und Live-Musik. Bis 2018 war er Kreativdirektor der angesehenen Kompanie Breaking Cycles und hat sich seitdem als preisgekrönter Fotograf neu erfunden. Seine „Choreo-Photolism“-Praxis nutzt kühn inszenierte Szenen, um Themen wie Identität, Isolation, Afro-Futurismus und mehr zu erforschen. Macht euch bereit für seine 5 guten Dinge.
Du hast als Body Popper angefangen, bevor du der legendären Manchester Breakdance-Crew Broken Glass beigetreten bist. Kannst du uns etwas über deine Beteiligung an der frühen britischen Hip-Hop-Szene erzählen? Wie war es?
Die frühen Tage waren wild. Vor Broken Glass versuchte ich einfach, mir einen Namen zu machen, was bedeutete, jeden herauszufordern, der sich zeigte. In den 80er Jahren hatten wir Jugendzentren, in denen sich Kinder aus verschiedenen Schulen trafen. So lernten wir die Stile der anderen kennen. Aber der eigentliche Ort, an dem wir uns austobten, war ein Club namens Sands in Stretford, Manchester. Hewan Clarke war der Resident-DJ, und der Ort war elektrisierend. Es war wie der Wilde Westen. Wenn du dorthin gingst, gingst du tanzen – Bierdeckel in der Gesäßtasche, bereit, die Tanzfläche zu erobern.
Wir nannten es nie „Battling“ – es war immer „Challenging“. Eine typische Herausforderung begann damit, dass ein DJ einen Elektro-Tune spielte, zum Beispiel 'ET Boogie'. Sobald es losging, stürmten B-Boys und Popper die Tanzfläche. Ein Tänzer begann zu tanzen, ein Kreis bildete sich, Stroboskoplichter blitzten. Die Energie wurde immer intensiver. Wir fingen an, uns gegenseitig herauszufordern. Ich wartete, bis eine Herausforderung in vollem Gange war, bevor ich in den Kreis trat, und wenn ich es tat, wurde ich immer laut bejubelt. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich den Ruf, großartig zu sein.
Kleidung war genauso wichtig wie Moves. Ich trug Latzhosen, Boxerschuhe, ein Diamond-Back-Top. BMX war damals auch groß für mich, und das beeinflusste, wie ich mich kleidete und gab. Die ganze Szene war teils Tanz, teils Mode, teils Theater. Diese frühen Herausforderungen prägten alles, was danach kam.
Nicht lange danach hast du einen Platz an der Northern School of Contemporary Dance in Leeds bekommen. Vom Body Popping in Clubs und bei Events zum Studium von Ballett und Tanz als Kunstform. Wie hat dieser Sprung deinen Ausdruck geformt und dich von der Person und dem Tänzer, der du warst, zu dem gemacht, was du werden würdest?
Ich sage immer noch, dass die NSCD die besten drei Jahre meines Lebens waren. Ich war wie ein Schwamm. Jede Woche gab es eine andere Show zu sehen, eine andere Welt öffnete sich. Es war ein kompletter Kulturwechsel. Neue Stadt, neue Schule, neue Klassenkameraden. Wir wurden ins kalte Wasser geworfen: zuerst klassisches Ballett, dann zeitgenössischer Tanz, Musikgeschichte, Choreografie. Choreografie und Lichtdesign liebte ich von Anfang an.
An der NSCD lernte ich das Protesttheater aus Südafrika kennen – Schauspieler und Autoren, die sich gegen die Apartheid aussprachen. Künstler wie Athol Fugard, John Kani und Winston Ntshona öffneten mir die Augen dafür, wie Performance politisch sein konnte, wie sie etwas Größeres als nur Bewegung ansprechen konnte. Ihr Theater war nicht nur Performance, es war Widerstand, es war Überleben, es war Wahrheitsfindung.
Wenn man genau hinsieht, gibt es eine direkte Korrelation zwischen Protest- und Hip-Hop-Theater. Beide sind politisch. Beide würde ich als Gesamttheater bezeichnen, da sie alles nutzen: Gesang, Rap, traditionellen afrikanischen Tanz, Popping und Breaking, und sie werden oft in nicht-traditionellen Räumen aufgeführt. Beide Formen sind gegenkulturell, aus Kampf und Kreativität geboren, und sie tragen denselben Geist des Trotzes.
Rückblickend auf die Übergänge deiner frühen Karriere, vom Breakdance über die Tanzschule zu Welttourneen mit Soul II Soul, der Gründung deiner eigenen Tanz- und Theaterkompanie, was hat dich deiner Meinung nach angetrieben? Gab es Inspirationen oder Ambitionen?
Was mich antrieb, war Hunger – purer Hunger. Von den Jugendclubs über die NSCD bis hin zu den Tourneen mit Soul II Soul hatte ich immer das Gefühl, dass es mehr zu entdecken, mehr auszudrücken gab. Ich wollte nicht stehen bleiben.
Meine Inspirationen waren überall: die Crews und Tänzer, mit denen ich kämpfte, die Lehrer, die mich an der NSCD herausforderten, die Musiker und Künstler, mit denen ich tourte. Aber tiefer als das war es Ehrgeiz. Ich wollte meine eigene Sprache, meine eigene Art, in der Welt zu sein, erschaffen.
Die Gründung meiner eigenen Physical Theatre Company war Teil dieses Antriebs. Ich wollte nicht nur in der Vision eines anderen auftreten. Ich wollte Räume schaffen, in denen die Arbeit direkt aus meinem Geist, meiner Gemeinschaft, meiner Erfahrung kommen konnte. Das hat mich immer weitergetrieben. Ich glaube, dass Physical Theatre mehr als Unterhaltung sein kann. Es kann ein Rettungsanker sein, eine Möglichkeit, Wahrheiten auszusprechen, die sonst ungesagt bleiben würden.
Obwohl du dich ständig neu erfindest, erscheint deine frühe Reise logisch und evolutionär. Wie natürlich hat es sich damals angefühlt? Was ist mit dem Wechsel zur Fotografie, kannst du uns ein bisschen erzählen, wie sich das angefühlt hat und wie du es geschafft hast?
Von außen mag meine Reise nahtlos erscheinen – als ob ein Schritt natürlich zum nächsten führte –, aber es zu leben, war ganz anders. Damals fühlte sich jeder Schritt riskant an, wie ein Sprung ins Ungewisse. Neuerfindung war keine Wahl; es war Überleben.
Der Wechsel zur Fotografie war einer dieser Sprünge – eine zufällige Entdeckung. Als ich meine Firma Breaking Cycles verlor und mein Büro aufräumte, fand ich eine Kamera, die eigentlich dazu gedacht war, meine Shows zu dokumentieren, aber nie benutzt worden war. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich nichts mehr, keine Arbeit mehr. Eine ganz neue Welle von Künstlern wurde zum Trend, und ich fühlte mich abgedrängt. Also zog ich mich in mich selbst zurück.
Ich habe mir die Fotografie durch Versuch und Irrtum selbst beigebracht. Meine Tochter Luna wurde meine erste Muse, mein Hauptmotiv, und durch sie begann ich, mein Auge zu entwickeln. Dort begann ich zu sehen, wie Bewegung, Theater und Bild in einem einzigen Rahmen zusammenkommen konnten.
Von außen mag es wie eine natürliche Entwicklung aussehen, aber die Wahrheit ist, dass ich verloren war. Ich fühlte mich depressiv und unsichtbar. Es zu schaffen, hing von demselben ab, was mich von Anfang an getragen hatte: Vision und Beharrlichkeit. Ich vertraute darauf, dass, wenn ich meinen Instinkten treu bliebe, wenn ich weiterhin Werke aus einem tiefen und ehrlichen Ort heraus formte, der Weg sich offenbaren würde. Und im Nachhinein, ja, es sieht evolutionär aus. Aber im Moment war es nur ich, der einen weiteren Sprung ins Ungewisse wagte.
Deine Fotografie ist so originell. Überirdisch und transportierend, und doch lustig und theatralisch. Wie kommen Erforschung und Spiel in deiner Arbeit vor?
Spiel ist zentral für meine Praxis. Ich betrachte Choreo-Photolismus als einen Raum, in dem Vorstellungskraft, Bewegung und Theater kollidieren, und Spiel ist das, was mir erlaubt, diese Kollisionen freizusetzen.
Für mich beginnt die Erforschung immer mit Neugier – der Frage, was wäre, wenn? Was wäre, wenn die Schwerkraft nicht gälte? Was wäre, wenn ein Moment der Verzweiflung wie ein Flug aussehen könnte? Was wäre, wenn wir das Unmögliche inszenieren und sichtbar machen würden? Dieser Spielgeist öffnet die Tür zu anderen Welten.
Aber Spiel ist nicht nur Leichtigkeit, es ist Risiko, Verletzlichkeit, Freiheit – die Art von Freiheit, die Kinder natürlich tragen, bevor die Welt ihnen sagt, sie sollen sich verkleinern. In meiner Arbeit versuche ich ständig, diese Energie zurückzugewinnen, dieses Kind am Leben zu erhalten. Daher kommt die Theatralik, aber auch die Ehrlichkeit.
Also ja, meine Bilder mögen überirdisch aussehen, aber sie entstehen aus diesem einfachen Akt des Spiels mit Möglichkeiten – die Vorstellungskraft führen zu lassen und ihr zu vertrauen, dass sie mich und den Betrachter an einen unerwarteten Ort führt.
Die Tanzfläche. Die Tanzkompanie. Das Zuhause. Der Körper. Wäre es fair zu sagen, dass es in deiner Arbeit darum geht, Bühnen auf unerwartete Weise und an unerwarteten Orten zu schaffen? Könntest du darüber etwas erzählen?
Ich versuche, meine Arbeit nicht nur als Tanz zu betrachten, denn sie war immer breiter gefächert. Sie ist multidisziplinär und schöpft aus Theater, Fotografie, bildender Kunst und manchmal sogar Poesie. Für mich ist die Bühne nicht auf das Theater oder die Tanzfläche beschränkt. Die Bühne kann überall sein – sogar in der Fantasie.
Mich interessiert es, Bühnen an unerwarteten Orten zu schaffen: zu Hause, auf der Straße, im Körper selbst oder wie ein Foto einen Moment der Spannung einfängt. Manchmal ist die Bühne wörtlich, manchmal ist sie unsichtbar. Was zählt, ist ein Gefühl der Präsenz – die Vorstellung, dass dies ein Raum ist, in dem etwas Transformatives geschehen könnte.
Deshalb nenne ich meine Praxis Choreo-Photolism. Es geht darum, Geschichten auf eine Weise zu inszenieren, die die Leute nicht erwarten, und uns daran zu erinnern, dass Performance, Rituale und Kunst überall dort stattfinden können, wo Leben stattfindet.
So vieles von Benji Reid scheint sich um die Macht der Wahrnehmung zu drehen. Mit Kommunikation auf physische Weise zu spielen. Warum interessiert dich das? Könntest du vielleicht genauer erklären, warum du die Dinge sagen möchtest, die du sagst?
Ich sage Dinge, die gesagt werden müssen. Das ist der Ausgangspunkt. Ich war schon immer davon angezogen, physisch zu kommunizieren – durch Bewegung, durch Bilder –, weil der Körper Wahrheiten erzählen kann, die Worte nicht erreichen können.
Warum interessiert es mich? Weil es notwendig ist. Stimmen wie meine wurden in meiner Kindheit nicht immer gehört. Unsere Geschichten konnten ignoriert oder gelöscht werden. Kunst gab mir eine Möglichkeit, diese Geschichten wieder in den Raum zu bringen – laut, unbestreitbar, präsent.
Ein Großteil meiner Arbeit besteht darin, Wahrnehmungen zu verschieben – das, was die Leute zu wissen glauben, zu nehmen und es zu verbiegen, zu verdrehen, damit sie gezwungen sind, anders zu sehen. Ob Schwerelosigkeit, Verletzlichkeit oder Widerstandsfähigkeit, ich möchte Dinge kommunizieren, die wichtig sind.
Wie hat sich dein Verhältnis zur Kunst verändert? Du hast eine so lange und interessante Karriere hinter dir. Erfüllt und fasziniert es dich heute noch auf die gleiche Weise?
Meine Beziehung zur Kunst hat sich viele Male verändert. Am Anfang war es pures Feuer. Purer Hunger, Adrenalin, der Nervenkitzel der Bewegung und des Ausdrucks. Später ging es darum, etwas aufzubauen – Kompanien, Shows, Gemeinschaften. Dann ging es an bestimmten Punkten ums Überleben, darum, an der Kunst festzuhalten, wenn alles andere wegzufallen schien.
Heute erfüllt mich Kunst immer noch, nur auf eine andere Weise. Ich bin weniger daran interessiert, mich zu beweisen, und mehr daran, die Arbeit zu vertiefen, schwierigere Fragen zu stellen, Raum für Verletzlichkeit zu schaffen, Bilder und Performances zu schaffen, die das Überleben eines anderen ansprechen könnten.
Kunst fasziniert mich immer noch, weil sie nie fertig ist. Jedes Mal, wenn ich ins Studio oder hinter die Kamera trete, werde ich daran erinnert, dass Kunst ein Dialog zwischen mir und der Welt ist und dass sich dieser Dialog ständig ändert. Der Hunger ist immer noch da, aber er ist mit Reflexion gemildert. Ich würde sagen, ich bin jetzt geduldiger, aber genauso ruhelos.
Welche zeitgenössischen Künstler begeistern dich? Warum resonieren ihre Werke?
Mike Tyson begeistert mich, nicht nur als Kämpfer, sondern als Geschichte des Kampfes und der Transformation. Aus dem Nichts aufzusteigen und Schwergewichtsweltmeister zu werden, ist an sich schon beeindruckend. Aber was mich wirklich inspiriert, ist, wie er die Vorstellung von „Iron Mike“, diese Maske der Unbesiegbarkeit, ablegen und die Reise zur Findung seines wahren Selbst antreten musste. Das erfordert Mut.
Dann gibt es J Dilla. Er ist wie ein Heiliger für mich. Er hörte Musik anders. Seine Beats waren so erfinderisch, so spielerisch und doch tiefgründig. Dilla erinnert mich daran, dass Kunst die Zeit biegen, die Regeln neu schreiben und dennoch im Soul verwurzelt bleiben kann.
Beide verkörpern auf ihre Weise das, was ich in meiner Arbeit verfolge: Widerstandsfähigkeit, Neuerfindung und die Fähigkeit, aus dem Kampf etwas völlig Originelles zu formen.
Zuletzt noch eine kurze Doppelfrage zum Thema Mode. Du bist ein großer Hip-Hop-Fan. Wie hat Hip-Hop die Art und Weise beeinflusst, wie wir uns kleiden? Wie hat es deinen Stil geprägt?
Ich bin im Geiste ein Hip-Hop-Head. Vielleicht nicht mehr so sehr bei der neuen Musik heutzutage, aber der Geist des Hip-Hop – aus dem Nichts etwas zu schaffen – hat mich nie verlassen.
Hip-Hop war schon immer größer als der Sound. Es geht um Attitüde, Identität, Stil. Von den Anfängen an prägte es, wie wir uns gaben. Die Kleidung wurde zu einer Art Rüstung, eine Art zu erklären, wer man war.
Jetzt ist der Einfluss des Hip-Hop auf mich zu sehen, nicht auf nostalgische Weise, sondern wie ich Kleidung als Erzählmethode nutze, Selbstdarstellung als Erweiterung der Kunst. Für mich ist der Geist der Neuerfindung des Hip-Hop dauerhaft. Er ist grundlegend dafür, wie ich lebe und schaffe.
In diesem letzten Teil bitten wir Sie, kulturelle Inspiration in die Welt zu senden,
5 gute Dinge zu empfehlen und die Gründe für Ihre Wahl anzugeben.
Ein Restaurant oder Café, das dir in deiner Stadt gefällt.
Pull Up, das karibische Restaurant im Zentrum von Manchester. Sharon, die es leitet, ist fantastisch. Es fühlt sich jedes Mal an, als würde ich zu Hause essen. Das Essen, die Atmosphäre, der Empfang. Es ist alles Herz.
Ein Film, den jeder sehen sollte.
Delicatessen. Ein surrealer, düster-komischer Film, der in einer postapokalyptischen Welt spielt. Er ist seltsam, schön und beunruhigend – voller Erfindungsreichtum, Textur, Vorstellungskraft. Er bleibt wirklich hängen.
Ein Buch, das jeder lesen sollte.
The Creative Act: A Way of Being von Rick Rubin. Es ist eine Erinnerung daran, dass Kreativität nicht nur darum geht, Dinge zu schaffen, sondern darum, wie wir leben. Ich denke, jeder Künstler oder jeder, der seine Stimme sucht, sollte es lesen.
Ein Musikalben oder Künstler, der dir etwas bedeutet.
Don Blackman von Don Blackman.
Wohin du jemanden schicken würdest, wenn er deine Stadt oder Heimatstadt zum ersten Mal besucht.
Factory International. Es ist das kulturelle Herzstück von Manchester. Wenn du zum ersten Mal zu Besuch bist, spürst du dort die kreative Energie der Stadt am besten.
Benji Reid trug die 7001 North West Waxed Jacket in British Yellow, unsere 5021 Raw Denim Painter Pants und ein 7010 Longsleeve T-Shirt in Steel.